FICCIÓPOLIS

Diario de un seductor

2012-01-21T10:25:00.000-08:00

Todo con exceso, nada sin medida

Los días del ron

Ricardo Martínez García

En medio de historias sobre negocios turbios en bienes inmuebles y construcción de infraestructura hotelera, noches de fiesta y desenfreno, y el contraste entre trabajar para un ínfimo periódico y trabajar bajo un contrato de confidencialidad para un grupo inversionista norteamericano, avezado y voraz, la cinta de Bruce Robinson The rum diary (Diario de un seductor) nos muestra algunos divertidos episodios de la vida del periodista Paul Kemp (alter ego de Hunter S. Thompson), en su aventura por Puerto Rico en la década de los 50.

La cinta de Robinson ofrece una versión fílmica bastante fiel al espíritu de la novela autobiográfica del mismo nombre, escrita por Hunter S. Thompson, famoso colaborador de la Rolling Stone, creador del llamado “periodismo gonzo” -aquel que propone un modelo periodístico en el que se elimina la división entre sujeto y objeto, entre ficción y no ficción, y en el que no hay noción clara de subjetividad o de objetividad- y autor del famoso libro sobre la banda de motociclistas llamada Hells Angels.

Kemp (Johnny Depp) llega de Nueva York a Puerto Rico para trabajar en un periódico local; conoce ahí a un fotógrafo aficionado a la pelea de gallos y a un reportero fascista y yonki, de quienes se volverá compañero. Por otro lado, se relaciona con un hombre de negocios, promotor de proyectos turbios, y con la excitante novia de éste.

La cinta discurre de modo algo caótico, a ratos se vuelve como una vorágine de escenas, divertidas las más de las veces, pero también estrambóticas y a veces algo trágicas. Indirectamente muestra la rapacidad tanto de las industrias como del ejército norteamericano y la destrucción que han llevado a cabo de algunos entornos naturales.

El título en español da lugar a ciertos malentendidos. No se trata de alguna versión fílmica de la obra de Sören Kierkegaard, ni es que esta cinta de Robinson cuente con una trama que justifique tal título. En realidad se traduciría literalmente como El Diario del Ron, haciendo alusión a la bebida que más ingiere el protagonista, y a las resacas que esto le produce. Tampoco es que el personaje de Depp se la pase seduciendo mujeres a diestra y siniestra.

Al final, Kemp quisiera ser un verdadero periodista, pero las circunstancias ya no le permiten hacerlo ahí. La cinta es divertida en la medida en la que muestra situaciones interesantes de este alter ego de Thompson en sus andanzas por el Caribe.

Las Aventuras de Tintín

2012-01-20T17:23:00.000-08:00

Aventura y gusto narrativo

Ricardo Martínez García

A partir del personaje creado por el caricaturista belga Hergé (Georges Remi) en 1922, el exitoso director Steven Spielberg recrea el cine de aventuras al estilo de Julio Verne, en donde las peripecias del protagonista se vuelven una verdadera y emocionante aventura, llena de peligros, persecusiones y misterios que se resuelven.

Lo que tiene Tintín de juventud lo tiene de audacia y atrevimiento, como buen reportero en un contexto, muy ligeramente tocado, previo a la Segunda Guerra Mundial. Es un personaje interesante y ameno, que ofrece la posibilidad de representar el espíritu libre y aventurero que muchos anhelarían para sí mismos. El manejo de los personajes que lo acompañan, como el capitán Haddok -que surgieron en el desarrollo de las historietas de Hergé cuando comenzó a publicar en un medio pronazi (Le Soir), durante la ocupación que éstos realizaron en Bélgica- es bastante atinado, pues son personajes bien definidos, tan importantes como la propia trama, que gira en torno a la búsqueda de un tesoro, todo a partir de un muy buen guión escrito por Edgar Wright, Joe Cornish y Steven Moffat.

La animación es de primer nivel, realizada con las técnicas más avanzadas por la empresa de efectos visuales Weta Digital. Se trata de una cinta animada con grandes escenas de acción e imaginación, que tiene como meta simplemente entretener de manera amena y divertida a una audiencia familiar y cuyo sello de calidad está en el nombre del director.

El rapto

2012-01-18T16:15:00.000-08:00

Secuestrado por el dinero

Crimen a la francesa

Ricardo Martínez García

El rapto es una película sobre un suceso criminal: el secuestro de un importante empresario, presidente de una compañía de más de cien mil empleados. La enorme facilidad con la que se comete el delito contrasta con las dificultades financieras y familiares a las que se enfrenta tal hecho.

Película francesa del director Lucas Belvaux, con guión suyo, muestra que en todos lados se cocen habas, que la industria del secuestro es un problema internacional. Pero lo que le interesa mostrar a Belvaux es la transformación paulatina de algunas de las personas involucradas al caso, sobre todo el secuestrado y su familia, así como sus compañeros de trabajo.

Stanislas Graff (Yvan Attal) es el heredero de un emporio industrial que es raptado, lo cual le desencadena un cambio en su vida de modo drástico. El rescate de 50 millones de euros pedidos por su libertad comienza a ser un problema familiar porque tal evento destapa la doble vida de este empresario. Además las ambiciones que otros ejecutivos muestran ante su desgracia, así como la incomprensión mutua entre su familia y él comienzan a hacer aflorar sentimientos antes muy bien guardados.

El suspenso que genera la trama de esta cinta se mantiene hasta el final pero éste resulta más o menos anticlimático. Se trata de una cinta directa, cruda y sin sentimentalismos que muestra diferentes facetas de los personajes: el abogado preocupado, el vicepresidente oportunista, el policía frío y desalmado, los secuestradores crueles por una parte y comprensivos por la otra.

Caballo de Guerra

2012-01-18T15:36:00.000-08:00

Un Aquiles Equino

Un caballo heróico

Ricardo Martínez García

Steven Spielberg es uno de los más grandes directores de Hollywood, exitoso como cineasta, productor, guionista. Ha explorado casi todos los géneros fílmicos. En Caballo de Guerra nuevamente nos lleva a través de la guerra, a partir de las peripecias de un caballo criado en la provincia británica de Devon, un lugar que se nos muestra paradisíaco (excelente fotografía) pero a la vez de tierra difícil de cultivar.

La épica ya no es meramente humana para Spielber, sino que ahora él encuentra la manera de narrarnos una épica equina. Joe, el caballo protagonista, sobrevive a diferentes batallas y dueños hasta regresar a la tierra que lo vio nacer, en una aventura que lo coloca entre los allegados de Aquiles en la Odisea. Pero lo que en Homero es el canto a la perseverancia y la astucia humana, además de la fantasía y la imaginación, en Spielber se vuelve, con esta odisea equina, una oda a la fuerza animal, a la aparente amistad entre caballos, además de entre el criador del caballo y éste. El carácter inverosímil de este Aquiles equino se muestra en todo su esplendor en la guerra de las trincheras realizada entre franceses y británicos en contra de las huestes del Kaiser. Como un súper poderoso caballo, Joe al escapar a todo galope de sus opresres pronto se encuentra vagando en medio de las trincheras, y avanza arrastrando consigo enormes obstáculos llenos de alambres con púas, y ¡sobrevive a esto!

Las escenas donde Joe es objeto de una subasta, recuerdan las de algunos esclavos -ya de Oriente Medio o de la América esclavista- que fueron subastados, y que a la postre resultarían más valiosos de lo que nadie pudo haber imaginado.

Spielber muestra una vez más su sabiduría fílmica y manejo técnico enormes, a partir de una bien hilada y entretenida historia que ensalza ahora a un caballo inteligente y noble. Aunque es una historia de guerra, ya no es sobre la Segunda Guerra Mundial, o sobre el Holocausto, o sobre la necesidad de crear un héroe entre los soldados aliados, ni explora mínimamente las causas del primer gran conflicto mundial. Es la historia de un caballo heróico, si cabe tal término.

La Piel Que Habito

2011-12-20T10:03:00.000-08:00

La reconfiguración

Almodóvar y su revisión de lo Clásico

Ricardo Martínez García

En su ya larga carrera Almodóvar se reinventa buscando en la esencia de lo humano, en los deseos frustrados de la humanidad de control de la naturaleza, en su falta de resignación ante lo inexorable, en su creencia en un cambio posible y manejable.

La piel que habito recuerda al mito de Frankenstein pero en una versión erótico-estética que combina un cierto castigo moral, que se trastoca en irrefrenable deseo narcisista y que se proyecta sobre el objeto creado, todo bajo la idea deforme de que se puede manipular el mundo de la naturaleza con una ciencia sin conciencia moral.

La piel que habito es una cinta basada en el libro de Thierry Jonquet titulado Mygale, que va más allá de una historia de un médico cirujano plástico, de un taxidermista eminente, Robert Ledgard (Antonio Banderas) que busca crear una piel sintética a prueba de moscos y de fuego, con el fin de ser usada para personas con quemaduras y otras graves afecciones de la piel. Un drama truculento, muy al estilo de Almodóvar, entrecruza las historias del doctot Ledgard, de su única y cautiva paciente permanente Vera (Elena Anaya), su ama de llaves Marilia (Marisa Paredes) y Zeca (Roberto Álamo), un hijo macarra como el que más.

Ledgar y Zeca son como dos personajes míticos, contrarios en su naturaleza y carácter, pero con una misma fuente primigenia y una locura que los emparenta, como muy bien logra discernir Marilia. Ledgar expresa la locura científica que pierde de vista todo límite moral; en un momento dado su peinado a lo Hitler deja en claro la naturaleza de su carácter. Zeca es la expresión de los deseos irrefrenables que toman el control vital y lo llevan también a la locura; su disfraz de bestia felina no es más que una alegoría de su carácter. Vera es el producto de un deseo antinatural de cambiar la esencia de las cosas, inspirado por el deseo a su vez de venganza.

La nueva obra del cineasta manchego se acerca enormemente a esa veta cinematográfica que muestra experimentos en humanos que van desde cintas como “El Huevo de la Serpiente” de Ingmar Bergman, hasta “Al filo de la mentira” de John Madden, pero la cinta de Almodóvar es mucho más radical, primigenia y, sobre todo, personal e íntima.

El manejo del drama que realiza esta cinta nos lleva a revisar los viejos conceptos de lo apolíneo y lo dionisíaco nietzscheanos y del concepto de tragedia que tan bien supieron expresar los clásicos griegos. Sin duda una de las mejores cintas de Almodóvar.

Al filo de la mentira

2011-11-30T16:19:00.000-08:00

Ella es una espía real

Historias indeseables II

Ricardo Martínez García.

Luego del fin de la Segunda Guerra Mundial y de la creación del estado israelí en 1948 como estado independiente, el Servicio Secreto conocido como Mossad estuvo involucrado en el espionaje y desarticulación de actividades terroristas árabes y en la búsqueda de criminales de guerra alemanes, a los cuales el estado israelí deseaba juzgar por sus atroces acciones en contra del pueblo judío durante el conflicto bélico. En tal marco histórico se ubica la acción de Al filo de la mentira (The Debt, 2010) del director británico John Madden.

La experimentada actriz británica de origen ruso Helen Mirren, cuyo trabajo en los escenarios teatrales, en el cine y la televisión le han ganado una merecida fama, interpreta en esta cinta a la ex agente del Mossad, Rachel Singer, que en su juventud fue comisionada, junto con dos compañeros, para capturar en la Alemania Oriental al doctor ex nazi Dieter Vogel (Jesper Christensen), acusado de realizar operaciones experimentales a prisioneros judíos.

Tal es la premisa de la historia, pero las cosas no son como las pinta la Historia, y la cinta aborda cómo se desarrolla y debate un sentimiento de deuda y vergüenza, presente en Rachel y en uno de sus compañeros, al no salir las cosas como estaban planeadas en aquella misión, ante los hechos y las vivencias ya en el año de 1996, 30 años luego de tal cometido.

La joven Rachel, interpretada por Jessica Chastain, establece un duelo de actuación con Mirren y lo hacen estupendamente bien ambas. Sam Wortington, Ciarán Hinds (como el joven y viejo David) y Marton Csokas y Tom Wilkinson (como el joven y viejo Stephan) completan el cuadro de excelentes actores que logran momentos de gran dramatismo en esta película.

Historia de espías prácticos que se confabulan y ceden ante las necesidades históricas o nacionales, y que se contrapone con otra historia de espías idealistas y atormentados hasta el último momento por su conciencia sobre la falta de veracidad en algunas versiones oficiales. Eso es esta cinta, que recuerda a la de Steven Spielberg Munich, pero que plantea una postura más crítica. Con ella queda claro que hay ciertos aspectos históricos que se manipularon con el fin de quedar bien ante la sociedad, pero que de saberse la verdad, esto podría destruir reputaciones de toda una vida. La moraleja viene a ser: si tienes una segunda oportunidad, no la dejes ir.

La llave de Sarah

2011-11-29T17:24:00.000-08:00

Ella se llamaba Sarah

Historias indeseables

Ricardo Martínez García

Kristin Scott Thomas una de las actrices británicas más versátiles de su generación, con una carrera basada en películas tanto inglesas como francesas y algunas incursiones en Hollywood, protagoniza la cinta La llave de Sarah (Elle S´appelait Sarah, 2010), del director francés Gilles Paquet-Brenner, un intenso drama que combina dos historias en épocas diferentes.

Scott Thomas hace el papel de Julia Jarmond una reportera norteamericana que trabaja en París. Su trabajo la lleva a averiguar la historia de un departamento al cual se quiere mudar con su esposo e hija y lo que descubre la lleva a tomar decisiones personales radicales.

La historia detrás de ese departamento es la historia de miles de judíos que durante la ocupación nazi en París son obligados a pasar cierto tiempo en un velódromo mientras deciden cómo llevarlos a los campos de exterminio, en condiciones totalmente inhumanas, pues no los dejaban ni usar los baños, por lo que al cabo de pocos días nadie soportaba el hedor. El recordatorio histórico no es que ocurriera tal hecho, sino que fuera perpretado totalmente por las autoridades francesas del gobierno de Vichy, en 1942, conocido posteriormente como el gobierno “colaboracionista” con el régimen nazi.

La cinta pasa de la historia de Julia (Scott Thomas) a la de Sarah Starzynski (Mélunsi Mayance) y su familia recluída en ese estadio, de manera muy fluida, enfatizando momentos de gran dramatismo en ambas historias. La cinta también es la memoria de eventos que muy pocos quieren recordar, pues eran “situaciones de la guerra”, aunque esa justificación se usa cuando no hay verdaderamente justificación para comportamientos tan atroces por parte de los franceses no judíos ni de esas autoridades del gobierno de Vichy, liderado por Pierre Laval y Phillipe Pétain, el cual había capitulado ante el III Reich desde 1940.

Inserta en este contexto histórico, se desarrolla la historia de Sarah, que logra sobrevivir a los horrores de los colaboracionistas y rehace su vida, pero las huellas de sus experiencias de guerra no la dejan en paz ya. Es la tragedia de ella y de infinidad de casos parecidos.

Al final de la cinta aparece un irreconocible Aidan Quinn como otro personaje clave en esas historias íntimamente relacionadas, pero que para él son un misterio.

Se trata de una excelente película que estremece, conmueve y concientiza, además de entretener, como debe hacer toda buena película.

Super 8

2011-08-07T20:15:00.000-07:00

Spielberg Revisited

Liberando a E.T.

Ricardo Martínez García

El productor, guionista y director, creador del programa Fringe y responsable de cintas como Misión Imposible 3 y Star Trek, J. J. Abrams, es sin duda uno de los discípulos más aventajados de Steven Spielberg. En una sola cinta logra sintetizar algunas de las inquietudes de narración fílmica que más le han atraído al famoso director de éxitos de taquilla como E. T. , Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, Poltergeist, Parque Jurásico, Salvando al Soldado Ryan y un largo etcétera. Desde la amistad de una pandilla de niños que comparten la pasión por hacer cine, desastres terribles y destrucción debida a una fuerza superior e incomprensible, operativos militares y secretos muy bien guardados, la creación y cumplimiento de una misión, el romance incipiente entre unos adolescentes hasta la liberación de un ser extraterrestre. Todo eso amalgama de manera ágil y amena Abrams en Super 8.

El homenaje implícito al cine en esta cinta y el amor que le profesan los realizadores Spielberg y Abrams, queda plasmado en el deseo irrefrenable de filmar y dirigir una cinta de zombies del gordito Charles (Riley Griffiths) y de sus amigos, el maquillista Joe Lamb (Joel Courtney), el encargado de los efectos especiales Martin (Gabriel Basso), su actor estrella Cary (Ryan Lee) y la recién reclutada Alice (Elle Fannning), todos niños de entre 12 y 14 años.

Las filias cinematográficas de este grupo de adolescentes –muy probables alusiones a las propias filias del director y productor de la película- son mostradas de manera tal que aparecen como una breve pero concisa historia del propio celuloide, pasando por aspectos dramáticos narrativos con guiños shakespereanos (como cuando se les prohíbe verse a dos de estos chicos), o escenas que ensalzan la amistad y el compañerismo, así como los dramas personales a partir de la pérdida de seres queridos.

El título de la cinta alude al formato de una película casera para filmar llamada Super 8.

Es de notar, por otra parte, que no solo esta cinta, sino muchas, de diferentes directores y géneros, de manera regular, muestran la idiosincracia que tiene el norteamericano común alrededor del hecho de fumar “hierba”. No solo en ésta se muestra que uno de los personajes la consume (y al estar bajo sus efectos, se pierde de la acción a su alrededor); es común que en muchas cintas del vecino país del norte algunos de los personajes la consuman: desde el encargado del videoclub hasta altos ejecutivos, se echan su cigarrito de mariguana para “relajarse” o para sentirse en onda o elevarse, como ocurre con el personaje de Cameron Diaz en su más reciente cinta, Malas Enseñanzas. El consumo de mariguana se ve como una travesura de adolescentes, pero hay adultos que no alcanzan a madurar. El problema es que ese consumo, travieso y cándido allá, genera muertes y violencia acá, en nuestro país, y en muchos otros, y no se ve cómo cambiará esta situación mientras su consumo siga viéndose como una pequeña travesura. Y eso es algo que Super 8, como muchas otras, con historias de ficción o no, muestran casi sin querer.

Capitán América

2011-08-05T16:30:00.000-07:00

La llegada de un nuevo héroe

Superanabólicos a la Patria (Americana)

Ricardo Martínez García

La Segunda Guerra Mundial ha sido la conflagración más grande, destructiva y decisiva para la comunidad internacional desde el siglo pasado y hasta ahora. La posibilidad de que el régimen del Partido Nacional Socialista alemán hubiera logrado su cometido de dominar Europa (y tal vez luego el mundo) es impensable luego de la histórica dominación americana a la que hemos estado tan acostumbrados, al menos en Occidente.

En la cinta Capitán América (11), el cineasta Joe Johnston crea personajes memorables y prototípicos como el del coronel Chester Phillips (Tommy Lee Jones), representante de la disciplina y el mando militar de “los buenos”, la agente británica Peggy Carter (Hayley Atwell) como en enlace de la inteligencia británica con los norteamericanos, el rico y talentoso Howard Stark (Dominic Cooper) como el representante de la pujanza y la creatividad e innovación industrial-militar norteamericana, o el protagonista Steve Rogers o Capitán América (Chris Evans) como el debilucho pero patriota y valiente soldado devenido primero en el propagandista y promotor de donaciones con fines bélicos -a instancias de un senador- y luego héroe en la lucha contra el malvado Johann Schmidt (Hugo Weaving), por obra y gracia de ciertas sustancias generadoras de crecimiento muscular, producto a su vez de experimentos biológicos realizados en seres humanos (y que recuerdan a los más realistas vistos en El Huevo de la Serpiente, (77) de Ingmar Bergman).

Si bien cada uno de estos personajes tiene una carga simbólica muy clara (así como los antagonistas Schimidt y el doctor Abraham Erskine -Stanley Tucci- representando al bien y al mal de manera muy maniquea), el trabajo de Johnston es loable porque logra atraer la atención del espectador, el Capitán América no es un simple supersoldado, es un hombre fortalecido, sí, artificialmente, pero que en el fondo sigue siendo el flacucho patriota aguantador de castigo que era antes, porque lo que tiene de manera innata es carácter y conciencia, bondad y humanismo, y ése es su verdadero aspecto heróico.

La cinta resulta entretenida y disfrutable porque contiene drama, romance, mucha acción -al estilo de la cintas de la Marvel antes llevadas a la pantalla grande, con cameo de Stan Lee incluido-, humor y entretenimiento. A ratos recuerda a otras cintas como Capitán Sky y el Mundo de Mañana (Conran, 04), o X-Men los Orígenes (Singer, 00), pero el resultado y su conclusión prometen que la saga que venga será tan exitosa como la de los Hombres X o Iron Man, o El Hombre Araña. Se trata de una buena película de temporada veraniega y vacaciones escolares.

Insidious: La noche del demonio

2011-07-25T09:10:00.000-07:00

Hay seres acechando

Energías negativas

Ricardo Martínez García

El enfoque de esta cinta ante el fenómeno del mal, o de lo desconocido, atrae y aterra porque ofrece una visión no tan mítica del origen de lo malévolo.

Con un excelente ritmo, gracias a un ágil guión (producto de Leigh Whannell, el mismo de Actividad Paranormal) y un eficiente trabajo de edición y musicalización, la cinta Insidious, La Noche del Demonio (2010), dirigida por James Wan, el mismo de Saw, refresca un género que estaba ya gastado, gracias al exceso de sangre y clichés utilizados para producir los anhelados sobresaltos.

La cinta recurre a algunos elementos clásicos del género, pero de manera eficaz y sin excederse. Incluso el trabajo de maquillaje se inclina por una estética más propia del teatro pero sin caer en situaciones estrambóticas. Los efectos especiales son los necesarios y logran muy bien su cometido.

Más allá de la idea de posesiones demoníacas, de casas embrujadas o de exorcismos, la cinta plantea la idea de que en el universo hay más entidades conscientes no necesariamente humanas, y que algunas de esas entidades andan a la caza de los pocos seres humanos que tienen la capacidad de visitar sus mundos a partir de los llamados viajes astrales.

No sería raro que aquellos que han leído los libros de Carlos Castaneda, aquel famoso antropólogo de la UCLA que se convierte en discípulo de un brujo yaqui de nombre Juan Matus, relacionen el argumento central de la cinta con un pasaje de El arte de Ensoñar, específicamente con la parte que describe el mundo de los seres inorgánicos y los tratos en los que entra Castaneda con el Explorador Azul.

La cinta de Wan realmente arranca algunos escalofríos, no por la imagen estilizada que presenta del demonio, sino por el buen manejo de los elementos dramáticos y visuales, así como las implicaciones argumentales.

De hombres y de Dioses

2011-07-22T08:28:00.000-07:00

El drama de la fe.

El contraste y unidad entre la vida y la fe

Ricardo Martínez García

Un grupo de nueve monjes católicos trapenses asentados en medio de una pequeña población musulmana con la que convive y presta servicios médicos; su inserción en la vida de esta comunidad es natural y armónica. La población se ubica en Tibhirine, Argelia y la película De Hombres y De Dioses (2010) cuenta una historia basada en hechos reales.

En medio de un conflicto generado por terroristas islamistas en 1996, que exigieron la salida de todo extranjero de Argelia, asesinando a los que no cumplieran tal mandato, los monjes del monasterio de Nuestra Señora del Atlas deciden, luego de claros indicios de peligro inminente, permanecer en la comunidad.

El director de la cinta, el francés Xavier Beauvois presenta este intenso drama a partir de las dudas y flaquezas, de la fe que se renueva y que vuelve a dudar en torno a la misión religiosa, de la simple reflexión sobre qué es la vida, qué sentido tiene la vida sin un propósito y ante la clara y evidente amenaza real de perderla.

Las inamovibles convicciones de algunos monjes y de su claridad ante las opciones que se les presentan en su contexto real discrepan con la preocupación por sus propias vidas y las de las personas de su comunidad, con las dudas y el debate interno de algunos otros.

Se trata de una película intimista, que se toma su tiempo para resaltar los detalles, de la que el espectador sale profundamente conmovido, si es que tiene la disposición de ver una cinta completamente diferente a las producciones de entretenimiento que acaparan la cartelera.

La enorme empatía que algunos de estos monjes generan a su alrededor, su vida íntima de oración y servicio, contrasta con la irracionalidad que muestra el fundamentalismo y pensamiento político radical y que permea en un momento político concreto en la historia de Argelia.

La fe, el carisma y la humanidad que emana del Hermano Luc (Michael Lonsdale, experimentado actor francés que ha participado en cintas como Ronin, El nombre de la Rosa, Agora) o del Hermano Christian, superior del monasterio (el excelente Lambert Wilson) le dan fortaleza no solo a sus hermanos monjes, sino incluso al espectador que ve el drama, a 15 años de los hechos narrados. Esta cinta ganó el Gran Premio del Festival de Cannes en el 2010.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2

2011-07-21T22:55:00.000-07:00

Adiós Harry

El triste fin de la saga

Ricardo Martínez García

Muchos adolescentes crecieron a la par que los actores de esta famosa serie de películas, pero los adultos que hemos visto toda la saga extrañaremos cada verano el estreno de una nueva película de Harry Potter.

El desenlace es triste porque es el fin de un ciclo (así como muchos de esos adolescentes vieron el fin de su infancia), pero también lo es por el modo en que se resuelve cinematográficamente. David Yates, músico y cineasta, ha dirigido cuatro de las cintas de Harry Potter: La orden del Fénix, El príncipe mestizo y las dos últimas, pero su mejor trabajo lo presenta en Las reliquias de la muerte, parte 1.

En aquella cinta se muestra con magnificencia dramática y visual la búsqueda solitaria de los tres amigos recorriendo parajes desolados, que van de un lugar a otro en la búsqueda de los horrocruxes que les permitan vencer a su enemigo Lord Voldemort. La camaradería que se rompe y se recompone, la exposición de las pasiones florecientes (como en los reclamos de Hermione a Ron cuando éste regresa para salvar a Harry en el estanque), las dudas que experimentan, la falta de fe momentánea, las flaquezas de los tres personajes y los momentos divertidos en esa Parte 1, nos los presentan en toda su humanidad. Incluso la historia de las tres reliquias de la muerte es una delicia, contada en voz de Hermione, para no hablar de su animación, que es como una película dentro de la película.

La necesidad de concluir la historia de Harry Potter, por parte de la autora de los libros, Joanne Kathleen Rowling, tal vez obedeciera más al cansancio que a un verdadero deseo de terminar con esta historia que la ha hecho muy rica, con una fortuna estimada en más de mil millones de dólares.

El desenlace se siente apresurado, no muy convincente en el enfrentamiento entre Harry y Voldemort, con sus rayos de poder emanados de sus varitas como si fueran las espadas láser de La Guerra de las Galaxias, y la lucha brujeril-militar que se desata entre las huestes de ese malvado personaje y los docentes y alumnos del Colegio Hogwarts, siendo a Harry al que quiere destruir, como si fuera un mesías ungido que hasta vuelve de la muerte.

¿Es acaso Harry Potter en realidad hijo del Príncipe Mestizo? ¿Qué pasa con Dumbledore, resucita o muere definitivamente? ¿Regresan Harry, Ron y Hermione a unas vidas cotidianas y sin demasiado chiste, para llevar a sus hijos a la estación de trenes y verlos cómo desaparecen en una columna? ¿Dónde quedó la magia? Triste final.

Transformers 3 El lado oscuro

2011-07-21T21:41:00.000-07:00

Robots malos

Pirotecnia china

Ricardo Martínez García

Algunas de las franquicias cinematográficas no resisten demasiado el uso de un mismo hilo argumental por más de una película. Tal es el caso de Transformers 3 El lado oscuro, cinta dirigida por Michael Bay en la que nuevamente se presenta la lucha improbable de estos seres metálicos llamados Autobots, aliados de los humanos, y los Decepticons, que quieren apoderarse del planeta.

Si bien resultaba un tanto difícil jugar el juego de imaginación que requiere aceptar la idea de esa lucha y su relación con los humanos, en la primera cinta de la saga hubo elementos de novedad, el espectador una vez enganchado en la historia quería ver cómo terminaban las cosas para Sam Witwicky (Shia La Beouf) y su novia, la despampanante Mikaela Banes (Megan Fox), adoptados por los autobots en su lucha por defender al mundo de los malvados Decepticons (nombre muy sugerente).

Pero ahora en esta nueva cinta, ni siquiera la inclusión de actores de primera línea, como John Malkovich y Frances McDorman, la cinta logra despegar. No hay novedad, uno siente que está viendo fragmentos de otras cintas, como La Guerra de los Mundos (Spielberg, 05) o Skyline (Hermanos Strause, 10) , o lo que es peor, que se fusilan ideas de esas cintas y otras por el estilo.

El enorme despliegue de efectos especiales, como las transformaciones a toda velocidad de coches a robots o las luchas entre robots, hacen que todo sea confuso y artificioso. Funcionan bien como elaborados comerciales de coches pero nada más.

Gran parte de la cinta se ocupa en el reiteramiento de los efectos especiales, descuidando así la historia dramática, si es que la hay. El resultado es que el protagonista de las primeras dos cintas de la saga, LaBeouf, apenas si tiene importancia en la historia. Su nueva compañera, la bella pero intrascendente Carly Miller (Rosie Huntington-Whiteley) apenas si figura en la trama y es un reflejo de ésta. Y así están casi todos los actores, desdibujados, como el personaje de John Turturro, Simmons, o el de Josh Duhamel, como el teniente coronel William Lennox, interesantes y de cierta importancia en las dos anteriores películas.

Al final la cinta es como aquellos viejos fuegos artificiales chinos: mucha faramalla y efectos especiales para rellenar un vacío dramático y poco verosímil. Dichos fuegos artificiales se usaban para distraer a la audiencia, o como una cortina de humo. ¿Qué ocultará esta cinta?

Thor

2011-05-02T19:53:00.000-07:00

El eterno drama de la posesión del poder

Ricardo Martínez García

Natalie Portman ha dicho que decidió participar en la nueva cinta producida por la Marvel Comics Thor (2011) porque el director sería Kenneth Branagh. Conocido por ser un actor y director especialista en las obras de Shakespeare (desde los 23 años ha sido miembro de la Royal Shakespeare Company), además de ex esposo de Emma Thompson (fueron conocidos como Ken y Em, la pareja real del cine inglés), con participaciones como actor en algunas populares películas tanto de corte shakespearianas como comerciales –Mucho ruido y pocas nueces, Hamlet, Frankenstein, Harry Potter y la Cámara Secreta- y actor de teatro galardonado (con una obra de David Mamet, Edmond).

Con ese currículum tras de sí, Branagh presenta su nueva cinta Thor en la que hay dos películas en una. La primera, la que narra las peripecias mitológicas de Thor (Chris Hemsworth), dios del trueno, hijo de Odin, aquel mítico dios venerado realmente por las antiguas tribus germánicas, en su camino hacia el poder real de su padre (Anthony Hopkins), pero que se le complica porque debe ser “digno del poder” aún para poseer el martillo todopoderoso llamado Mjolnir. Esta parte de la cinta recuerda a algunas obras como Hamlet o Ricardo III, pues muestra a unos dioses veleidosos, demasiado humanos, con envidias y apasionamientos, parecidos a los mitológicos dioses griegos. La segunda película es la que transcurre en la vida actual, con la astrofísica Jane Foster (Natalie Portman) a punto de realizar un descubrimiento junto con su colega el profesor Andrews (Stellan Skarsgard) y su ayudante Darcy (Kat Dennings), pero que son avasallados por los cuerpos de seguridad nacional norteamericanos, que no entienden que está a punto de nacer un nuevo súper héroe.

Consideradas por separado, estas dos partes de la cinta son interesantes y bien realizadas, pero al estar mezcladas pierden cierto grado de credibilidad. Por ejemplo, ¿por qué los dioses necesitan de un aparato –destruible- para trasladarse de un lado a otro? O son dioses o son científicamente avanzados (¿o será que al final son lo mismo?). Pero es una constante en algunas de estas cintas basadas en cómics jugar el juego de la imaginación que permite algunas concesiones a las leyes de la naturaleza; además en estas cintas no puede faltar el pequeño cameo por parte de Stan Lee. Branagh logra imprimirle buen ritmo y dramatismo a la cinta, sin descuidar los efectos especiales, que son la marca de identidad de las películas de la Marvel.

Hop, un rebelde sin Pascua

2011-04-29T13:06:00.000-07:00

La pascua edulcorada

El extravío de los orígenes

Ricardo Martínez García

Si la Pascua –originalmente una celebración judía para conmemorar el escape de los hebreos de su cautiverio en Egipto- es una tradición religiosa que devino cristiana y cuya expresión es el huevo –símbolo de la renovación de la vida para muchos pueblos como los chinos, los hindúes, los persas, los egipcios-, en la cinta de Tim Hill Hop, un rebelde sin Pascua (Hop, 11), el conejo de pascua es llamado así porque es originario de la Isla de Pascua, en donde están las fastuosas instalaciones de una enorme fábrica de dulces y huevos de pascua, al estilo de la Fábrica de Chocolates de Willie Wonka, solo que más increíble, pues está regenteada por un Conejo cuyo capataz es un enorme pollo que ansía su poder, para mandar sobre los pequeños pollos obreros.

Para un adulto, la película puede leerse primero como una introducción infantil al mundo industrial, con la descripción visual –muy interesante- de los procesos productivos de los dulces y los huevos. También puede leerse como la búsqueda de la propia vocación, que se opone en apariencia con lo que se espera de uno como herencia familiar o como tradición, problema espinoso que se plantea desde la antigüedad (hay que recordar el famoso juicio de Sócrates y una de las acusaciones que se le imputaban, la de “pervertir a los jóvenes” al hacerles ver que no debían necesariamente dedicarse a lo que sus padres lo habían hecho).

Para un niño, es la divertida historia de un conejo en la búsqueda de su identidad y de su propio destino

Con un estilo fílmico que recuerda las cintas de Stuart Little (Rob Minkoff, 99, 02) o Alvin y las Ardillas (dirigida por el mismo Hill) la cinta logra una gran interacción entre personajes reales y animados, con buenos momentos de comedia. El argumento, escrito por Ken Daurio, Brian Lynch y Cinco Paul, a ratos ofrece ciertos guiños involuntarios que recuerdan a cintas como Rebelión en la granja, aunque sin acercarse siquiera a la crítica inherente de esta novela de George Orwell y en menor grado a la película de Joy Batchelor y John Halas de 1955 (Animal Farm).

Cuando el pollo Carlos, principal capataz del Conejo de Pascua (que en el original inglés cuenta con la voz de Hugh Laurie), comienza a albergar la idea de hacerse con el poder de su jefe, que es a su vez el padre de EB, el joven conejo rebelde a su destino de ser el sucesor del Conejo de Pascua, nadie se pregunta cómo es que el venerable Conejo de Pascua llegó al poder, o de qué tradición le viene tal poder.

“Por el poder que me fue conferido”, dice el anciano conejo cuando nombra como sucesores tanto a EB como a Fred (el otro rebelde pero humano) en una parte de la historia que muestra una clara inclinación monárquica de esas que decían que el poder les fue dado a los reyes por el mismísimo Dios.

Se trata de una cinta para niños con momentos divertidos que de un modo sutil plantea y refleja modelos de poder político incuestionables, demasiado poco claros por profundos para los niños y para alguno que otro adulto. ¿Alguien recuerda el clásico texto de Ariel Dorfman y Armand Mattelart Para leer al Pato Donald?

Los piratas del rock

2011-04-25T16:55:00.000-07:00

Rock con humor

Vivir para el Rock and Roll

Ricardo Martínez García

La existencia de la radio en el mundo del rock es tan necesaria como el agua para la vida. De acuerdo con la cinta de Richard Curtis Los piratas del Rock (The boat that rocked, 09), en la Gran Bretaña de 1966, año en el que el rock pop estaba “en su punto más alto”, la BBC, radio oficial del imperio, solo programaba unos cuantos minutos de rock and roll al día. El surgimiento y florecimiento de radios piratas fue la solución a esa necesidad del alma de escuchar música, especialmente rock.

Con un reparto encabezado por Philip Seymour Hoffman, Bill Nighy, Nick Frost y Kenneth Branagh, la cinta muestra momentos de alegría y de baile domésticos, momentos plenos de esa clandestinidad cotidiana en la que incurren los radioescuchas al sintonizar la estación pirata Radio Rock, montada en un buque anclado en el Mar del Norte, lejos de la jurisdicción británica pero cerca del corazón y el gusto de la población.

De manera un tanto cómica, la cinta señala una cierta necesidad de control por parte de las autoridades del gobierno británico sobre las radiodifusoras, especialmente sobre Radio Rock, cuyos altos niveles de audiencia se deben a la gran variedad de locutores y sus estilos, que van desde la irreverencia y picardía sexual más ácidas, hasta un casi inexpresivo D´J con la voz más sexy y aterciopelada.

Con un guión escrito por el propio Curtis, autor del guión de películas como El Diario de Bridget Jones y Un lugar llamado Notting Hills, y de series de televisión como Mr. Bean, esta entretenida película resulta divertida gracias a la flemática e ingeniosa manera británica de bromear de la mayoría de los protagonistas, como el locutor estrella Gavin Kavanagh (Rhys Ifans), el gerente de la estación Quentin (Bill Nighy) o el “doctor” Dave (Nick Frost), así como el Duke (Hoffman), que aunque sea norteamericano, no desentona en absoluto.

La cinta cuenta con una musicalización de primera línea, cuyas canciones merecen mención aparte, pues muestran toda una época de oro del rock pop a partir de una amplia gama que va del hard rock de The Who (My generation), The Animals (House of the rising sun), Jimmy Hendrix (The wind cries Mary) o The Kinks (All day and all of the night), pasando por las románticas plenas de Soul de grupos como The Supremes (The happening), The Isley Brothers (This old heart of mine) o de Smokey Robinson and The Miracles (Ooo baby baby) hasta llegar a rolas clásicas de grupos como The Box Tops (The letter), Tommy James and the Shondells (Crimson and Clover), The Moody Blues (Nights in White Satin). No deje de verla.

La chica que soñana con una cerilla y un bidón de gasolina

2011-04-24T15:05:00.000-07:00

Heroína del siglo XXI

El surgimiento de una heroína nórdica

Ricardo Martínez García

Stieg Larsson, el escritor sueco autor de la saga de Milenium, de la cual se han adaptado las versiones fílmicas y exhibidas en México dos de ellas, murió en el año 2004 a la edad de 50 años. Milenium 2, cinta dirigida por Daniel Alfredson, es la adaptación correspondiente al libro La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina.

Si en la primera parte de esta trilogía literaria y fílmica la acción se centra en el trabajo de investigación periodística de Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) y la valiosa ayuda de la hacker Lisbeth Salander (Noomi Rapace) para solucionar la desaparición de la sobrina-nieta de un importante empresario, en esta segunda parte Lisbeth se enfrenta con sus demonios particulares y su historia particular, ajusta cuentas con algunas personas de su pasado, mientras que Mikael siempre anda un paso atrás en las pistas que va dejando ella, pero haciendo su aparición en el momento más apremiante.

El ritmo de la acción es trepidante, con nuevos personajes que le aportan riqueza y agilidad argumentativa a la cinta de Alfredson, la cual solo resulta incoherente o al menos falta de credibilidad al final de la cinta, cuando ésta se deja llevar por una especie de síndrome de Rambo encarnándose en el personaje de la Salander. Un pequeño tropiezo que puede ser obviado por las más de dos horas de intensa e intrigante narración policiaca y de investigación criminal.

El planteamiento novedoso de esta cinta, protagonizada por actores europeos, no ha sido suficiente para mantenerla por más de dos semanas en la cartelera cinematográfica de la Ciudad de México, lo cual es una pena, puesto que ofrece una excelente alternativa a la escasa oferta de películas de calidad previas a la temporada veraniega.

Mis últimas 5 Novias

2011-04-24T10:03:00.000-07:00

El amor es un esayo continuo

El rebote emocional

Ricardo Martínez García

Cuando las comedias románticas intentan establecer reflexiones sobre el tortuoso camino por el que a veces llega ese sentimiento que llamamos amor, suelen establecer la contradictoria situación que se presenta en el individuo que lo experimenta, y ahí está la vena de la cual se puede extraer tanto la vena cómica como la trágica. En la formación de tal contradicción incluso se apela a la larga tradición literaria y filosófica que aborda el tema, pero que deja abierta la experiencia porque nadie “experimenta en cabeza ajena”.

Tal es el caso de cintas que más bien parecería que abordan el desamor, o las contradicciones inherentes a él. Quinientos días con ella, de Mark Webb, Amigos con derechos de Ivan Reitman y ahora Mis cinco últimas novias del director Julian Kemp tienen en común ser comedias reflexivas, irónicas, desesperanzadas, que se preguntan si la soledad no será mejor destino que tal búsqueda y encuentro que con bastante frecuencia conducen a la infelicidad.

Es el relato del desesperado y casi suicida Duncan (Brendan Patricks) que ve en retrospectiva desfilar a novias que no puede retener, sin alcanzar a ver cuál ha sido su falla, sin que sus reflexiones (pero que muestran que en el fondo hay un egoísmo en su concepción del mundo, como si todo girara en torno suyo) lo conduzcan a la comprensión mínima del fenómeno llamado amor.

Se trata de una divertida y entretenida cinta británica basada en la novela de Alain de Botton Ensayos sobre el amor, (autor también de la serie Filosofía: una guía para la felicidad) en la que propone el tema de siempre pero con una propuesta novedosa e inteligente.

La otra familia

2011-04-20T18:43:00.000-07:00

¿La familia es amor?

¿La misma sociedad?

Ricardo Martínez García

El caso particular de una pareja homosexual que decide hacerse cargo de un niño puede verse desde diferentes ángulos. En la propuesta fílmica del director mexicano Gustavo Loza La otra familia (11) hay crítica social, humanismo, descomposición social y prejuicios. Algunas posturas están bien planteadas pero otras son dejadas como a la deriva. En el primer caso está la aceptación entre ciertos círculos sociales de las nuevas formas de convivencia, convivencia reconocida por las leyes que rigen al menos en la Ciudad de México.

Jean Paul y José María (los estupendos actores Jorge Salinas y Luis Roberto Guzmán) son una pareja que decide casarse y arman tremendo pachangón para celebrarlo. La ceremonia es presidida por su amigo el padre Tomás (Alejandro Calva), que además es director de un instituto de educación. Esta forma de convivencia despierta si no las sospechas mal intencionadas (sobre todo de personas a su servicio o de gente de baja ralea) sí el claro prejuicio de muchas otras (como la mujer que se preocupa por que el niño que pretendía adoptar sea “protegido” por ese tipo de pareja).

Los roles sociales están bien marcados en los personajes: la sirvienta y el jardinero que sospechan de la honorabilidad de sus patrones, la adicta (Nailea Norvid en una actuación sensacional y escalofriante) que deja abandonado a su hijo por andar en el viaje, el narcomenudista que ve en la situación de abandono infantil su oportunidad de hacer negocio a costa del niño, el pudiente hijo de papi que pretende comprar a un niño porque “es un rollo adoptar en este país”. Las amigas buena onda que se preocupan realmente por la situación del niño en cuestión.

Esta cinta muestra que el problema de la adopción es problemático de por sí para las parejas heterosexuales, y no se diga para las homosexuales, que además tienen que luchar aún contra prejuicios generados por su preferencia sexual. La cinta propone una situación particular pero no ofrece una solución aunque la sugiere. La sugerencia en términos reales puede plantear más problemas que una adopción legal pero, de acuerdo con el mensaje de la cinta, esto no plantea un problema insuperable si realmente hay amor de familia.

La película cuenta con momentos de humor, sobre todo con las situaciones inesperadas cuando un niño se hace presente en un lugar en el que su presencia no era contemplada. Tierna a ratos y jocosa por absurda también, es una cinta que en general resulta agradable, aunque el final es un poco ambiguo.

Salvando al Soldado Pérez

2011-04-20T10:24:00.000-07:00

Pueden perder el estilo, pero no a la familia

Nuevos Héroes en la Era de los Narcos

Ricardo Martínez García

El cine es una expresión artística pero también muestra, dependiendo del guión y el contexto, las tendencias sociales que son aceptadas o rechazadas y que forman parte ya de la idiosincrasia de un pueblo, o de las tendencias a las que se quieren dirigir dichas idiosincracias.

En la cinta mexicana del director y guionista Beto Gómez Salvando al Soldado Pérez, la parodia de la cinta bélica de Steven Spielberg Salvando al Soldado Ryan (98) –con su propia carga ideológica y propagandística muy particular- es llevada a extremos cómicos que funcionan porque además de mofarse de los clichés de la cinta de Spielberg, el contexto ahora es el de los clichés, cada vez más aceptados en nuestra sociedad, de lo que parecería la consolidación de una cultura del narco.

El poder económico, el estilo de vestir y de hablar, las conexiones internacionales, el manejo de armas de alto poder, el poder hacer casi cualquier cosa que se propongan, hace de los capos del narcotráfico seres prácticamente míticos, los héroes de algunos sectores de la población que ya no solo construyen plazas para sus pueblos, o escuelas, iglesias o clínicas rurales, pareciera que ahora pueden, si no rescatar por sí mismos a los suyos en peligro, sí mandar a la gente que lo pueda hacer. La fuga del Chapo y el rescate de tantos otros reos directamente de los penales de alta seguridad son pequeñas muestras del áura que los rodea y protege ahí en la sierra donde habitan, a la vista de todos.

El elenco que ha reunido Gómez es de lo mejor en términos actorales: Isela Vega, Jesús Ochoa, Miguel Rodarte, Jaime Camil, Gerardo Taracena, todos bien dirigidos y trabajando en escenarios que no le piden nada a los de Hollywood (como esos donde se producen los feroces tiroteos y persecuciones en esos pueblos supuestamente de Irak y Turquía). Se trata de una cinta divertida que muestra que la aceptación de este tipo de personajes en la vida real ha avanzado más allá de lo que la sociedad civil está dispuesta a aceptar abiertamente.

Amigos con Derechos

2011-04-19T13:28:00.000-07:00

La eterna búsqueda de la relación perfecta

Ricardo Martínez García

Cuando dos personas, en la clásica búsqueda del amor, entablan una relación de amigos pero en el que hay más circunstancias que las meras expresiones de amistad, como el sexo, casi siempre tal relación termina por convertirse en un embrollo, si es que las reglas no quedan claras o si las reglas dejan de tener sentido al momento de experimentar los sentimientos que respectiva y correspondientemente se les presentan a uno y a otro.

El que se enamora pierde, y eso es justo lo que le ocurre en Amigos con Derechos (No Strings Attached, 11) a Adam (Ashton Kutcher) cuando luego de ver cómo su exnovia se junta con su padre, y de encuentros y reencuentros con su antigua compañera escolar Emma (Natalie Portman), de fundamentar su particular tipo de relación en sexo consensuado y casual pero siempre con la idea de no involucrarse más que solo de manera superficial, así como de extrañas competencias con otro galán que sí parece el indicado para Emma.

El grado de convivencia no prevista ni deseada –como el dormir juntos y vestidos- así como el enamoramiento y la situación que se genera asusta a Emma y decide alejar a Adam de su vida.

Adam lo tiene más claro, pero esa claridad no es nada sin la parte de ella, o al menos no lo es hasta que a Emma le cae el veinte, su propio veinte.

Esta comedia, dirigida por Ivan Reitman, resulta divertida sin duda por la participación de Kutcher, que se ha especializado en este tipo de cintas. Luego de su intenso trabajo en El cisne negro, extraña pero es un placer ver a Portman en una comedia, en la que si bien no es la que arranca las carcajadas, cumple de manera natural con su papel. El final es algo predecible y complaciente, pero vale la pena volver a verla.

El discurso del Rey

2011-02-28T19:23:00.000-08:00

El símbolo de un imperio

Ricardo Martínez García

El director británico Tom Hooper narra en El discurso del Rey (11) la historia del rey George VI de Inglaterra, de cómo llega al trono luego de que su hermano mayor se ve presionado para abdicar, pero sobre todo de cómo lucha contra su tartamudez.

Bertie (Colin Firth, como siempre en plan grande) es un hombre inseguro que no soporta hablar en público, a tal grado que su esposa, la princesa Elizabeth y madre de la actual reina, (Helena Bonham Carter) busca con insistencia un remedio a su problema de lenguaje, y peregrina entre doctores hasta que da con el desconchado consultorio del terapista Lionel Logue (un estupendo Geoffrey Rush) y comienza el arduo trabajo por hacer su discurso medianamente fluido.

Es la interesante historia de una inesperada amistad, de un periodo histórico de la Inglaterra de la primera mitad del siglo XX, de grandes y terribles retos, de una nación y su representante, el rey, quien ha de dar la cara aunque no sea él precisamente quien tome las grandes decisiones, quien es cabeza de una monarquía pero cuyo papel es más modestamente representativo.

La lucha que realmente lleva a cabo Bertie es contra sí mismo, contra sus traumas y frustraciones alimentados desde la infancia, contra su inseguridad acrecentada por su propia familia. La ayuda que Lionel le ofrece es la de mostrarle cómo ser espontáneo, de soltarse un poco de esa rigidez que no lo deja ser él mismo. Lionel es un personaje aparte: es un amante de Shakespeare, medio psicólogo y terapeuta a la vez, cuyos métodos heterodoxos causan escozor en algunos personajes cercanos al entonces príncipe e inminente rey.

Se trata de una cinta de época bellamente realizada, divertida, con escenarios fastuosos (que contrastan con el consultorio de Lionel), excelentes actuaciones, buen ritmo y que enfatiza dos cosas: el valor extraordinario de la imagen del rey inglés y el valor más palpable de una gran amistad.

El Rito

2011-02-26T11:49:00.000-08:00

El Rito

La adulteración del exorcismo

Ricardo Martínez García

Si el rito es un acto -a veces de carácter simbólico- que repite incesantemente su forma y en ello radica su efectividad, el sacerdote Lucas Trevant (un declinante Anthony Hopkins) es el menos apto para enseñar el del exorcismo a un neófito (a manera de un mistagogo) y escéptico seminarista a punto de ordenarse. El padre Lucas hace de tal rito una especie de terapia en la que la madre de una víctima del maligno la lleva ante el sacerdote como si fuera una consulta más, mientras que éste durante la ceremonia se da el lujo de interrumpirlo para contestar su celular.

Con una línea argumentativa que la emparenta más con El Exorcista 2, El Hereje, (Boorman, 77), cinta mucho más inquietante por sus propuestas teológico-morales que por sus efectos especiales (y protagonizada por el gran actor Richard Burton), El Rito (11) del director Mikael Håfström, presenta un trabajo basado en “hechos reales” -sin especificar si se refieren por hechos reales a una poseída que arroja por la boca clavos de metal o si trata del modo en que un seminarista es coaccionado a tomar un curso para exorcistas con la amenaza de que si abandona el camino del sacerdocio de cobrarle su instrucción- y que en cierto nivel desmitifica o ironiza la realización y efectividad del susodicho rito.

Sin escenas de terror o de suspenso que verdaderamente impacten al espectador (quien vaya a verla pensando que es una clásica película de terror se desencantará de ella), hay una especie de ambiente cínico a lo largo de la cinta, de una especie de hastío que expresa muy bien el personaje de Hopkins, que pasa por ser el más experimentado de los exorcistas, pero que queda muy lejos de la majestuosa simpleza del padre Lankester Merrin, maravillosamente interpretado por Max Von Sidow en aquella clásica de William Friedkin de 1973.

El Cisne Negro

2011-02-16T11:19:00.000-08:00

El otro yo

Arte y Pasión

Ricardo Martínez García

La nueva cinta de Darren Aronofsky es una historia que encierra muchas otras. Es la historia del desarrollo de los preparativos que realiza una compañía de ballet, para una nueva temporada con El lago de los cisnes, y de las relaciones entre las ballerinas y su director. También es la historia de la relación de la bailarina principal y de su controladora y sobreprotectora madre, que ve en ella lo que ella no pudo ser. Igualmente es la historia de cómo una artista en la plena extensión de la palabra lleva su performance a extremos de realismo totalmente radicales aún a costa de su vida. Del mismo modo, es la trágica historia de las pasiones humanas que juegan un papel predominante en los personajes de El lago de los cisnes de Chaikovski.

El afán por sentir al personaje dual del cisne blanco y el negro, que tan intensa y eficazmente le exige el director de la compañía Thomas (un excelente Vincent Cassel) llevan a Nina (Natalie Portman en plan excelso), su prima ballerina, a experimentar un cambio radical de forma de ser, como si fuera el surgimiento de una especie de mitad siniestra (al estilo de Stephen King), con sus desdobles en espejos y dualidad de ser. Hay una Nina contenida, frígida y controlada por su madre, y hay otra que se apodera de su ser completamente pero solo a ratos, que es toda sensibilidad y lujuria. En Nina confluyen demasiado cercanas las pulsiones del eros y del tánathos, conducidas por las exigencias de su doble interpretación, pero la segunda pulsión –avivada por el instinto sexual- pugna por salir completamente (dejándose llevar), justo en el momento del clímax de la danza del tercer acto, pero mostrando su poder solo en la conclusión del cuarto acto.

Con una cámara que a ratos va al hombro y que sigue a la protagonista por las calles, o va delante de ella a través de los camerinos, la técnica fílmica no da tregua al espectador, marcando un ritmo acompasado con los crescendos de esa hermosa música compuesta por el genial ruso. Música, danza y actuación se entremezclan bella y constantemente, dando como resultado una extraordinaria y exquisita cinta que cuenta historias más allá de la propia historia cinematográfica, trascendiendo la de la reina cisne –el cisne blanco y el cisne negro-, la de Rothbart y la del príncipe.

El Turista

2011-02-16T11:04:00.000-08:00

¿Se enamora siempre del hombre correcto?

El refinamiento absoluto: hacer lo que quieran

Ricardo Martínez García

En clave de comedia romántica y de espías, la cinta El turista (10), de Florian Henckel von Donnersmark, oscila entre el homenaje a las viejas películas europeas de espías al estilo de las novelas de Agatha Christie, el guiño al llamado cine de arte, con escenarios fastuosos y actrices bellísimas, y cintas con tramas más cercanas a la serie de Bourne, o a las del Agente 007 –en una versión femenina protagonizada por esa femme fatale que es Angelina Jolie-, pero con un final que recuerda a El Talentoso Mr. Ripley, solo que en este caso se trata de un talentoso banquero y sus habilidades para hacer cambiar de manos a enormes sumas de dinero.

Frank (Johnny Depp) es un relajado turista norteamericano en Europa que se encuentra de pronto con una mujer despampanante y muy segura de sí misma llamada Elise (mismos adjetivos para Angelina Jolie) que lo seduce y conduce a una aventura con persecuciones y confusiones de personalidad, de la que saldrá bien librado por su insospechada capacidad de previsión.

Divertida y amena si no se es demasiado exigente, con agradables actuaciones de estas dos súper estrellas que están a un nivel personal y profesional en el que realmente hacen lo que quieren y que se encuentran en una situación fílmica parecida a la que tuvo Jolie con Brad Pitt en Sr. y Sra. Smith, otra comedia no tan refinada como ésta cinta de Donnersmark (aunque Depp se encuentra lejos de una situación personal como la de Pitt), la cinta es bastante disfrutable, con muy buen ritmo, aunque sea ligeramente predecible.

Temporada de Brujas

2011-02-16T10:57:00.000-08:00

Algunas almas ni son humanas

Ridiculous versus diabolus

Ricardo Martínez García

Hay una canción de Donovan llamada Season of the Witch, tal como se llama esta cinta de Dominic Sena, muy bien utilizada para rematar la cinta To die for de Gus Van Sant (y en la que Nicole Kidman ofrece su mejor trabajo). Dominic Sena va por otro lado y se inclina más bien por la ficción medieval, que intenta mezclar elementos históricos y religiosos pero el resultado es un híbrido de terror serie b demasiado poco creíble.

Luego de matar enormes cantidades de personas “en nombre de la Iglesia” en diferentes campañas en medio oriente, mejor conocidas como Las Cruzadas, de pronto al caballero francés Behmen (Nicolas Cage) y a su compañero Felson (Ron Perlman, lo mejor de la película), aparentemente les cae el veinte y deciden retirarse –a pesar de su juramento- de estos combates contra los infieles, que incluían a mujeres y niños indefensos. De inmediato son considerados como desertores, son atrapados y para no ser prisioneros o muertos, aceptan la misión de trasladar a una mujer acusada de brujería a un monasterio, donde sería juzgada por los frailes de manera “justa”.

Hasta ahí todo parece históricamente correcto, y la cinta resulta interesante, pero es en la narración del traslado de la acusada donde ésta pierde la brújula y se convierte en algo que mezcla elementos de cintas como Van Helsing, Legión, El exorcista, y otras por el estilo, pero de manera tal que no se puede más que sonreír con cierto sarcasmo.

¿Cómo no hacerlo al ver a Behmen luchar cuerpo a cuerpo con el mismísimo señor de la oscuridad, de tú a tú? Eso es conceder demasiado a la idea de un diablo tan poco poderoso, que solo se arredra ante un libro casi mágico y cuyos rezos aparentemente tienen el poder de regresarlo al infierno, de donde no debió salir. Tal vez lo que no debió salir es un argumento tan pobre como el de esta cinta.

Déjame entrar

2011-02-07T21:23:00.000-08:00

El dulce sabor de la sangre fresca

Ricardo Martínez García

Hay dos escenas claves en la clásica obra del vampirismo, el Drácula de Bram Stocker: la primera cuando Jonathan Harker llega al castillo del Conde en medio de la lúgubre noche, éste le abre la pesada puerta y le dice que entre por su propia voluntad; la segunda es cuando la dulce y bella Lucy Westenra le abre la ventana semiinconsciente pero voluntariamente al Conde para que entre a su habitación. Con estas dos escenas parece establecerse que los vampiros no pueden obligar o forzar a nadie a entrar o a dejarlos pasar a los aposentos de los humanos.

El director Matt Reeves coescribe el guión de Déjame Entrar (10) junto con el autor del libro del mismo título, el sueco John Ajvide Lindqvist, con la premisa del permiso que necesita un vampiro para entrar, pero hasta ahí la referencia al clásico. La historia gira en torno de Owen, un niño flacucho, blanco predilecto de otros niños que abusan de él; su madre está en proceso de divorcio y casi no lo puede atender. Owen (Kodi Smit-McPhee) entonces se hace amigo de una niña llamada Abby (Chlöe Grace Moretz) que se muda a su mismo edificio. La amistad se hace algo más ante la soledad mutua de los niños, además de que comparten secretos que explicarían varios crímenes cometidos justo a partir de la llegada de Abby al vecindario.

Sin el glamour de otras cintas de grandes presupuestos y bellos protagonistas que explotan su sex appeal de modo más que evidente, pero sí con una historia sencilla y bien contada, pocos efectos especiales pero buenas dosis de dramatismo, Reeves logra una cinta redonda y entretenida. Tal vez no sea la película americana de terror más grande desde hace 20 años pero sí es una película bastante recomendable. Ya hubo una primera versión, filmada hace dos años por el sueco Tomas Alfredson y titulada Let the right one in, la cual fue aclamada por la crítica, pero no se vio en México.

El amor de mi vida

2011-02-07T19:49:00.000-08:00

Poesía pura

Ricardo Martínez García

La cineasta neozelandesa ganadora del Oscar por mejor guión en 1993 por El Piano, Jane Campion, entrega una conmovedora cinta de época, bellamente lograda, que narra la historia de amor entre el poeta John Keats y la señorita Fanny Brawne y que lleva el nombre de uno de sus poemas: Bright Star (08), subtitulada atinadamente como El Amor de mi Vida.

La historia introduce al espectador poco a poco en los sentimientos de la señorita Fanny (Abbie Cornish) y el joven poeta John Keats (Ben Wishaw), en la manera en que se van enamorando y la dulce y enorme pasión, y de cómo la familia de ella ve la transición de este amor.

John Keats es considerado uno de los poetas ingleses más representativos e importantes de principios del siglo XIX y del movimiento del romanticismo en la Gran Bretaña. Poeta que no vio en vida el reconocimiento a su obra, vivió en gran medida a expensas de su amigo y mecenas Charles Armitage Brown, relación que en la cinta de Campion se presenta como contrastante con la de la señorita Brawn.

El manejo del ritmo narrativo, de la escenografía y de los actores es una obra de arte in crescendo, que llega al clímax con la muerte del poeta. Sin falsos sentimentalismos, la cinta conmueve al espectador lo suficientemente sensible como para captar en esta sencilla historia de una relación casi platónica –y que escandalizó a la sociedad victoriana de su tiempo, al publicarse la correspondencia que mantuvo la pareja-, la grandeza y la tragedia amorosa que se dio entre este poeta extraordinario y la no menos extraordinaria Fanny Brawn. No deje de verla.

Red Social

2011-01-21T17:34:00.000-08:00

Una multimillonaria red

Enlaces y Desenlaces

Ricardo Martínez García

Una idea original puede decirse que es aquella que conjunta varias más pequeñas y ofrece aplicaciones que éstas de manera aislada no. Tal es uno de los fudamentos de la invención o la creatividad. Aquel que ve la oportunidad de crear algo nuevo a partir de lo que ya existe, y se apresura a hacerlo realidad, es considerado su creador.

David Fincher, director entre otras de Sospechosos Comunes, Alien 3, Seven, El Club de la Pelea y El Curioso Caso de Benjamin Button, presenta en Red Social (The Social Network, 10) una vertiginosa y entretenida versión de cómo el fundador de Facebook Mark Zuckerberg, con muchos golpes de genialidad y oportunidad, llega a convertirse en el multimillonario más joven de la historia.

Con la idea de ofrecer algo que fuera popular, que mostrara cosas cool como intecambiar mensajes u opiniones sobre las personas, primero entre los estudiantes de las diferentes casas de la Universidad de Harvard, y luego para todo tipo de personas en todo el mundo gracias a internet, el proyecto de Zuckerberg va creciendo como bola de nieve, del mismo modo que crecen las expectativas y ambiciones de las personas próximas a su alrededor.

Las pasiones desatadas por el inesperado éxito de la página de Zuckerberg (Jesse Eisenberg) comienza a hacer estragos en su amigo Eduardo Saverin (Andrew Garfield) y su incomprensión y falta de visión ante el fenómeno que desata Zuckerberg, cosa que sí logra observar y canalizar el fundador de Napster Sean Parker (Justin Timberlake), lo que genera el completo recelo ante su intervención.

Con música de Trent Reznor y Atticus Ross, y con un guión escrito por Aaron Sorkin basado en la novela de Ben Mezrich El Multimillonario por Accidente, Fincher presenta una cinta vertiginosa, basada en testimonios de los personajes, en flashbacks, construye la historia con episodios fragmentados que el espectador tiene que volver a unir, aunque con algún tipo de intuición de que de lo que está en juego es mucho dinero generado por un inesperado y sorprendente pastel del que todos quieren probar.

Una frase de Zuckerberg muestra su actitud ante la vida: “no es lo mismo estar obsesionado que estar motivado”, y es motivación lo que lo lleva a construir la red social virtual más grande e importante del planeta, generadora no sólo de las inadvertidas adicciones a ese nuevo y curioso modo de existir, el de “estar conectado”. Es naturalmente un accidente que esa red esté valuada en más de veinte mil millones de dólares.

Tron, el legado

2011-01-13T19:43:00.000-08:00

Lo mejor de la cinta es Olivia Wilde

Virtualmente soporífera

Ricardo Martínez García

Ni la inclusión de la bella Olivia Wilde (House) puede aligerar la densa y sosa trama de videojuego que prevalece en esta cinta de Joseph Kosinski, Tron: Legacy (10) en la que un programador llamado Kevin Flynn (Jeff Bridges) logra pasar de la vida natural a una existencia digital dentro de un mundo computarizado, como si fuera una especie de Jumanji digital, pero con escenografías tristes y oscuras, con efectos de colores fosforecentes y ese tipo de parafernalia que supone un mundo virtual.

Flynn logra el objetivo de trasladar su vida a ese cosmos digital pero no logra evitar que el sistema genere un doble suyo, quién sabe cómo y sin explicarse la razón de esto, y que además se convierta en su antagonista llamado Clu, que pretende regresar al mundo de los humanos –de los usuarios- para… apoderarse de él, como cualquier villano que se precie de serlo.

Si la cinta del mismo nombre dirigida por Steven Lisberger en 1982, que giraba en torno de un programador cuya vida pasa a ser parte de sus propios programas (interpretado por el mismo Bridges), y de un personaje generado por computadora llamado Tron, no fue un gran éxito de taquilla ni mucho menos, esta nueva versión queda a deber, a pesar del avance de los efectos especiales.

El resultado es una cinta chata y sin chiste, predecible y absurda, cuyo efecto más grande en algunos espectadores es un sopor que invita al bostezo o al abandono de la sala de cine en busca de algo menos aburrido. Triste regreso a la pantalla grande de Bridges.

Skyline

2010-12-31T19:08:00.000-08:00

Ninguna novedad

Alimento para alienígenas

Ricardo Martínez García

Pocos en Los Angeles, con sus complacientes y superficiales vidas en condominios de lujo, sospechaban algo como eso: una pesadilla incomprensible al principio. La inesperada llegada y abducción o simple sustracción física para servir como alimento, es lo que una extraña especie alienígena lleva a cabo, asolando a la capital californiana sobre los desprevenidos y casi impotentes seres humanos. Esta es la historia narrada por los hermanos Strause en la cinta Skyline (2010), desde el punto de vista de un pequeño grupo de acaudalados jóvenes.

Mucho más cerca de Cloverfield o La Guerra de los Mundos que de Tron, o mejor, de Starships Troopers, por el estilo de filmación, por ejemplo, dentro del género de la ciencia ficción, Skyline presenta una visión apocalíptica de la invasión fulminante y total sobre el género humano por parte de unos extraterrestres que se alimentan de sus cerebros aún vivos, y cuyas mentes enajenadas se potencian en contra de su propio género –salvo excepciones-, dando vida y movimiento a extraños cuerpos producidos en línea, al estilo de Alien, como huevos de un insecto hiperrreproductor.

Hay realmente muy poco de novedad en esta obra de los Strause, si se han visto los clásicos del género como las cintas antes mencionadas, pues el drama se prevee luego de los primeros quince minutos, aunque es interesante ver la recreación y diseño de estos seres de otro mundo, parecidos a las pequeñas medusas marinas con sus largas e inertes patas, que avanzan al comprimir sus cuerpos, o alrededor de su nave nodriza.

Los efectos especiales son correctos pero no sobresalientes y la historia está regularmente contada pero es poco innovadora, por lo que se trata de una cinta prescindible e insatisfactoria, aún para los seguidores del género.

Megamente

2010-12-31T14:20:00.000-08:00

La Dicotomía del Bien y el Mal

Ricardo Martínez García

Desde el principio su destino fue ser el malvado, el perdedor, el solitario, el señalado. No tuvo manera de torcer el rumbo de su vida, a pesar de sus esfuerzos; incluso su aspecto físico era un elemento más que lo determinaba para el camino del mal, para ser el antagonista de todo lo que se puede considerar como bueno. Tales son las premisas vitales y existenciales del villano de origen extraterrestre Megamente, en la cinta de animación de Tom McGrath, las cuales son un signo más de las extraviadas (a veces) sendas morales en las que los valores pueden ser trastocados, no solo para el mal, como normalmente sucede, sino incluso para hacer el bien, inesperadamente.

El principal enemigo de Megamente es Metroman, especie de súperman guapo, simpático, héroe que llega a estar harto de su compulsión por lo bueno y de su popularidad. Aparentemente Megamente se deshace de él, pero al hacerlo también desaparece su principal motivación hacia la acción (pues el bien y el mal son como las dos mitades del cosmos, como el ying y el yang). Artificialmente Megamente decide crear un nuevo súper héroe –antítesis de Metroman- que sea su antagonista, pero el resultado es un villano peor que él mismo. Mientras todo esto ocurre, y para aderezar adecuadamente el dilema ético de visión infantil, Megamente se enamora de la reportera Roxanne Ritchi, tomando un aspecto físico para cortejarla más atractivo que su auténtica figura.

Ser héroe o villano, romper o no con los determinismos naturales y sociales, tal es la cuestión, pero en una cinta para niños tal vez estas sutiles diferencias morales, y sus necesarias consecuencias, escapan a la comprensión de un público así, en el peor de los casos.

Con voces en su versión original de Will Ferrel, Brad Pitt y Tina Fey, McGrath construye una historia cuyo drama es hasta cierto punto ambiguo, al jugar constantemente con las apariencias, con las transformaciones dialécticas de los personajes principales. Mucho más clara en sus pistas morales es Mi villano favorito, de Chris Renaud y Pierre Coffin, en la que el villano protagonista se humaniza en grados insospechados aún para él mismo.

El Asesino Dentro de Mí

2010-12-30T19:37:00.000-08:00

Todo un caso

Doble fachada

Ricardo Martínez García

A partir de una visión literaria de la vida en Texas de la década de los cincuenta, expresada por la pluma de Jim Thompson en su novela de 1976 que da título a esta cinta, El Asesino dentro de mí (2010), las costumbres y convenciones sociales son vistas tan naturales pero que en realidad son como una simple fachada de algunas vidas secretas cargadas de hipocresía y falsedad, el director británico Michael Winterbottom (Génova, El Camino a Guantánamo, Bienvenidos a Sarajevo) construye una cinta violenta, dura, sin sentimentalismos, absurda, tal como es el personaje principal de esta retorcida historia.

Con una trama fuertemente trastocada por una patología arraigada en una forma de vida caracterizada por el abuso físico y mental –tal como lo muestra de manera particular la personalidad del sheriff Lou Ford, estupendamente interpretado por Casey Affleck-, en la cinta conviven la violencia sexual y el odio por la figura femenina, así como el conformismo por una vida guiada por una extraña especie de nihilismo sureño. La extrapolación del caso del sheriff hacia ciertos aspectos de la sociedad norteamericana parece así factible, si es posible ver debajo de la férrea máscara.

La cinta muestra la capacidad histriónica de Jessica de Alba y Kate Hudson, que juegan el rol de víctimas propiciatorias destinadas a su aniquilación porque sí, y que no son capaces de ver venir tal destino, en aras de un supuesto amor, pero de un amor extraviado que sólo ve hacia dentro de sí mismo.

La escenografía es estupenda, así como el manejo correcto de personajes y situaciones. Es una película no apta para adolescentes pero recomendable en su crudeza y realismo.

Harry Potter y Las Reliquias de la Muerte 1

2010-12-30T16:33:00.000-08:00

El más indeseable

La soledad de un mago

Ricardo Martínez García

En la penúltima entrega de la exitosísima serie de cintas basadas en las novelas de J. K. Rowling, el mago protagonista, Harry Potter luciendo un incipiente bozo, atraviesa por momentos de oscuridad muy humanos, como la soledad, las dudas, el desaliento, escapando constantemente de sus enemigos, aparentemente no entendiendo, ni él ni sus amigos, embarcados todos en la búsqueda de los horrocruxes y su destrucción, en la esperanza de vencer a Voldemort en su propio terreno: la magia.

Con una estética de desolación, casi de documental paisajista, pero de gran belleza y vena artística real (producto de un equipo de más de quince personas directoras de arte, al mando de Andrew Ackland-Snow y Neil Lamont), amén de los excelentes efectos especiales, los cambios de escenografías son sobresalientes y enfatizan los estados de ánimo de los tres amigos, magníficamente dirigidos por David Yates.

Aunado a los sentimientos de responsabilidad por la vida de los otros, y de la propia opresión y soledad que tienen que sortear Harry, Ron y Hermione, deben lidiar también con sus propios sentimientos, que se ven ampliados y distorsionados (sobre todo a Ron y Harry, como cuando Frodo lleva el anillo) al colgarse como collar el horrocrux que le roban a Dolores Umbridge.

Sin olvidarse de momentos de humor que salpican aquí y allá la trama, Yeats logra construir una de las cintas más bellas y humanas de esta saga, con los mejores efectos visuales, maduros y mesurados, alejándose de la espectacular y artificiosa magia que prevaleció en algunas de las primeras cintas. Recomendable ampliamente.

Baaría

2010-12-30T15:36:00.000-08:00

Las bifurcaciones de la vida

La épica de una familia

Ricardo Martínez García

El director italiano Guiseppe Tornatore (Cinema Paradiso, Malena) presenta en Baaría (2009) la crónica de una familia siciliana que atraviesa gran parte de los momentos estelares, álgidos y sufridos de la historia italiana en el siglo XX, luchando primero por la mera sobrevivencia, luego por las vicisitudes del amor, de la militancia política y de la consolidación familiar y social.

Vivo retrato de la colorida vida cotidiana en la agreste provincia siciliana, donde el pastoreo de cabras, los juegos infantiles, los pequeños trabajos, la picardía juvenil, se conjuntan con las circunstancias más amplias que se presentan al llegar Mussolini al poder, y el consiguiente ingreso a la guerra, la lucha política entre fascistas y comunistas, la cinta transcurre bajo el hilo conductor de la vida de Peppino (Francesco Scianna) desde su infancia y hasta que se casa con la bella Mannina (Margareth Made), y la formación de una familia típicamente siciliana, siempre afrontando obstáculos que de una u otra forma sortean. Los mafiosi apenas si son mencionados.

Cinta épica en la que Tornatore vuelve a celebrar la gran tradición y gusto por el cine y la música en la cultura italiana, que repasa brillantemente aspectos sociales e históricos, sin afanes teóricos y destacando elementos vivenciales, con grandes dosis de drama, humor, excelente escenografía y efectos especiales. La obra de Tornatore va más allá de otra película italiana recién exhibida en México, La amante de Mussolini, con la cual guarda cierta semejanza pero es más particular ésta al centrarse en el caso de la mujer abandonada por el dictador, quien usa el aparato estatal para desaparecerla. La del director de Cinema Paradiso es mucho más optimista pero sin dejar de señalar aspectos importantes. No deje de verla.

Actividad Paranormal 2

2010-11-10T17:34:00.000-08:00

Viejas brujerías, nuevas consecuencias.

Ricardo Martínez García

La fórmula que tan buenos resultados ofreció a Oren Peli, director de Actividad Paranormal (07), cuya trama muestra sólo la información indispensable -el matrimonio formado por Katie y Micah, que vive aparentemente un allanamiento doméstico por parte de algún tipo de entidad no humana e invisible, todo grabado en un video revelador-, en esta precuela no puede sostenerse más.

El espectador se va enterando de pequeños detalles reveladores que descubre la adolescente hija del esposo de Kristi, hermana de Katie, protagonista de Actividad Paranormal.

Como si fuera un moderno oráculo, la cinta de Tod Williams muestra a la adolescente Ali buscando información en internet que le permita entender los eventos extraños que ocurren en su casa. También acude a la ouija en la búsqueda de respuestas.

La inclusión de una nana hispana que estaba al cuidado del bebé de Kristi y su esposo le da un aire de hechicería a la trama, pero es lo que Ali descubre navegando en la red lo que le aclara a ella y al espectador lo ocurrido a Kristi y a Katie posteriormente.

Cinta de bajo presupuesto como la anterior, explota la fórmula ya probada de generar suspenso con escenas aparentes escenas estáticas que muestran el avance del tiempo y pequeños pero anormales eventos.

Los efectos especiales son mínimos pero muy bien logrados, como en la cinta de Peli anterior. Algunas de estas escenas recuerdan al comercial en el que aparece algo estático y luego un mensaje que dice: “acabas de perder 10 segundos viendo esta tontería”, y son varias las escenas de esta índole. Si en la primera película el efecto es muy bueno, el de generar expectativa, en ésta ya no es tan eficaz dicho efecto, el espectador ya se sabe la fórmula, así que la trama apela a nuevos elementos, más humanos si se quiere, pero igual de monstruosos y aterradores. A pesar de esto, la cinta es entretenida aunque no mejor que la anterior.

El último Exorcismo

2010-10-31T14:58:00.000-07:00

Un cuento fantástico

Ricardo Martínez García

Ubicada a la mitad de una especie de falso documental de cierto estilo que recuerda a Reli...qué? (Larry Charles, 09), donde se muestra que la fe de muchas personas es irreflexiva y es más un acto inconsciente que no examina racionalmente aquello en lo que cree, y de una cinta de esencia hermética aunque muy por debajo de la elegancia de cintas como Ojos bien cerrados (Stanley Kubrik, 99), El último exorcismo (Daniel Stamm, 10) es una narración con una pretendida seriedad documental sobre la falsedad de las posesiones pero que, en una vuelta de tuerca jamesiana, se vuelve algo totalmente inesperado, cuyo desenlace coloca a la cinta en una línea argumentativa semejante a la de ciertos cuentos de terror de principios del siglo XX, como Antiguas Brujerías, de Algernon Blackwood.

El argumento gira en torno de la premisa falaz que dice “si crees en Dios, crees en el diablo”, sin proponer argumentos de índole teológica que pudieran aclarar cómo esos dos conceptos pueden equipararse. La cinta muestra a un pastor, Cotton Marcus (Patrick Fabian) que sabe de la ignorancia de su grey respecto a varios aspectos de su manera de vivir el culto, caracterizada por su irreflexibilidad e inconsciencia, y decide mostrar en un documental cómo la gente cree en los exorcismos y en la manera fraudulenta en que se realizan, con trucos de feria aplicados en la persona supuestamente poseída. Marcus atiende a una chica llamada Nell, (Ashley Bell) a la que él supone trastornada o incluso violentada pero no poseída. Los problemas comienzan cuando Nell se aparece en su habitación en medio de la noche. De ahí se desata una serie de acontecimientos en los que Marcus pasa de exorcista fraudulento a cruzado sin esperanza en medio de algo que él jamás hubiera imaginado: caer en manos de una comunidad que está más allá del catolicismo o cristianismo y que hunde sus raíces en un culto mucho más primigenio que el de éstas doctrinas.

Mucho menos insatisfactoria que La bruja de Blair, El último exorcismo es un mediano intento por mostrar algo diferente en el género, pero cuyo resultado no hará olvidar de ningún modo al clásico de William Friedkin.

El Escuadrón del Crimen

2010-10-20T16:30:00.000-07:00

Hay de ladrones a ladrones

Código de ladrones

Ricardo Martínez García

Ser ladrón no parece tan malo cuando se es parte de una banda criminal de altos vuelos, que le roba solo a bancos cuyo dinero está asegurado. Es una versión ligeramente modificada del Robin Hood de la campiña inglesa que le robaba a los ricos para repartir entre los pobres sus ganancias.

Pero estos ladrones saben vivir la vida. Son sibaritas que luego de un asalto, se reúnen como si tal cosa en algún bar de moda a celebrar en un privado a todo lujo el último gran asalto. Tal es la historia que presenta John Luhessenhop en El escuadrón del crimen, estelarizada por Paul Walker, Idris Elba y Matt Dillon, entre otras.

El argumento muestra momentos dramáticos interesantes: la vida personal del jefe de la banda, Jennings (Elba) que tiene que lidiar con una hermana drogadicta, el romance de Jesse (Chris Brown) que se compromete con la ex novia de un cómplice recién salido de prisión, o la intensidad del detective Jack Welles (Matt Dillon). Con ciertos aspectos parecidos a otras emblemáticas cintas del género como Fuego contra Fuego (Mann, 1995), por el profesionalismo y especialización de los ladrones, o Asalto (Mamet, 01), por el código ético entre ladrones que se rompe casi siempre debido a la avaricia o ánimos de venganza de unos a otros y su posterior y previsible traición, la cinta de Luhssenhop es una entretenida cinta de acción y drama criminal en la que el detective es un mudo testigo de los acontecimientos, pues poco o nada puede hacer para evitar los acontecimientos. Un ladrón incluso le recomienda al detective Welles que “no se entrometa”, cuando éste le pisa los talones pero no puede con el lío que se traen de manera interna los propios ladrones.

Mucho mejor cinta que aquella en que actuara Dillon, también sobre un asalto (Armored) pero ahora sí con una actuación mejor dirigida y un guión mucho mejor estructurado. Buena opción para los que gustan del género policiaco.

Comer, Rezar, Amar

2010-10-08T17:44:00.000-07:00

En busca de la vida interior

Ella descubre!

Ricardo Martínez García

Desde los antiguos griegos y hasta Sigmund Freud los grandes sabios han teorizado sobre la finalidad de la vida. La felicidad o la búsqueda de ésta ha ocupado siglos de reflexiones y meditaciones sumamente interesante de gran cantidad de filósofos y hombres de ciencia. Las fuentes de la felicidad que se han planteado, entre otras, corresponden al goce estético de los sentidos, el conocimiento de Dios, el amor y la sexualidad.

En lo que constituye tal vez su mejor cinta desde Erin Brockovich (Soderbergh, 00), Julia Roberts vuelve con una cinta intimista, variada, espiritual, madura, de la mano del cineasta Ryan Murphy y su obra Comer, rezar, amar (10), basada en las memorias de la periodista Elizabeth Gilbert, que se han vuelto un verdadero best seller.

Liz Gilbert es una reportera en crisis de identidad, su matrimonio se va a pique porque cada uno de ellos tiene ideas diferentes de la dirección que debería tener su vida. Ella decide hacer un viaje a diferentes partes del mundo con el fin de alcanzar cierta paz espiritual y corporal. Italia, la India, la paradisiaca isla de Bali, en Indonesia, son sus destinos donde más que buscar experiencias de turista, que ya tenía demasiadas, se busca a sí misma con la ayuda de algunos amigos.

Tres son los aspectos que enfatiza la cinta de las dimensiones de la vida humana. Desde la necesidad física de alimentarse, pasando por el arte del buen comer, hasta el replanteamiento de la existencia y del amor, superando miedos y resistencias, descubriendo en la labor en pro de otras personas y el olvido del natural egoísmo una fuente de placer y bienestar, tales son las cosas que hacen de Liz una mejor persona.

Se trata de una muy disfrutable cinta, optimista en muchos aspectos, dramática en grados solo necesarios, divertida (sobre todo con la aparición del personaje de Javier Bardem) y que deja un buen sabor de boca en el espectador. No deje de verla.

La Amante de Mussolini

2010-09-20T20:00:00.000-07:00

La verdad siempre vence

Historias ocultas del fascismo italiano

Ricardo Martínez García

Cuando la maquinaria oficial que escribe la historia de un país está en manos de un solo hombre, éste puede moldear hasta la suya. Muchos hombres de poder, cuando han alcanzado su punto más alto en tal ejercicio, controlan detalles de su vida personal en aras de mantener cierta imagen, sea de partido, gubernamental o estatal.

La cinta del director italiano Marco Bellocchio Vincere (La amante de Mussolini, 09) es un homenaje al cine mudo, a la gran tradición cinéfila de los italianos, a su historia y al registro fílmico que se ha hecho de ella. Es un homenaje a la música y la ópera, pero sobre todo es la historia –más que probable – de una mujer apasionada que se entrega totalmente y sin miramientos a su amante, del que no sabe casi nada, más que es un hombre que poco a poco escala posiciones políticas hasta llegar a ser el dictador que lleva a Italia a la guerra y que reconoce la existencia legal de su enemigo-aliado: El Vaticano.

La miseria en la que se ve envuelta Ida Dasler (Giovanna Mezzogiorno) luego de engendrar un hijo con Mussolini, del cual es separada, está esencialmente contenida en el desconocimiento autoritario de su credibilidad: es ingresada en un manicomio y declarada enferma mental, tanto más cuanto ella grita su verdad. En este aspecto hay grandes semejanzas con la cinta de Clint Eastwood, estelarizada por Angelina Jolie, Changeling (El sustituto, 08), aunque en dicha cinta quien desea mantener las apariencias es el Departamento de Policía de Los Angeles, corporación que también sabe ser ruda, tal como narran algunos libros de James Elroy y casos documentados como el de Rodney King.

Gran actuación dramática tanto de Mezzogiorno como de Fabrizio Costella, en su doble papel del dictador y de su hijo. Excelente homenaje a aquellas viejas cintas mudas y musicalizadas en vivo con un piano, que hicieran las delicias de aquellos cinéfilos incipientes, un poco en la línea de Cinema Paradiso (Tornatore, 88) o Splendor (Scola, 88). No deje de verla.

Predators

2010-08-30T17:00:00.001-07:00

A la caza de… ¿de qué?

Ricardo Martínez García

Depredador de... cinéfilos

Lejos de las cintas dirigidas por John McTiernan (Predator, 1987) y Stephen Hopkins (Predator 2, 1990) y sin nada nuevo que añadir desde el punto de vista dramático, narrativo, efectos especiales o actuación, Depredadores (Predators, 10) de Nimród Antal, es una fallida cinta de acción con pretensiones de ciencia ficción (sin ciencia y con muy escasa ficción) que, a manera de una reinvención de la fábula -muy al estilo de los cómics- de los extraterrestres que toman a los humanos como piezas de cacería, sobreexplota un argumento que de por sí no daba para más desde esa medianamente interesante cinta de 2004 que sintetizaba dos muy revolcadas ideas cinematográficas propias del género: Alien Vs. Predator (04) de Paul W. S. Anderson.

Ante seres tan portentosos y desarrollados física y tecnológicamente, las premisas de la película no se sostienen por mucho tiempo: si hubiera seres así, la sobrevivencia de los seres humanos llegaría a su fin irremediablemente. Es por eso que la verosimilitud o, mejor aún, la situación hipotética planteada de la cinta, cae estrepitosamente. Los seres humanos son como títeres o juguetes totalmente indefensos que solo atinan a suponer lo que se hace con ellos, aunque no les interese saber cómo llegaron a ese planeta (supuestamente en otro sistema solar) que cuenta con paisajes más que improbables.

Cinta prescindible y con escaso ritmo, tanto que hace preguntarse cómo fue que actores como Adrien Brody (que ganó el Oscar a la mejor actuación masculina en el 2002 por El Pianista), o Laurence Fishburne (Matrix) deciden participar en cintas clase B como ésta, producidas por gente como Robert Rodríguez, en fin. Véala si no tiene nada mejor que hacer.

Un Profeta

2010-08-22T13:00:00.001-07:00

Un profeta del delito

Universidad del crimen

Ricardo Martínez García

Un profeta no es aquel que predice o revela acontecimientos que vendrán en el futuro, sino aquel que sabe leer los signos en el presente y que se anticipa a lo que naturalmente puede prever.

Tal es el caso de Malik El Djebena (Tahar Rahim, joven y excelente actor) un muchacho que en lo que pudiera considerarse la enésima reedición de Los Miserables de Víctor Hugo (aunque aparentemente con mejor suerte que Jean Valjean, especialista en escaparse de su eterno perseguidor, el inspector Jaubert, y eso le signifique vivir siempre en angustia y agonía), es condenado a seis años de prisión por haber golpeado a unos policías, encontrándose en la penitenciaría La Central un microcosmos sórdido y violento, dominado por el jefe de una facción mafiosa originario de Córcega, que coexiste con grupos como el musulmán y otros más, encerrados quién sabe por qué motivos. Es el inicio de una carrera delictiva en el que Malik poco a poco sobresale por su natural don de anticipar las reacciones a ciertas acciones y por su resistencia y aparente humildad.

La cinta, dirigida por el cineasta francés Jaques Audiard, que ganó el Gran Premio en el pasado Festival de Cine de Cannes, es un portento de argumento y realización, mostrando situaciones de la más sórdida condición humana, al mismo tiempo que hace ver al espectador la ruta que lleva a Malik de ser desde el más indefenso y aislado de los prisioneros hasta ser un audaz y atrevido cerebro del crimen.

La película es grandiosa en realización, no porque sea una especie de ensalzamiento romántico del crimen al estilo de Hollywood, con cintas como El Padrino, sino por su ruda sinceridad y falta de concesiones ante una realidad que no está para visiones políticamente correctas. Es lo que es pero sin ser un documental, pues la trama dramática y subjetiva en torno a Malik está por encima aún del intrincado relato del modus vivendi de los prisioneros.

Cinta hiperrealista e impresindible para todo aquel que guste del buen cine, totalmente recomendable.

Los hombres que no amaban a las mujeres

2010-08-17T17:40:00.000-07:00

Secretos y Mentiras

La decepción ante el fin de la vida

Ricardo Martínez García

Los hermosos y desolados paisajes de la gélida y húmeda campiña nórdica forman parte de los escenarios de Los hombres que no amaban a las mujeres (Man Som Hatar Kvinnor, 09), cinta del director danés Niels Arden Oplev, quien presenta un intenso thriller que dejará satisfechos a quienes gustan del suspenso, de las cintas de detectives, del romance, de las cintas con secretos muy bien guardados.

Basada en el libro del mismo nombre y que es parte de la trilogía de novelas policiacas del escritor y periodista sueco Stieg Larsson (54-04), la cinta versa en torno a una pareja de avezados investigadores -cada uno en su campo- conformada por el maduro periodista Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) y la joven especialista en computadoras Lisbeth Salander (la bella Noomi Rapace), que recuerda un poco a aquella pareja que hiciera Tom Hanks con Audrey Tatou en El Código Da Vinci, pero estos actores suecos sí que hacen una extraña pero innegable química, cuyo resultado es una gran actuación en esta película mucho más creíble que la dirigida por Ron Howard en el 2006.

El anciano jefe de un emporio industrial de apellido Vanger contrata a Blomkvist para que averigüe el paradero de su sobrina, desaparecida muchos años antes. En la investigación Blomkvist descubre muchas cosas insospechadas -como un asesino en serie que ofrece una descripción casi poética de los momentos postreros de sus víctimas, señalando que sus miradas son de decepción al comprender que no sobrevivirán- pero además su encuentro con la punketa Salander le hará más fácil su investigación. Lisbeth Salander es una suerte de heroína cuya frustrada infancia la ha marcado profundamente. Algunas situaciones de la trama recuerdan a la película Pulp Fiction, de Tarantino, por su enorme carga de sordidez y violencia, aunque Arden Oplev es ligeramente más sobrio que Quentin.

Pronto se estrenará la segunda parte de esta serie, cuyo título tentativo es La chica que jugaba con fuego, protagonizada nuevamente por la pareja de excelentes actores suecos, Nyqvist y Rapace. Tanto los libros como las cintas están de moda en Europa, y realmente se entiende el por qué al ver esta muy recomendable cinta. No hay que dejar de verlas.

El Retrato de Dorian Gray

2010-08-14T11:16:00.000-07:00

Los años no pasan por él

La Edad de la Perversión

Ricardo Martínez García

Un inocente y joven hombre entra, por azares del destino y de una jugosa herencia, a los círculos aristocráticos en Londres y comienza una vida llena de depravaciones, alentadas por el cinismo e hipocresía de esa misma sociedad, representada en quien se supone su protector y amigo. A grandes rasgos es ésta la trama que manifiesta El retrato de Dorian Gray (Dorian Gray, 09) la clásica obra del famoso escritor irlandés Oscar Wilde, llevada a la pantalla grande en esta ocasión por Oliver Parker.

Sin tratos diabólicos a la vista pero sí con toda la natural perversión de la que es capaz el ser humano, esta cinta nos presenta a un Dorian Gray más que apuesto (el excelente actor británico Ben Barnes, que tiene un parecido a Keanu Reeves pero es mucho más expresivo que éste), símbolo de la juventud y la belleza que se vuelve un asiduo a las fiestas aristocráticas y fiel seguidor de la filosofía cínica y vitalista de lord Wotton (el no menos excepcional Colin Firth), aunque el mismo lord no sea coherente con lo que predica.

Wilde fue un escritor de grandes dotes de observador social, sus jucios reflejan una visión aguda y mordaz, constantemente muestra los detalles, los defectos más notorios y divertidos de su sociedad a lo largo de sus escritos. La vanidad de la alta clase social a la que tuvo acceso le hicieron ver lo superfluo de sus vidas, que consistía para la gran mayoría en buscar la mayor cantidad posible de placeres, en el desenfreno disfrazado de liberalismo o en romper cualquier tipo de limitaciones morales.

“Hoy en día, tanta gente engreída anda por la sociedad pretendiendo ser buena que yo pienso mostrar al contrario una dulce y modesta disposición a ser malo”, dice lord Darlington, uno de los personajes de El abanico de Lady Windermere, obra de teatro de Wilde, personaje como el también lord Wotton, pero Dorian Gray no muestra esa pequeña y modesta predisposición sino que se mete con todo y de lleno en el mundo desenfrenado de las pasiones. Dorian Gray pasa de una campirana inocencia a una cosmopolita perversión a instancias de Wotton, pero todo tarde o temprano tiene su costo, pareciera ser la moraleja.

El retrato de Dorian Gray, la hermosa pintura que realiza Basil, deviene en una especie de terrible fetiche que ensalza en primera instancia esos dos grandes “valores” humanos, la juventud y la belleza, pero que ignora su propia naturaleza temporal y transitoria, y en esa vanidad lleva su castigo. La obra de Wilde muestra el camino torcido de unos valores que no buscan la trascendencia sino el goce de lo inmediato que busca prolongarse indefinidamente, cayendo en una contradicción insostenible.

La cinta de Parker -que ha filmado también cintas como la shakespereana Otelo y las obras de Wilde The Importance of Being Earnest y An Ideal Husband- es una de esas raras piezas que son como obras de arte por su hechura, realización escénica, mínimos pero efectivos efectos visuales y excelente dirección dramática. No deje de verla.

Agente Salt

2010-08-07T10:14:00.001-07:00

¿De qué lado está ella?

Nada es lo que parece

Ricardo Martínez García

Angelina Jolie es una mujer de acción. Si Brad Pitt, Matt Damon o Tom Cruise son actores que gustan de las cintas de acción, Angelina no desdeña de ningún modo estos papeles, aunque sea con una trama retro en su nueva cinta Agente Salt (Salt, 10), con base en aquellas historias que ya habían desechado los guionistas de Hollywood sobre la vieja pugna entre los Estados Unidos y la madre Rusia y su consecuente labor de inteligencia en ambas partes para infiltrar a sus agentes en el otro lado, buscando desestabilizar o de plano destruir al odiado régimen enemigo.

Alguien se quedó estancado en la historia de la Guerra Fría, siguió con un plan maestro de formación de agentes o espías que comienza desde la más temprana infancia, hasta convertrilos en fieles seguidores de su formador, de un modo casi religiosamente, pero que en su esquemática forma de ver el mundo no prevé los cambios que se gestan en las vidas de las personas a lo largo de los años. Ni respeta su capacidad de análisis.

Jolie es la agente Salt, que al parecer es delatada por quien fuera su profeta en Rusia, luego de que en el pasado éste la instruyera concienzudamente tras sufrir un accidente automovilístico, y que en un movimiento supuestamente premeditado desde años se busca que se cumpla el destino manifiesto de Norteamérica. Pero el personaje de Liev Schrieber aporta un giro en la cinta -clásico en este tipo de filmes- que lleva al espectador a la verdadera esencia de la trama: nadie sabe para quién trabaja y nada es lo que parece.

Esta cinta marca el nacimiento por una parte de una nueva agente especial de la CIA en el combate de los malos del mundo, pero como dice Salt, "como ella ninguna", y tiene razón, y por otra el regreso de tramas de espionaje entre Rusia y Estados Unidos. Dirigida por Phillip Noyce cuenta con escenas de acción a lo Lara Croft solo que en otro contexto menos increíble. Angelina no ganará ningún Oscar por este trabajo, pero sus admiradores podrán verla nuevamente haciendo sus piruetas de action woman.

El Origen

2010-08-06T17:27:00.000-07:00

Sueño que sueño que sueño

La Realidad de los sueños

Ricardo Martínez García

Son muchas las coincidencias. Christopher Nolan, director de El Caballero de la Noche, presenta en El Origen (Inception, 10) protagonizada por Leonardo Di Caprio, la historia de unos extractores e inoculadores de ideas que se cuelan en los sueños de sus víctimas, por más inverosímil que esto suene, pero que recuerda muy de cerca a los libros de Carlos Castaneda -especialmente El Arte de Ensoñar- aunque sin el esoterismo y mística de los esfuerzos de un aprendiz de brujo que sigue el camino del guerrero y se vuelve un ensoñador y acechador tremendo, gracias a sus habilidades naturales, como lo muestra el propio Castaneda, aquel famoso antropólogo de la UCLA devenido en el aprendiz del brujo o nagual Don Juan Matus.

Di Caprio encabeza un reparto más que interesante: desde Michael Caine como el profesor universitario Miles que da clases en París y fue mentor de Dom Cobb (Di Caprio) en el aprendizaje del manejo de los sueños. Ahora Cobb es un extractor o ladrón de sueños y secretos de sus víctimas; Ellen Page como Ariadna, la más avezada estudiante de Miles y arquitecta de ambientes de los sueños (algo en lo que Cobb y su esposa Mal -Marion Cotillard- eran muy buenos: reconstruir en los sueños lugares de la realidad a su más mínimo detalle, y que es lo que hace El Inquilino en El Arte de Ensoñar de Castaneda); Joseph Gordon-Levitt, como Arthur, a cargo de la operatibilidad de las incursiones en el subconsciente de las víctimas del equipo de Cobb; Ken Watanabe como Saito y cliente de este mismo equipo al que le plantea una misión, y Cillian Murphy como Robert Fisher Jr., heredero de un imperio económico y principal víctima de Cobb.

No se trata de una película de ciencia ficción porque no centra el argumento en el uso de hipotéticos aparatos tecnológicos que permitieran la incursión de conciencias diferentes en el subconsciente de alguien (solo se ve un maletín de donde sacan algo para concectarse), sino que más bien se explora la idea de que si tal cosa fuera posible -ingresar al sueño de alguien- entonces sería posible ingresar al sueño de alguien que ya está soñando, e ir a un nivel más profundo de ese sueño y así hasta un tercer nivel. Si en los libros de Castaneda se habla del control de los sueños y de su utilización como canales hacia otros universos y suena plausible gracias a que esto es resultado de un incisivo aprendizaje, en la cinta de Nolan todo parece natural pero desconectado, justamente porque no se explica cómo sería posible tal cosa.

En Hasta el fin del mundo (91) Wim Wenders presenta en un momento dado también un pequeño aparato grabador de los sueños, algo como un ipod y que se conecta directamente en la cabeza, que al reproducirlos genera adicción en la persona que los ha soñado, enajenándola de la realidad. De alguna manera El origen alude a la misma idea, aunque con un tono dramático diferente, que se centra en la relación de Cobb y su esposa.

Si Carlos Castaneda no permitió que sus obras fueran llevadas al cine, cuando estaba en este mundo, “para no ver a Anthony Quinn haciéndola de Don Juan”, ahora no ha podido evitar que algunas o muchas de las ideas de sus libros coincidan -o tal vez algo más que eso- con argumentos cinematográficos que ciertamente resultan interesantes, pero no hay nada como leer sobre el explorador azul con el que Castaneda se topa en el mundo de los seres inorgánicos en el citado libro El Arte de Ensoñar, si se trata de irse al origen, o al menos a un origen. Y la afirmación es la misma: este mundo no es real.

Shrek para siempre

2010-07-27T14:59:00.000-07:00

Nuevas aventuras de la pandilla del ogro verde

El Reticente de siempre

Ricardo Martínez García

El personaje verde y gruñón se la ha pasado en las cintas de la saga repelando de lo que tiene que hacer: en la primera cinta no quería decirle a Fiona lo que sentía por temor al rechazo y por ser un ogro (y ella aparentemente una hermosa princesa); luego en la segunda parte de la saga, no quería ir al reino de Muy, Muy Lejano porque no deseaba salir de su pantano e ir a ver a los padres de su esposa y exponerse a todo el rollo familiar en casa de los suegros; en la tercera cinta tampoco quiso hacerse cargo del mismo reino a la muerte del rey rana Harold y va a buscar a un tal Arturo, para que éste sea el rey. En todas las ocasiones Fiona es la que le hace ver la razón del porqué sí hacer cosas que no quería hacer: simplemente por el amor que se tienen. Fiona le dice que ella sí cambió por él. Así, Shrek se muestra como el eterno adolescente o ser que se cree inmortal y que piensa que puede dar marcha atrás en su vida, como si no hubieran pasado algunas importantes cosas en ella. Su reticencia es comprensible pero patéticamente humana.

Luego de las tremendas peripecias, la mayor parte de las veces bastante cómicas, en gran parte gracias a la participación del ligeramente embarnecido Gato con Botas, de Burro, Pinocho, y uno que otro nuevo personaje, la reticencia se desvanece ante la evidencia de que nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde, tomándole el gusto a los detalles poco disfrutables de la vida doméstica. Y ésa es una ley que una y otra vez Shrek tiene que enfrentar por ser el personaje central.

En esta nueva cinta, Shrek para siempre (Shrek forever after, 10) dirigida por Mike Mitchell, el ogro verde recurre a las malas artes mágicas de Rumpelstilkstin y sus paradojas existenciales, para recuperar su “verdadero ser”, sin fijarse en las letras chiquitas y cuyas consecuencias, de las cuales ni se percata Shrek hasta que es casi demasiado tarde para evitarlas, resultan impredecibles y hasta nihilistas (pues corre el riesgo de dejar de existir) y entonces lo único que quiere es arreglar los estropicios de sus descuidadas decisiones del modo que sea. Este carácter fáustico de la cinta es lo más atractivo, aparte de ver en acción nuevamente a la pandilla completa.

Si en la vida ficticia de estas excelentes animaciones es problemático regresar al modo de vida cotidiano que se despreció pero que en realidad era todo lo que importaba, en la vida real de los seres humanos adultos (cuya vida está representada caricaturesca e irónicamente en los personajes), a quienes está dirigida esta cinta con ánimo de resaltar la importancia de la vida familiar doméstica, les resultará todavía más difícil.

La moraleja de este cuento ya ha sido expresada, y el mensaje está en la saga de este ogro verde humano, demasiado humano. La cinta es más un recordatorio nuevamente de ciertos elementos esenciales de la vida humana, por lo que la cinta es disfrutable en la medida en que olvidamos lo que somos y lo que tenemos y podemos perder, y lo que ya hemos visto. De otro modo, si la memoria de lo vivido y visto en el pasado está activa entonces no es necesario ver esta película.

El Secreto de sus Ojos

2010-07-26T12:58:00.000-07:00

Oscar a Mejor Película Extranjera 2009

Miradas reveladoras

Ricardo Martínez García

Ricardo Darín, actor argentino de cintas como El Hijo de la Novia y El Aura, protagoniza la cinta ganadora del Oscar a la mejor película extranjera, dirigida por Juan José Campanella, El secreto de sus ojos (09).

Benjamín (Darín) es un empleado administrativo en los juzgados de lo criminal en una ciudad argentina en 1974. Luego de un caso de violación y asesinato de una hermosa mujer, se involucra no solo administrativamente sino de un modo detectivesco que no le pide nada a cualquier capítulo de La Ley y el Orden o Mentes Criminales, pero con un contexto histórico y dramático mucho más amplio.

La investigación comienza propiamente con el análisis de una fotografía, en donde aparece la víctima acompañada de varios hombres. El primer sospechoso es un individuo que en la imagen mira intensamente pero de soslayo a la mujer, como sólo un profundo enamorado, o alguien completamente obsesionado, lo haría. La mujer naturalmente no percibe que se convierte en el objeto de observación de ese hombre -si lo hubiera hecho, probablemente no hubiera muerto-, pero la mirada atenta de Benjamín sí que lo hace.

La cinta toma como pretexto el caso, en el que Benjamín centra sus recuerdos luego de muchos años y aderezada con una interesante historia de amor, para mostrar la manera en que ciertos aspectos de la justicia argentina estaban contaminadas de corrupción y de grandes dosis de impunidad y autoritarismo irracional entre los funcionarios que, usando sus puestos, toman revancha sobre aquellos que creían enemigos. Este ambiente parecería presagiar la dictadura militar que azotó a la Argentina entre 1976 y 1983, mismo ambiente que se respiraba en Chile y Uruguay.

El amor -que delata también la mirada de Benjamín-, la amistad, el miedo, la amenaza, la toma de la justicia por propias manos, contextualizan esta cinta que explora situaciones dramáticas en ese periodo latinoamericano de triste recuerdo. Excelente película, no se la pierda.

Encuentro Explosivo

2010-07-25T21:00:00.000-07:00

Química que estalla… en carcajadas

Ricardo Martínez García

Una de las parejas de actores más admiradas en Hollywood, Cameron Diaz y Tom Cruise, protagoniza esta cinta que parodia de manera gozosamente cómica a las clásicas cintas de agentes secretos al estilo de Bourne o James Bond, e incluso autoparodia a las estelarizadas por el propio Cruise como Misión Imposible y sus secuelas.

La inverosimilitud de Encuentro Explosivo (Knight and day, 10) no deja lugar a dudas sobre su carácter paródico, por lo que el atractivo de la cinta, dirigida por James Mangold, es ver cómo se convierte en un divertido romance enmarcado en una movie road que nos lleva por diferentes lugares paradisíacos del mundo y en la que la química existente entre Cruise y Diaz es palpable.

El carisma de los actores atraviesa incólume por la trama que presenta los típicos enredos entre agentes y espías, las traiciones, identidades ocultas, un producto de alta tecnología que es objeto de la codicia de los malos de siempre y que puede cambiar el rumbo de la humanidad, además de las escenas de acción trepidantes como las que acostumbra Cruise.

Aunque los años no pasan en balde, Cameron y Tom se siguen viendo en excelentes condiciones, por más que la piel ligeramente arrugada nos recuerda que han pasado ya varios años desde las primeras actuaciones de estos dos personajes. La cinta es ligera y nadie puede esperar un trabajo serio cuando los propios actores se divirtieron de lo lindo al filmarla.

Fuego

2010-07-24T15:54:00.000-07:00

Las pasiones exacerbadas

Ricardo Martínez García

Guillermo Arriaga es un guionista que busca en sus personajes elementos pasionales que los marcan en un momento determinado de sus vidas, para bien o para mal. En esta búsqueda encuentra que las pasiones, como la ira, los celos, el remordimiento, son tal vez lo más propio y esencial del ser humano, por encima de la razón. Al menos así aparece en Fuego (The Burning Plain, 08) cinta que dirige y escribe.

Esta verdad simple y sencilla sobre la preponderancia de la naturaleza pasional del ser humano, por encima de la racional, de tan conocida, la narra Arriaga recurriendo a la hilación no lineal a través de un conjunto de escenas que van del presente al pasado y viceversa, en el que el espectador reconstruye la historia y puede hacer sus predicciones pero aún así espera a ver cómo se resuelve la trama de esta cinta, ambientada en el sur de los Estados Unidos y el Norte de México.

El reparto es interesante: Charlize Theron interpreta a Sylvia, dueña de un Restaurant de alta cocina que tiene problemas para relacionarse con los hombres, de los cuales aparentemente solo desea sexo. Kim Bassinger como Gina, una madre insatisfecha que encuentra el amor en un mexicanoamericano, Nick Martínez (Joaquim de Almeida). Aparece también José María Yazpik como un agricultor que busca a Sylvia para llevarle un encargo.

El resultado final de la cinta da la impresión de que ha sido una lástima el pleito entre Arriaga e Iñárritu, ya que si bien la tendencia del primero por escribir al estilo de Cormac McCarthy o David Mamet no lo convierte en un escritor demasiado original, tampoco cuenta con el oficio del segundo para dirigir. Hacían buen equipo, pero como la cinta propone, las pasiones humanas se imponen. La cinta vale la pena por la actuación de la Theron y de Yazpik, así por la espléndida escenografía.

Una pareja dispareja

2010-06-30T21:59:00.000-07:00

El fraude del amor

Ricardo Martínez García

Con un tono que oscila entre el drama y la comedia al mejor estilo de lo que acostumbra ofrecer Jim Carrey, Una pareja dispareja, dirigida por John Requa y Glenn Ficarra (I love you Phillip Morris, 09)es una visión del amor entre dos hombres que se convierte en algo trascendente porque se inscribe dentro de lo que cabe esperar en una relación de pareja, o la historia de un amor que lucha por domesticarse de modo tradicional aunque con eventos totalmente fuera de lo ordinario.

Steve Russell (Carrey) es un agente de policía muy religioso que usa su cargo para acceder a información confidencial, con lo que averigua quién es su madre biológica luego de toda una vida sabiendo que es adoptado. Luego un accidente lo lleva a aceptarse tal como es y a decidirse a vivir en consecuencia: vivir la vida gay es demasiado caro (que no es muy diferente de la de los heteros, por lo que se ve), y para vivirla como se debe, comienza una carrera delictiva que va primero de hacerse pasar como supuesto abogado, luego como contador y finalmente como embaucador de altos vuelos.

Su inteligencia y tezón lo llevan a luchar cada vez más, aunque sea por medios ilegales, con el fin de mantener a Phillip Morris (Ewan McGregor), un ex convicto como él de quien se enamora en la cárcel y luego logra liberar gracias a sus habilidades para hacerse pasar por quien no es (una bella analogía de lo que es Carrey en la vida real: un gran actor).

La cinta se convierte entonces en una mezcla entre Atrápame si puedes, Sueño de fuga y cualquiera otra que hable de una historia entrañable de amor, el amor que hay entre Steve y Phillip, historia que cuenta con algunas escenas realmente conmovedoras.

Este amor se muestra sobre todo por el grado de previsión y planeación, así como la audaz ejecución y constancia que invierte Steve para lograr un efecto final, magnífico, así de grande es su amor, aunque Phillip piense -como buena parte femenina de la pareja dispareja- que ese amor no es sino la manifestación del carácter fraudulento tan típico de Steven, algo en lo que era un verdadero genio. No deje de verla, si le gusta ver a dos excelentes actores en un interesante mano a mano y en una cinta que combina humor y drama.

Toy Stroy 3

2010-06-30T21:27:00.000-07:00

El regreso de los juguetes vivientes!

Ricardo Martínez García

La ternura, sencillez y calidez de los entrañables y lúdicos personajes creados por Disney y Pixar para las cintas de Toy Story y sus dos secuelas, han hecho de esta serie una de las más exitosas en la historia del cine infantil. Woody, Buzz Lightyear, El Señor Cara de Papa, T Rex, Barbie y Ken (con las grandes parodias entre ellos) y toda la pandilla que permanece, saben que su razón de ser es ser usados o jugados por los niños. El problema, como siempre, es que los niños crecen, es una ley de la vida, pero los juguetes parecen ser para siempre, difícilmente se deterioran (cosa que no ocurre en la vida real) hasta que son usados por niños cuya edad no les permite ser cuidadosos, o caen en manos amorosas.

La amistad y el compañerismo, así como la fidelildad, son valores que rigen en este compacto grupo de amigos juguete, valores que están por encima de cualquier consideración temporal o aparente traición al grupo, el cual se solidariza tan pronto se da cuenta de su error. Están como siempre las referencias de rigor, que acercan peligrosamente a algunos personajes como el Oso Oloroso a personajes como El Padrino versión infantil, o al Bebesote como Linda Blair en El Exorcista; hay alguno que hasta recuerda al Chuky por sus actitudes siniestras.

La historia se recicla de algún modo en las tres cintas: se plantea la invencible amistad, luego las preferencias de un Andy universitario parecen ser el motor de aparentes traiciones, la aventura que corren luego de ser “donados”, y luego la unión reforzada para escapar de sus nuevas y nefastas circunstancias.

Lee Ulrich dirige esta cinta con un guión escrito por él y por Michael Arndt, quien escribiera el guión de Miss Pequeña Sunshine. La fuerza que alcanzaron los personajes de Toy Story en 1995 y 1999 obtiene ahora excelentes dividendos entre los espectadores, a pesar de tener un sabor dramático ya degustado pero de excelente factura. Ya son varias generaciones de niños o adolescentes que disfrutan incomparablemente –así como los adultos con alma de niño- de estas cintas, al grado que hicieron de Toy Story 3 una de las cintas más esperadas de la temporada. No se la pierda, y si puede véala en la Megapantalla en compañía de sus hijos, hermanos, sobrinos o con quien usted quiera.

Arabia 3D

2010-06-26T10:27:00.000-07:00

En tercera dimensión

Ricardo Martínez García

La compañía especializada en cintas 3D en formato Imax MacGillivray Freeman Films presenta en Arabia 3D (08) un espectacular documental, dirigido por Greg MacGillivray, con aspectos panorámicos impresionantes de esa nación de Medio Oriente, que narra parte de su monumental historia, en el Museo Papalote del Niño.

Escenas de desierto, submarinas, de vestigios arqueológicos y de las impresionantes peregrinaciones a La Meca (Makka), la ciudad sagrada del Islam que es visitada por unos tres millones de personas al año, son mostradas de manera espectacular en esta cinta que dura demasiado poco, para alcanzar a dar apenas una pequeña probada de la cultura árabe, de su énfasis en llevar una existencia significativa y esencialmente buena.

Narrada originalmente en inglés por Helen Mirren, la información ofrecida en la cinta si bien importante e interesante, resulta insuficiente para el tamaño de esta civilización. La contribución del historiador Rober Lacey con sus comentarios, le da un aire entre académico y cinta de aventuras en una exótica y extraordinaria tierra o nación. A pesar de ser un documental, cuenta con un personaje principal: un joven árabe que estudia cine en Chicago y regresa a su tierra para filmar sobre su cultura. Su trabajo es el hilo narrativo de la película. Está también el personaje de una activista femenina, escritora, poeta y fotógrafa, que trabaja para revistas norteamericanas de prestigio.

Caravanas de camellos a través del desierto, buzos en busca de tesoros en el Mar Rojo, animaciones geográficas, ciudades perdidas labradas en la roca misma, escenas urbanas extraordinarias y la fuerza de las tradiciones y la religión son elementos que llaman la atención por su espectacularidad y exotismo. La cinta muestra referencias sobre la producción de incienso y la generación de riquezas en la antigüedad, hasta la moderna nación que es ahora, dan una idea de la magnificencia de ésta, pero al final permanece una percepción de que la cinta queda a deber un poco. Pero así son las cintas en este formato: duran apenas 45 minutos o menos. De cualquier manera vale la pena verla.

Entre Hermanos

2010-06-05T07:04:00.000-07:00

El fin de la guerra

Ricardo Martínez García

El cineasta irlandés Jim Sheridan presenta en Entre Hermanos (Brothers, 09) un drama sobre la vida familiar de un oficial de los marines enviado a Afganistán, donde vive la intensidad de la guerra en toda su crudeza, pero al volver al seno familiar ya no sabe si es capaz de continuar con su vida tal como era antes de la guerra.

La cinta es una versión nueva del intenso drama que realizó la directora danesa Susanne Bier en Brødre en el año del 2004, aunque adaptada (y un tanto suavizada) al caso de los soldados norteamericanos. Pareciera que la guerra es un fenómeno universal de consecuencias sociales muy semejantes, se trate de soldados daneses o norteamericanos.

El capitán Sam Cahiel (Tobey Maguire, quien al final de la cinta logra romper de gran forma su habitual y conocida limitada expresividad) es un marine casado con la hermosa Grace (Natalie Portman, grandiosa como suele serlo) y es padre de dos graciosas niñas. Su hermano menor Tommy (el cada vez mejor actor Jake Gyllenhall) ha estado encarcelado y es la oveja negra de la familia. El padre de ambos es un oficial militar retirado que ve en Sam el modelo a seguir y a Tommy como el eterno fracasado.

El drama comienza a dibujarse cuando le notifican a Grace que Sam ha muerto al chocar el helicóptero en el que se trasladaba a una misión en Afganistán. La noticia genera las reacciones naturales y esperadas en la familia y en la relación de Grace con su cuñado Tommy. Las cosas vuelven a dar un giro cuando le notifican a Grace que Sam no había muerto.

La cinta de Sheridan enfatiza el aspecto anímico de Sam cuando está en Afganistán y cuando está de regreso con su familia; la esencia trágica de la película se encuentra en lo ocurrido en Afganistan y en las secuelas que padece Sam por ello y en cómo lo refleja con su esposa e hijas. La familia entonces se vuelve receptáculo de los traumas de este militar, que para unos es un héroe de guerra, pero él sabe que eso no es cierto totalmente.

Películas como En el Valle de las Sombras (In the Valley of Elah, Paul Haggis, 07), o Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood, 06) han mostrado desde diferentes perspectivas y periodos históricos algunas reflexiones sobre el papel de los soldados de Estados Unidos en las diferentes conflagraciones bélicas en las que se han visto involucrados, ofreciendo una visión humana y dramática de sus consecuencias vividas de manera individual por estos soldados y sus familias.

El énfasis de Sheridan es puesto en el aspecto del daño psicológico –e incluso existencial- que presenta Sam, luego del ataque a las Torres Gemelas en Nueva York en septiembre 11 y las atrocidades de la guerra de ocupación que emprendió su país en Afganistán desde octubre del 2001.

Sam dice al final de la cinta que algunos creen haber visto el final de la guerra cuando mueren, pero lo que le preocupa personalmente es si podrá ser capaz de seguir con su vida luego de ver el final de la guerra, al menos para él.

Excelente película dramática que muestra a Maguire, Portman y Gyllenhaal como los grandes actores que son o que pueden llegar a ser en manos de un buen director. No se la pierda.

La Edad del Deseo

2010-06-02T10:04:00.000-07:00

Lujo y frivolidad

Ricardo Martínez García

En el París de finales del siglo XIX y principios del XX la alta sociedad estaba formada tanto por burgueses enriquecidos como por los miembros de la rancia nobleza, herederos de las grandes fortunas imperiales o nuevos inversionistas del maduro y floreciente capitalismo y la industrialización.

La cinta de Stephen Frears Chéri (09), magníficamente ambientada con fastuosos escenarios de arquitectura y decoración de lo que se dio en llamar la Belle Époque, periodo que resalta la frivolidad y la superficialidad a su más alto nivel, lo que representa un verdadero mentís al espíritu republicano de la Revolución de 1789, luego de monarquías, repúblicas e imperios restaurados, al menos entre la clase alta, narra la historia de amor entre Lea de Lonval (Michelle Pfeiffer), una experimentada cortesana –cuya manera de ganarse la vida la caracterizan como una dama de compañía de lujo, con posibles clientes como el primer ministro británico o el mismo príncipe de Gales- y el hijo de una colega suya, Charlotte Peloux (Cathy Bathes), un apuesto playboy consentido hasta la exageración, llamado Fred pero apodado Chéri (Rupert Friend).

Más allá de las circunstancias sociales y económicas y de los modelos y estigmas sociales (a ese nivel pareciera que todo está permitido, siempre que tenga “clase”), que no representan para ninguno de los involucrados absolutamente ningún problema, la relación amorosa que entablan Lea y Chéri la viven como una iniciación o preparación para la vida sexual del matrimonio pero también como un inadvertido pero verdadero proceso amoroso, solo que desfasado desde el inicio, debido en principio por la diferencia de edades. Esta situación se evidencia en el momento en que la Peloux decide casar a su hijo de manera sumamente conveniente con la hija de otra hermosa ex cortesana, la bella Edmée (Felicity Jones), de tan solo 18 años y con un valor de millón y medio de francos –de dote, o algo así, se entiende-. La reacción de esta nueva situación de los dos amantes les hará ver la naturaleza y los alcances de sus sentimientos, así como de sus consecuencias.

El lujo y la despreocupación de los estilos de vida de los personajes, que le tienen franca morriña a trabajar realmente (como buenos aristócratas), nos da una idea de cómo se las han gastado los más ricos de entre los ricos de todas las épocas en todos los lugares, o de aquellos que sin serlo tanto, están de algún modo vinculados a los verdaderamente ricos. Se trata de una película que no aborda directamente grandes problemas de la sociedad ni nada por el estilo, ni aborda cuestiones políticas en particular, pero la esencia dramática presupone tanto esas problemáticas sociales como las cuestiones políticas porque expone los pequeños y cotidianos problemas que se le presentan a personas que viven en ciertas condiciones sociales, cuya noción de la vida no pasa por la revisión de esos problemas sociales, justo porque para ellos esas condiciones no son nada, centrándose en aquello que necesitan para sentirse bien, ellos que lo tienen todo pero que de pronto parecieran experimentar una ausencia de sentido de su propia vida.

El Príncipe de Persia

2010-05-31T10:05:00.000-07:00

Aventuras orientales

Ricardo Martínez García

El Príncipe de Persia y las Arenas del Tiempo –dirigida por Mike Newell, director también de Harry Potter y el Cáliz de Fuego- es una divertida cinta de aventuras, romance y traiciones políticas en clave de comedia para niños y para toda la familia que resulta entretenida tanto visual como argumentativamente.

Basada en un popular juego de video del mismo nombre, la cinta está protagonizada por el nuevo héroe de acción Jake Gyllenhaal, que da vida al ágil e intrépido príncipe Dastan.

Un valiente y rapaz niño auxilia a un amiguito en problemas en el mercado de la ciudad amurallada donde viven. El rey Sharaman (Ronald Pickup), monarca de los persas, es testigo de la valentía de ese niño llamado Dastan, y decide adoptarlo.

Como buen pueblo conquistador, los persas controlan la vida política de otros a su alrededor, por lo que deciden invadir al gobernado por la princesa Tamina (la hermosísima Gemma Arterton), incursión en la que Dastan juega un rol principal. Una daga que éste le quita a un mensajero será el hilo conductor de las aventuras en las que Dastan y Tamina irán tejiendo su propio romance, en medio de traiciones, combates con los Hassassin y revelaciones y pruebas de confianza.

Uno de los personajes más simpáticos es el del Sheik Amar (Alfred Molina en plan estupendo), un bribón atrevido que organiza carreras de avestruces y vive al margen de la ley, criticando al gobierno para justificar su falta de pago de impuestos (¡siempre los malvados impuestos!), como típico empresario evasor.

La idea de unas mágicas arenas dentro de una daga que permiten regresar ciertos periodos del tiempo puede ser algo que no todos los niños comprendan pero es una idea interesante (que manifiesta un deseo universal de poder regresar el tiempo y hacer algo que corrija nuestros actos presentes, para bien o para mal) y es una idea que refiere a algo místico y misterioso, tal como la tradición literaria de aquella Sherezada y los cuentos de las mil y una noches nos muestran en esa riqueza imaginativa de medio oriente. Si tiene niños no deje de disfrutarla.

Océanos

2010-05-26T17:23:00.000-07:00

La riqueza de la vida marina

Ricardo Martínez García

Jaques Perrin, cineasta francés, muestra en Oceans (09) la inmensa variedad de la vida marina en gran cantidad de matices: el mero existir de seres fantásticos, de diseños multiformes, tamaños, colores. Es una fiesta de inmensa vida marina y todos sus momentos gloriosos y trágicos: desde el nacimiento de pequeñas criaturas que son devoradas casi de inmediato, hasta los momentos íntimos de reproducción.

Ver tan de cerca a las ballenas, tiburones, peces exóticos, fauna tropical y polar, y atestiguar a la vez el dramatismo del ciclo alimentario en toda su crudeza lleva con seguridad al espectador a un estado de arrobamiento y respeto que se convierte en indignación al ver la insensatez de algunos pescadores que causan verdaderos estragos en algunos animales, o la indolencia con la que contaminamos, con nuestros desechos, nuestra basura, los hermosos ecosistemas de esas criaturas que existían mucho antes que el que nosotros pudiéramos llamarnos seres humanos.

La cinta invita a hacer algo para impedir la sistemática destrucción de la que estamos haciendo objeto a nuestro planeta tanto en tierra como en los océanos. ¿Es ese el legado que queremos que nuestros descendientes reciban, un mundo contaminado, cruel y despiadado, irracional? Se trata de una excelente cinta documental con escenas grandiosas, al estilo de The Leaving Sea (Greg MacGillivray, 95, con música de Sting), aunque ésta casi sin explicaciones, y con música muy mesurada y circunstancial, que le da su importancia al silencio. No deje de verla.

Los Perdedores

2010-05-25T07:09:00.000-07:00

En un mundo de historieta

Ricardo Martínez García

El mundo del celuloide se nutre de múltiples fuentes, una de las cuales ha sido explotada profusa y exitosamente. Se trata del mundo del cómic, o de las historietas seriadas, con súper héroes o con personajes de la vida real pero caricaturizados. Tal es el caso de la cinta Los Perdedores (10), de Sylvain White, inspirada en el libro de cómic llamado The Losers, impreso por DC Comics desde los setenta como parte de la serie Our Fighting Forces, y luego en la serie renovada a partir del 2004 por la editorial Vertigo.

El coronel Clay (Jeffrey Dean Morgan, quien hiciera el papel de The Comedian en Watchmen) es el líder de un grupo militar norteamericano en misión para destruir en Bolivia la casa de un supuesto narcotraficante –la saturación de colores en esta parte de la cinta enfatiza el exotismo del lugar-. Mientras realizan sus labores, se dan cuenta de que morirán varios niños en el operativo, así que deciden cambiar los planes de un tal Max, que al parecer es el que tiene el mando en la CIA y es un mafioso traficante de armas y de todo lo que se pueda.

La cinta plantea la venganza como motor para las acciones de este grupo que por una mera casualidad no fue eliminado. La traición, o mejor dicho la completa manipulación de la que son objeto, les hace ver que no trabajaban para su nación o para el pueblo norteamericano, sino en busca del bien de los intereses del tal Max, al parecer agente de la CIA, tan poderoso como rico y despiadado.

Tanto el coronel Clay, que tiene un romance con la atractiva y enigmática Aisha (Zoe Saldana) como el oficial Jensen (Chris Evans, el famoso Antorcha de Los Cuatro Fantásticos), y Max (Jason Patric en plan excelente) logran convincentes pero caricaturescos personajes –sobre todo éste último- que exaltan algunas cualidades guerreras (cada uno de ellos es un especialista en su área) que van del héroe que se sacrifica por el grupo, al malvado que actúa siempre egoístamente.

Se trata de una cinta divertida, caricaturesca pero plausible, con un buen trabajo actoral y de efectos visuales, tal vez menos caricaturesca que Watchmen pero no tan espectacular como Los Cuatro Fantásticos u Hombres X y su saga.

La Caja de Pandora

2010-05-17T21:14:00.000-07:00

Como me ves te veré

Ricardo Martínez García

La cineasta turca Yesim Ustaoglu logra en La Caja de Pandora una emotiva reflexión sobre la relación entre una madre enferma de Alzheimer y sus hijos, los cuales enfrentan una situación inesperada que les exige el máximo de su atención, alterando el curso normal de sus vidas, en las que no estaba contemplado su cuidado.

A pesar de su enfermedad, Nusert (la excelente nonagenaria actriz francesa Tsilla Chelton) es capaz de decir frases tremendas y contundentes a sus hijos que los dejan paralizados. A su hija Nesrim le dice que le costó mucho darla a luz, pues se pegó a ella, y la insta a no tratar de pegarse a los demás. A su hijo Mehmet –que vive en condiciones más que precarias- lo acusa de haberla abandonado, a lo que él responde que no ha abandonado a nadie. Ella le dice que es lo mismo que la haya abandonado a ella o que se haya abandonado a sí mismo.

La vida ordinaria de la familia se ve alterada por los cambios que plantea el padecimiento de la enfermedad degenerativa de Nusert. De esa situación se produce una nueva relación entre ella y su nieto, el hijo de Nesrim, quien se encuentra también luchando su propia crisis existencial.

Se trata de una cinta intimista que enfatiza las relaciones humanas entre los protagonistas, sus conflictos pero también sus filias. Esta cinta del 2008 le hizo ganar la Concha de Oro de ese año a Tsilla Chilton como mejor actriz y también ganó el premio a la mejor película en ese famoso Festival de San Sebastián.

La trama recuerda un poco otros conflictos familiares en los que están involucrados personas de la tercera edad, como por ejemplo La Balada del Narayama (Imamura 83), en la que la tradición dicta que los ancianos de determinada edad vayan a morir en las laderas de ese monte, pero el amor de alguno de sus familiares no hace posible entender esa tradición.

Las preguntas que plantean cintas como éstas son a veces difíciles de contestar ¿Qué hacer con los ancianos, que además están enfermos? ¿Quién los cuidará de manera permanente? No queda de otra más que amarlos hasta el final, podría ser una respuesta.

Mi pareja es mi rival

2010-05-17T20:24:00.000-07:00

Género y competencia

Ricardo Martínez García

Victor y Margot son una joven pareja de abogados que viven en unión libre y trabajan en un prestigioso buffet en la romántica ciudad de París. Ambos esperan ser promovidos como socios del bufet, pero solo uno lo logrará. Mi pareja es mi rival (Notre Universe Impitoyable, 08), dirigida por Léa Fazer, es una cinta que juega constantemente con las posibilidades y consecuencias del lado de cada uno, cómo serían las cosas si Victor fuera el elegido como socio, o luego cómo lo serían si Margot fuera la elegida.

Todo mundo vería como algo normal si eligieran a Victor, en francas actitudes machistas, o muchos pensarían que Margot hizo algo especial por el jefe si fuera ella la elegida, en actitudes sexistas. En ambos casos al ser promovidos hipotéticamente su relación de pareja se desequilibraría de tal modo que pondría en riesgo su convivencia como tal. Desde problemas con los horarios, los acuerdos para tener o no hijos, las infidelidades, la falta de confianza y hasta la incomunicación son algunas de las situaciones que deben afrontar sea quien sea quien reciba la promoción.

El socio principal del buffet Bervesier, encargado del nombramiento en cuestión, los acicatearía hasta más allá de sus límites, en el afán de que el o la nueva socia le demuestre que su decisión “fue la correcta”. Si Victor fuera el elegido, lo trataría como a su hijo, si Margot fuera la elegida, la convertiría en su amante, haciendo de su nombramiento una manera sofisticada de acoso sexual. Pero lo que queda claro es que en cualquier caso él siempre verá por sus intereses.

En todo caso, esa presión es lo que dará al traste con la armonía entre Victor y Margot, y ellos se destruirán mutuamente con tal de sentir que han progresado en su carrera. El título en francés de la cinta sintetiza muy bien tal destrucción: "Nuestro Universo Despiadado".

Se trata de una excelente cinta de crítica social que muestra con dedo sutil pero flamígero algunos prejuicios que se creían superados en un grupo de clase media alta pero que aparecen como fantasmas aun en sociedades tan progresistas como la parisina de la actualidad. La cinta cuenta con cierto mordaz sentido del humor, aunque no es posible seguir sonriendo cuando es claro que la relación de la pareja cada vez se va fracturando más. No deje de verla.