Amigos con Derechos

La eterna búsqueda de la relación perfecta

Ricardo Martínez García

Cuando dos personas, en la clásica búsqueda del amor, entablan una relación de amigos pero en el que hay más circunstancias que las meras expresiones de amistad, como el sexo, casi siempre tal relación termina por convertirse en un embrollo, si es que las reglas no quedan claras o si las reglas dejan de tener sentido al momento de experimentar  los sentimientos que respectiva y correspondientemente se les presentan a uno y a otro.

El que se enamora pierde, y eso es justo lo que le ocurre en Amigos con Derechos (No Strings Attached, 11) a Adam (Ashton Kutcher) cuando luego de ver cómo su exnovia se junta con su padre, y de encuentros y reencuentros con su antigua compañera escolar Emma (Natalie Portman), de fundamentar su particular tipo de relación en sexo consensuado y casual pero siempre con la idea de no involucrarse más que solo de manera superficial, así como de extrañas competencias con otro galán que sí parece el indicado para Emma. 

El grado de convivencia no prevista ni deseada –como el dormir juntos y vestidos- así como el enamoramiento y la  situación que se genera asusta a Emma y decide alejar a Adam de su vida.

Adam lo tiene más claro, pero esa claridad no es nada sin la parte de ella, o al menos no lo es hasta que a Emma le cae el veinte, su propio veinte.

Esta comedia, dirigida por Ivan Reitman, resulta divertida sin duda por la participación de Kutcher, que se ha especializado en este tipo de cintas. Luego de su intenso trabajo en El cisne negro, extraña pero es un placer ver a Portman en una comedia, en la que si bien no es la que arranca las carcajadas, cumple de manera natural con su papel. El final es algo predecible y complaciente, pero vale la pena volver a verla.

El discurso del Rey

El símbolo de un imperio

Ricardo Martínez García

El director británico Tom Hooper narra en El discurso del Rey (11) la historia del rey George VI de Inglaterra, de cómo llega al trono luego de que su hermano mayor se ve presionado para abdicar, pero sobre todo de cómo lucha contra su tartamudez.

Bertie (Colin Firth, como siempre en plan grande) es un hombre inseguro que no soporta hablar en público, a tal grado que su esposa, la princesa Elizabeth y madre de la actual reina, (Helena Bonham Carter) busca con insistencia un remedio a su problema de lenguaje, y peregrina entre doctores hasta que da con el desconchado consultorio del terapista Lionel Logue (un estupendo Geoffrey Rush) y comienza el arduo trabajo por hacer su discurso medianamente fluido.

Es la interesante historia de una inesperada amistad, de un periodo histórico de la Inglaterra de la primera mitad del siglo XX, de grandes y terribles retos, de una nación y su representante, el rey, quien ha de dar la cara aunque no sea él precisamente quien tome las grandes decisiones, quien es cabeza de una monarquía pero cuyo papel es más modestamente representativo.

La lucha que realmente lleva a cabo Bertie es contra sí mismo, contra sus traumas y frustraciones alimentados desde la infancia, contra su inseguridad acrecentada por su propia familia. La ayuda que Lionel le ofrece es la de mostrarle cómo ser espontáneo, de soltarse un poco de esa rigidez que no lo deja ser él mismo. Lionel es un personaje aparte: es un amante de Shakespeare, medio psicólogo y terapeuta a la vez, cuyos métodos heterodoxos causan escozor en algunos personajes cercanos al entonces príncipe e inminente rey.

Se trata de una cinta de época bellamente realizada, divertida, con escenarios fastuosos (que contrastan con el consultorio de Lionel), excelentes actuaciones, buen ritmo y que enfatiza dos cosas: el valor extraordinario de la imagen del rey inglés y el valor más palpable de una gran amistad.

El Rito

El Rito

La adulteración del exorcismo

Ricardo Martínez García

Si el rito es un acto -a veces de carácter simbólico- que repite incesantemente su forma y en ello radica su efectividad, el sacerdote Lucas Trevant (un declinante Anthony Hopkins) es el menos apto para enseñar el del exorcismo a un neófito (a manera de un mistagogo) y escéptico seminarista a punto de ordenarse. El padre Lucas hace de tal rito una especie de terapia en la que la madre de una víctima del maligno la lleva ante el sacerdote como si fuera una consulta más, mientras que éste durante la ceremonia se da el lujo de interrumpirlo para contestar su celular.

Con una línea argumentativa que la emparenta más con El Exorcista 2, El Hereje, (Boorman, 77), cinta mucho más inquietante por sus propuestas teológico-morales que por sus efectos especiales (y protagonizada por el gran actor Richard Burton), El Rito (11) del director Mikael Håfström, presenta un trabajo basado en “hechos reales” -sin especificar si se refieren por hechos reales a una poseída que arroja por la boca clavos de metal o si trata del modo en que un seminarista es coaccionado a tomar un curso para exorcistas con la amenaza de que si abandona el camino del sacerdocio de cobrarle su instrucción- y que en cierto nivel desmitifica o ironiza la realización y efectividad del susodicho rito.

Sin escenas de terror o de suspenso que verdaderamente impacten al espectador (quien vaya a verla pensando que es una clásica película de terror se desencantará de ella), hay una especie de ambiente cínico a lo largo de la cinta, de una especie de hastío que expresa muy bien el personaje de Hopkins, que pasa por ser el más experimentado de los exorcistas, pero que queda muy lejos de la majestuosa simpleza del padre Lankester Merrin, maravillosamente interpretado por Max Von Sidow en aquella clásica de William Friedkin de 1973.

El Cisne Negro

El otro yo

Arte y Pasión

Ricardo Martínez García

La nueva cinta de Darren Aronofsky es una historia que encierra muchas otras. Es la historia del desarrollo de los preparativos que realiza una compañía de ballet, para una nueva temporada con El lago de los cisnes, y de las relaciones entre las ballerinas y su director. También es la historia de la relación de la bailarina principal y de su controladora y sobreprotectora madre, que ve en ella lo que ella no pudo ser. Igualmente es la historia de cómo una artista en la plena extensión de la palabra lleva su performance a extremos de realismo totalmente radicales aún a costa de su vida. Del mismo modo, es la trágica historia de las pasiones humanas que juegan un papel predominante en los personajes de El lago de los cisnes de Chaikovski.

El afán por sentir al personaje dual del cisne blanco y el negro, que tan intensa y eficazmente le exige el director de la compañía Thomas (un excelente Vincent Cassel) llevan a Nina (Natalie Portman en plan excelso), su prima ballerina, a experimentar un cambio radical de forma de ser, como si fuera el surgimiento de una especie de mitad siniestra (al estilo de Stephen King), con sus desdobles en espejos y dualidad de ser. Hay una Nina contenida, frígida y controlada por su madre, y hay otra que se apodera de su ser completamente pero solo a ratos, que es toda sensibilidad y lujuria. En Nina confluyen demasiado cercanas las pulsiones del eros y del tánathos, conducidas por las exigencias de su doble interpretación, pero la segunda pulsión –avivada por el instinto sexual- pugna por salir completamente (dejándose llevar), justo en el momento del clímax de la danza del tercer acto, pero mostrando su poder solo en la conclusión del cuarto acto.

Con una cámara que a ratos va al hombro y que sigue a la protagonista por las calles, o va delante de ella a través de los camerinos, la técnica fílmica no da tregua al espectador, marcando un ritmo acompasado con los crescendos de esa hermosa música compuesta por el genial ruso. Música, danza y actuación se entremezclan bella y constantemente, dando como resultado una extraordinaria y exquisita cinta que cuenta historias más allá de la propia historia cinematográfica, trascendiendo la de la reina cisne –el cisne blanco y el cisne negro-, la de Rothbart y la del príncipe.

El Turista

¿Se enamora siempre del hombre correcto?

El refinamiento absoluto: hacer lo que quieran

Ricardo Martínez García

En clave de comedia romántica y de espías, la cinta El turista (10), de Florian Henckel von Donnersmark, oscila entre el homenaje a las viejas películas europeas de espías al estilo de las novelas de Agatha Christie, el guiño al llamado cine de arte, con escenarios fastuosos y actrices bellísimas, y cintas con tramas más cercanas a la serie de Bourne, o a las del Agente 007 –en una versión femenina protagonizada por esa femme fatale que es Angelina Jolie-, pero con un final que recuerda a El Talentoso Mr. Ripley, solo que en este caso se trata de un talentoso banquero y sus habilidades para hacer cambiar de manos a enormes sumas de dinero.

Frank (Johnny Depp) es un relajado turista norteamericano en Europa que se encuentra de pronto con una mujer despampanante y muy segura de sí misma llamada Elise (mismos adjetivos para Angelina Jolie) que lo seduce y conduce a una aventura con persecuciones y confusiones de personalidad, de la que saldrá bien librado por su insospechada capacidad de previsión.

Divertida y amena si no se es demasiado exigente, con agradables actuaciones de estas dos súper estrellas que están a un nivel personal y profesional en el que realmente hacen lo que quieren y que se encuentran en una situación fílmica parecida a la que tuvo Jolie con Brad Pitt en Sr. y Sra. Smith, otra comedia no tan refinada como ésta cinta de Donnersmark (aunque Depp se encuentra lejos de una situación personal como la de Pitt), la cinta es bastante disfrutable, con muy buen ritmo, aunque sea ligeramente predecible.

Temporada de Brujas

Algunas almas ni son humanas

Ridiculous versus diabolus

Ricardo Martínez García

Hay una canción de Donovan llamada Season of the Witch, tal como se llama esta cinta de Dominic Sena, muy bien utilizada para rematar la cinta To die for de Gus Van Sant (y en la que Nicole Kidman ofrece su mejor trabajo). Dominic Sena va por otro lado y se inclina más bien por la ficción medieval, que intenta mezclar elementos históricos y religiosos pero el resultado es un híbrido de terror serie b demasiado poco creíble.

Luego de matar enormes cantidades de personas “en nombre de la Iglesia” en diferentes campañas en medio oriente, mejor conocidas como Las Cruzadas, de pronto al caballero francés Behmen (Nicolas Cage) y a su compañero Felson (Ron Perlman, lo mejor de la película), aparentemente les cae el veinte y deciden retirarse –a pesar de su juramento- de estos combates contra los infieles, que incluían a mujeres y niños indefensos. De inmediato son considerados como desertores, son atrapados y para no ser prisioneros o muertos, aceptan la misión de trasladar a una mujer acusada de brujería a un monasterio, donde sería juzgada por los frailes de manera “justa”.

Hasta ahí todo parece históricamente correcto, y la cinta resulta interesante, pero es en la narración del traslado de la acusada donde ésta pierde la brújula y se convierte en algo que mezcla elementos de cintas como Van Helsing, Legión, El exorcista, y otras por el estilo, pero de manera tal que no se puede más que sonreír con cierto sarcasmo.

¿Cómo no hacerlo al ver a Behmen luchar cuerpo a cuerpo con el mismísimo señor de la oscuridad, de tú a tú? Eso es conceder demasiado a la idea de un diablo tan poco poderoso, que solo se arredra ante un libro casi mágico y cuyos rezos aparentemente tienen el poder de regresarlo al infierno, de donde no debió salir. Tal vez lo que no debió salir es un argumento tan pobre como el de esta cinta.

Déjame entrar

El dulce sabor de la sangre fresca

Ricardo Martínez García

Hay dos escenas claves en la clásica obra del vampirismo, el Drácula de Bram Stocker: la primera cuando Jonathan Harker llega al castillo del Conde en medio de la lúgubre noche, éste le abre la pesada puerta y le dice que entre por su propia voluntad; la segunda es cuando la dulce y bella Lucy Westenra le abre la ventana semiinconsciente pero voluntariamente al Conde para que entre a su habitación. Con estas dos escenas parece establecerse que los vampiros no pueden obligar o forzar a nadie a entrar o a dejarlos pasar a los aposentos de los humanos.

El director Matt Reeves coescribe el guión de Déjame Entrar (10) junto con el autor del libro del mismo título, el sueco John Ajvide Lindqvist, con la premisa del permiso que necesita un vampiro para entrar, pero hasta ahí la referencia al clásico. La historia gira en torno de Owen, un niño flacucho, blanco predilecto de otros niños que abusan de él; su madre está en proceso de divorcio y casi no lo puede atender. Owen (Kodi Smit-McPhee) entonces se hace amigo de una niña llamada Abby (Chlöe Grace Moretz) que se muda a su mismo edificio. La amistad se hace algo más ante la soledad mutua de los niños, además de que comparten secretos que explicarían varios crímenes cometidos justo a partir de la llegada de Abby al vecindario.

Sin el glamour de otras cintas de grandes presupuestos y bellos protagonistas que explotan su sex appeal de modo más que evidente, pero sí con una historia sencilla y bien contada, pocos efectos especiales pero buenas dosis de dramatismo, Reeves logra una cinta redonda y entretenida. Tal vez no sea la película americana de terror más grande desde hace 20 años pero sí es una película bastante recomendable. Ya hubo una primera versión, filmada hace dos años por el sueco Tomas Alfredson y titulada Let the right one in, la cual fue aclamada por la crítica, pero no se vio en México.

El amor de mi vida

Poesía pura

Ricardo Martínez García

La cineasta neozelandesa ganadora del Oscar por mejor guión en 1993 por El Piano, Jane Campion, entrega una conmovedora cinta de época, bellamente lograda, que narra la historia de amor entre el poeta John Keats y la señorita Fanny Brawne y que lleva el nombre de uno de sus poemas: Bright Star (08), subtitulada atinadamente como El Amor de mi Vida.

La historia introduce al espectador poco a poco en los sentimientos de la señorita Fanny (Abbie Cornish) y el joven poeta John Keats (Ben Wishaw), en la manera en que se van enamorando y la dulce y enorme pasión, y de cómo la familia de ella ve la transición de este amor.

John Keats es considerado uno de los poetas ingleses más representativos e importantes de principios del siglo XIX y del movimiento del romanticismo en la Gran Bretaña. Poeta que no vio en vida el reconocimiento a su obra, vivió en gran medida a expensas de su amigo y mecenas Charles Armitage Brown, relación que en la cinta de Campion se presenta como contrastante con la de la señorita Brawn.

El manejo del ritmo narrativo, de la escenografía y de los actores es una obra de arte in crescendo, que llega al clímax con la muerte del poeta. Sin falsos sentimentalismos, la cinta conmueve al espectador lo suficientemente sensible como para captar en esta sencilla historia de una relación casi platónica –y que escandalizó a la sociedad victoriana de su tiempo, al publicarse la correspondencia que mantuvo la pareja-, la grandeza y la tragedia amorosa que se dio entre este poeta extraordinario y la no menos extraordinaria Fanny Brawn. No deje de verla.

Red Social

Una multimillonaria red

Enlaces y Desenlaces

Ricardo Martínez García

Una idea original puede decirse que es aquella que conjunta varias más pequeñas y ofrece aplicaciones que éstas de manera  aislada no. Tal es uno de los fudamentos de la invención o la creatividad. Aquel que ve la oportunidad de crear algo nuevo a partir de lo que ya existe, y se apresura a hacerlo realidad, es considerado su creador.

David Fincher, director entre otras de Sospechosos Comunes, Alien 3, Seven, El Club de la Pelea y El Curioso Caso de Benjamin Button, presenta en Red Social (The Social Network, 10) una vertiginosa y entretenida versión de cómo el fundador de Facebook Mark Zuckerberg, con muchos golpes de genialidad y oportunidad, llega a convertirse en el multimillonario más joven de la historia.

Con la idea de ofrecer algo que fuera popular, que mostrara cosas cool como intecambiar mensajes u opiniones sobre las personas, primero entre los estudiantes de las diferentes casas de la Universidad de Harvard, y luego para todo tipo de personas en todo el mundo gracias a internet, el proyecto de Zuckerberg va creciendo como bola de nieve, del mismo modo que crecen las expectativas y ambiciones de las personas próximas a su alrededor.

Las pasiones desatadas por el inesperado éxito de la página de Zuckerberg (Jesse Eisenberg) comienza a hacer estragos en su amigo Eduardo Saverin (Andrew Garfield) y su incomprensión y falta de visión ante el fenómeno que desata Zuckerberg, cosa que sí logra observar y canalizar el fundador de Napster Sean Parker (Justin Timberlake), lo que genera el completo recelo ante su intervención.

Con música de Trent Reznor y Atticus Ross, y con un guión escrito por Aaron Sorkin basado en la novela de Ben Mezrich El Multimillonario por Accidente, Fincher presenta una cinta vertiginosa, basada en testimonios de los personajes, en flashbacks, construye la historia con episodios fragmentados que el espectador tiene que volver a unir, aunque con algún tipo de intuición de que de lo que está en juego es mucho dinero generado por un inesperado y sorprendente pastel del que todos quieren probar.

Una frase de Zuckerberg muestra su actitud ante la vida: “no es lo mismo estar obsesionado que estar motivado”, y es motivación lo que lo lleva a construir la red social virtual más grande e importante del planeta, generadora no sólo de las inadvertidas adicciones a ese nuevo y curioso modo de existir, el de “estar conectado”. Es naturalmente un accidente que esa red esté valuada en más de veinte mil millones de dólares.

Tron, el legado

Lo mejor de la cinta es Olivia Wilde

Virtualmente soporífera

Ricardo Martínez García

Ni la inclusión de la bella Olivia Wilde (House) puede aligerar la densa y sosa trama de videojuego que prevalece en esta cinta de Joseph Kosinski, Tron: Legacy (10) en la que un programador llamado Kevin Flynn (Jeff Bridges) logra pasar de la vida natural a una existencia digital dentro de un mundo computarizado, como si fuera una especie de Jumanji digital, pero con escenografías tristes y oscuras, con efectos de colores fosforecentes y ese tipo de parafernalia que supone un mundo virtual.

Flynn logra el objetivo de trasladar su vida a ese cosmos digital pero no logra evitar que el sistema genere un doble suyo, quién sabe cómo y sin explicarse la razón de esto, y que además se convierta en su antagonista llamado Clu, que pretende regresar al mundo de los humanos –de los usuarios-  para… apoderarse de él, como cualquier villano que se precie de serlo.

Si la cinta del mismo nombre dirigida por Steven Lisberger en 1982, que giraba en torno de un programador cuya vida pasa a ser parte de sus propios programas (interpretado por el mismo Bridges), y de un personaje generado por computadora llamado Tron, no fue un gran éxito de taquilla ni mucho menos, esta nueva versión queda a deber, a pesar del avance de los efectos especiales.

El resultado es una cinta chata y sin chiste, predecible y absurda, cuyo efecto más grande en algunos espectadores es un sopor que invita al bostezo o al abandono de la sala de cine en busca de algo menos aburrido. Triste regreso a la pantalla grande de Bridges.

Skyline

Ninguna novedad

Alimento para alienígenas

Ricardo Martínez García

Pocos en Los Angeles, con sus complacientes y superficiales vidas en condominios de lujo, sospechaban algo como eso: una pesadilla incomprensible al principio. La inesperada llegada y abducción o simple sustracción física para servir como alimento, es lo que una extraña especie alienígena lleva a cabo, asolando a la capital californiana sobre los desprevenidos y casi impotentes seres humanos. Esta es la historia narrada por los hermanos Strause en la cinta Skyline (2010), desde el punto de vista de un pequeño grupo de acaudalados jóvenes.

Mucho más cerca de Cloverfield o La Guerra de los Mundos que de Tron, o mejor, de Starships Troopers, por el estilo de filmación, por ejemplo, dentro del género de la ciencia ficción, Skyline presenta una visión apocalíptica de la invasión fulminante y total sobre el género humano por parte de unos extraterrestres que se alimentan de sus cerebros aún vivos, y cuyas mentes enajenadas se potencian en contra de su propio género –salvo excepciones-, dando vida y movimiento a extraños cuerpos producidos en línea, al estilo de Alien, como huevos de un insecto hiperrreproductor.

Hay realmente muy poco de novedad en esta obra de los Strause, si se han visto los clásicos del género como las cintas antes mencionadas, pues el drama se prevee luego de los primeros quince minutos, aunque es interesante ver la recreación y diseño de estos seres de otro mundo, parecidos a las pequeñas medusas marinas con sus largas e inertes patas, que avanzan al comprimir sus cuerpos, o alrededor de su nave nodriza.

Los efectos especiales son correctos pero no sobresalientes y la historia está regularmente contada pero es poco innovadora, por lo que se trata de una cinta prescindible e insatisfactoria, aún para los seguidores del género.

Megamente

La Dicotomía del Bien y el Mal

Ricardo Martínez García

Desde el principio su destino fue ser el malvado, el perdedor, el solitario, el señalado. No tuvo manera de torcer el rumbo de su vida, a pesar de sus esfuerzos; incluso su aspecto físico era un elemento más que lo determinaba para el camino del mal, para ser el antagonista de todo lo que se puede considerar como bueno. Tales son las premisas vitales y existenciales del villano de origen extraterrestre Megamente, en la cinta de animación de Tom McGrath, las cuales son un signo más de las extraviadas (a veces)  sendas morales en las que los valores pueden ser trastocados, no solo para el mal, como normalmente sucede, sino incluso para hacer el bien, inesperadamente.

El principal enemigo de Megamente es Metroman, especie de súperman guapo, simpático, héroe que llega a estar harto de su compulsión por lo bueno y de su popularidad. Aparentemente Megamente se deshace de él, pero al hacerlo también desaparece su principal motivación hacia la acción (pues el bien y el mal son como las dos mitades del cosmos, como el ying y el yang). Artificialmente Megamente decide crear un nuevo súper héroe –antítesis de Metroman- que sea su antagonista, pero el resultado es un villano peor que él mismo. Mientras todo esto ocurre, y para aderezar adecuadamente el dilema ético de visión infantil, Megamente se enamora de la reportera Roxanne Ritchi, tomando un aspecto físico para cortejarla más atractivo que su auténtica figura.

Ser héroe o villano, romper o no con los determinismos naturales y sociales, tal es la cuestión, pero en una cinta para niños tal vez estas sutiles diferencias morales, y sus necesarias consecuencias, escapan a la comprensión de un público así, en el peor de los casos.

Con voces en su versión original de Will Ferrel, Brad Pitt y Tina Fey, McGrath construye una historia cuyo drama es hasta cierto punto ambiguo, al jugar constantemente con las apariencias, con las transformaciones dialécticas de los personajes principales. Mucho más clara en sus pistas morales es Mi villano favorito, de Chris Renaud y Pierre Coffin, en la que el villano protagonista se humaniza en grados insospechados aún para él mismo.