Agente Salt

¿De qué lado está ella?

Nada es lo que parece

Ricardo Martínez García

Angelina Jolie es una mujer de acción. Si Brad Pitt, Matt Damon o Tom Cruise son actores que gustan de las cintas de acción, Angelina no desdeña de ningún modo estos papeles, aunque sea con una trama retro en su nueva cinta Agente Salt (Salt, 10), con base en aquellas historias que ya habían desechado los guionistas de Hollywood sobre la vieja pugna entre los Estados Unidos y la madre Rusia y su consecuente labor de inteligencia en ambas partes para infiltrar a sus agentes en el otro lado, buscando desestabilizar o de plano destruir al odiado régimen enemigo.

Alguien se quedó estancado en la historia de la Guerra Fría, siguió con un plan maestro de formación de agentes o espías que comienza desde la más temprana infancia, hasta convertrilos en fieles seguidores de su formador, de un modo casi religiosamente, pero que en su esquemática forma de ver el mundo no prevé los cambios que se gestan en las vidas de las personas a lo largo de los años. Ni respeta su capacidad de análisis.

Jolie es la agente Salt, que al parecer es delatada por quien fuera su profeta en Rusia, luego de que en el pasado éste la instruyera concienzudamente tras sufrir un accidente automovilístico, y que en un movimiento supuestamente premeditado desde años se busca que se cumpla el destino manifiesto de Norteamérica. Pero el personaje de Liev Schrieber aporta un giro en la cinta -clásico en este tipo de filmes- que lleva al espectador a la verdadera esencia de la trama: nadie sabe para quién trabaja y nada es lo que parece.

Esta cinta marca el nacimiento por una parte de una nueva agente especial de la CIA en el combate de los malos del mundo, pero como dice Salt, "como ella ninguna", y tiene razón, y por otra el regreso de tramas de espionaje entre Rusia y Estados Unidos. Dirigida por Phillip Noyce cuenta con escenas de acción a lo Lara Croft solo que en otro contexto menos increíble. Angelina no ganará ningún Oscar por este trabajo, pero sus admiradores podrán verla nuevamente haciendo sus piruetas de action woman.

El Origen

Sueño que sueño que sueño

La Realidad de los sueños

Ricardo Martínez García

Son muchas las coincidencias. Christopher Nolan, director de El Caballero de la Noche, presenta en El Origen (Inception, 10) protagonizada por Leonardo Di Caprio, la historia de unos extractores e inoculadores de ideas que se cuelan en los sueños de sus víctimas, por más inverosímil que esto suene, pero que recuerda muy de cerca a los libros de Carlos Castaneda -especialmente El Arte de Ensoñar- aunque sin el esoterismo y mística de los esfuerzos de un aprendiz de brujo que sigue el camino del guerrero y se vuelve un ensoñador y acechador tremendo, gracias a sus habilidades naturales, como lo muestra el propio Castaneda, aquel famoso antropólogo de la UCLA devenido en el aprendiz del brujo o nagual Don Juan Matus.

Di Caprio encabeza un reparto más que interesante: desde Michael Caine como el profesor universitario Miles que da clases en París y fue mentor de Dom Cobb (Di Caprio) en el aprendizaje del manejo de los sueños. Ahora Cobb es un extractor o ladrón de sueños y secretos de sus víctimas; Ellen Page como Ariadna, la más avezada estudiante de Miles y arquitecta de ambientes de los sueños (algo en lo que Cobb y su esposa Mal -Marion Cotillard- eran muy buenos: reconstruir en los sueños lugares de la realidad a su más mínimo detalle, y que es lo que hace El Inquilino en El Arte de Ensoñar de Castaneda); Joseph Gordon-Levitt, como Arthur, a cargo de la operatibilidad de las incursiones en el subconsciente de las víctimas del equipo de Cobb; Ken Watanabe como Saito y cliente de este mismo equipo al que le plantea una misión, y Cillian Murphy como Robert Fisher Jr., heredero de un imperio económico y principal víctima de Cobb.

No se trata de una película de ciencia ficción porque no centra el argumento en el uso de hipotéticos aparatos tecnológicos que permitieran la incursión de conciencias diferentes en el subconsciente de alguien (solo se ve un maletín de donde sacan algo para concectarse), sino que más bien se explora la idea de que si tal cosa fuera posible -ingresar al sueño de alguien- entonces sería posible ingresar al sueño de alguien que ya está soñando, e ir a un nivel más profundo de ese sueño y así hasta un tercer nivel. Si en los libros de Castaneda se habla del control de los sueños y de su utilización como canales hacia otros universos y suena plausible gracias a que esto es resultado de un incisivo aprendizaje, en la cinta de Nolan todo parece natural pero desconectado, justamente porque no se explica cómo sería posible tal cosa.

En Hasta el fin del mundo (91) Wim Wenders presenta en un momento dado también un pequeño aparato grabador de los sueños, algo como un ipod y que se conecta directamente en la cabeza, que al reproducirlos genera adicción en la persona que los ha soñado, enajenándola de la realidad. De alguna manera El origen alude a la misma idea, aunque con un tono dramático diferente, que se centra en la relación de Cobb y su esposa.

Si Carlos Castaneda no permitió que sus obras fueran llevadas al cine, cuando estaba en este mundo, “para no ver a Anthony Quinn haciéndola de Don Juan”, ahora no ha podido evitar que algunas o muchas de las ideas de sus libros coincidan -o tal vez algo más que eso- con argumentos cinematográficos que ciertamente resultan interesantes, pero no hay nada como leer sobre el explorador azul con el que Castaneda se topa en el mundo de los seres inorgánicos en el citado libro El Arte de Ensoñar, si se trata de irse al origen, o al menos a un origen. Y la afirmación es la misma: este mundo no es real.

Shrek para siempre

Nuevas aventuras de la pandilla del ogro verde

El Reticente de siempre

Ricardo Martínez García

El personaje verde y gruñón se la ha pasado en las cintas de la saga repelando de lo que tiene que hacer: en la primera cinta no quería decirle a Fiona lo que sentía por temor al rechazo y por ser un ogro (y ella aparentemente una hermosa princesa); luego en la segunda parte de la saga, no quería ir al reino de Muy, Muy Lejano porque no deseaba salir de su pantano e ir a ver a los padres de su esposa y exponerse a todo el rollo familiar en casa de los suegros; en la tercera cinta tampoco quiso hacerse cargo del mismo reino a la muerte del rey rana Harold y va a buscar a un tal Arturo, para que éste sea el rey. En todas las ocasiones Fiona es la que le hace ver la razón del porqué sí hacer cosas que no quería hacer: simplemente por el amor que se tienen. Fiona le dice que ella sí cambió por él. Así, Shrek se muestra como el eterno adolescente o ser que se cree inmortal y que piensa que puede dar marcha atrás en su vida, como si no hubieran pasado algunas importantes cosas en ella. Su reticencia es comprensible pero patéticamente humana.

Luego de las tremendas peripecias, la mayor parte de las veces bastante cómicas, en gran parte gracias a la participación del ligeramente embarnecido Gato con Botas, de Burro, Pinocho, y uno que otro nuevo personaje, la reticencia se desvanece ante la evidencia de que nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde, tomándole el gusto a los detalles poco disfrutables de la vida doméstica. Y ésa es una ley que una y otra vez Shrek tiene que enfrentar por ser el personaje central.

En esta nueva cinta, Shrek para siempre (Shrek forever after, 10) dirigida por Mike Mitchell, el ogro verde recurre a las malas artes mágicas de Rumpelstilkstin y sus paradojas existenciales, para recuperar su “verdadero ser”, sin fijarse en las letras chiquitas y cuyas consecuencias, de las cuales ni se percata Shrek hasta que es casi demasiado tarde para evitarlas, resultan impredecibles y hasta nihilistas (pues corre el riesgo de dejar de existir) y entonces lo único que quiere es arreglar los estropicios de sus descuidadas decisiones del modo que sea. Este carácter fáustico de la cinta es lo más atractivo, aparte de ver en acción nuevamente a la pandilla completa.

Si en la vida ficticia de estas excelentes animaciones es problemático regresar al modo de vida cotidiano que se despreció pero que en realidad era todo lo que importaba, en la vida real de los seres humanos adultos (cuya vida está representada caricaturesca e irónicamente en los personajes), a quienes está dirigida esta cinta con ánimo de resaltar la importancia de la vida familiar doméstica, les resultará todavía más difícil.

La moraleja de este cuento ya ha sido expresada, y el mensaje está en la saga de este ogro verde humano, demasiado humano. La cinta es más un recordatorio nuevamente de ciertos elementos esenciales de la vida humana, por lo que la cinta es disfrutable en la medida en que olvidamos lo que somos y lo que tenemos y podemos perder, y lo que ya hemos visto. De otro modo, si la memoria de lo vivido y visto en el pasado está activa entonces no es necesario ver esta película.

El Secreto de sus Ojos

Oscar a Mejor Película Extranjera 2009

Miradas reveladoras

Ricardo Martínez García

Ricardo Darín, actor argentino de cintas como El Hijo de la Novia y El Aura, protagoniza la cinta ganadora del Oscar a la mejor película extranjera, dirigida por Juan José Campanella, El secreto de sus ojos (09).

Benjamín (Darín) es un empleado administrativo en los juzgados de lo criminal en una ciudad argentina en 1974. Luego de un caso de violación y asesinato de una hermosa mujer, se involucra no solo administrativamente sino de un modo detectivesco que no le pide nada a cualquier capítulo de La Ley y el Orden o Mentes Criminales, pero con un contexto histórico y dramático mucho más amplio.

La investigación comienza propiamente con el análisis de una fotografía, en donde aparece la víctima acompañada de varios hombres. El primer sospechoso es un individuo que en la imagen mira intensamente pero de soslayo a la mujer, como sólo un profundo enamorado, o alguien completamente obsesionado, lo haría. La mujer naturalmente no percibe que se convierte en el objeto de observación de ese hombre -si lo hubiera hecho, probablemente no hubiera muerto-, pero la mirada atenta de Benjamín sí que lo hace.

La cinta toma como pretexto el caso, en el que Benjamín centra sus recuerdos luego de muchos años y aderezada con una interesante historia de amor, para mostrar la manera en que ciertos aspectos de la justicia argentina  estaban contaminadas de corrupción y de grandes dosis de impunidad y autoritarismo irracional entre los funcionarios que, usando sus puestos, toman revancha sobre aquellos que creían enemigos. Este ambiente parecería presagiar la dictadura militar que azotó a la Argentina entre 1976 y 1983, mismo ambiente que se respiraba en Chile y Uruguay. 

El amor -que delata también la mirada de Benjamín-, la amistad, el miedo, la amenaza, la toma de la justicia por propias manos, contextualizan esta cinta que explora situaciones dramáticas en ese periodo latinoamericano de triste recuerdo. Excelente película, no se la pierda.

Encuentro Explosivo

Química que estalla… en carcajadas

Ricardo Martínez García

Una de las parejas de actores más admiradas en Hollywood, Cameron Diaz y Tom Cruise, protagoniza esta cinta que parodia de manera gozosamente cómica a las clásicas cintas de agentes secretos al estilo de Bourne o James Bond, e incluso autoparodia a las estelarizadas por el propio Cruise como Misión Imposible y sus secuelas.

La inverosimilitud de Encuentro Explosivo (Knight and day, 10) no deja lugar a dudas sobre su carácter paródico, por lo que el atractivo de la cinta, dirigida por James Mangold, es ver cómo se convierte en un divertido romance enmarcado en una movie road que nos lleva por diferentes lugares paradisíacos del mundo y en la que la química existente entre Cruise y Diaz es palpable.

El carisma de los actores atraviesa incólume por la trama que presenta los típicos enredos entre agentes y espías, las traiciones, identidades ocultas, un producto de alta tecnología que es objeto de la codicia de los malos de siempre y que puede cambiar el rumbo de la humanidad, además de las escenas de acción trepidantes como las que acostumbra Cruise.

Aunque los años no pasan en balde, Cameron y Tom se siguen viendo en excelentes condiciones, por más que la piel ligeramente arrugada nos recuerda que han pasado ya varios años desde las primeras actuaciones de estos dos personajes. La cinta es ligera y nadie puede esperar un trabajo serio cuando los propios actores se divirtieron de lo lindo al filmarla.

Fuego

Las pasiones exacerbadas

Ricardo Martínez García

Guillermo Arriaga es un guionista que busca en sus personajes elementos pasionales que los marcan en un momento determinado de sus vidas, para bien o para mal. En esta búsqueda encuentra que las pasiones, como la ira, los celos, el remordimiento, son tal vez lo más propio y esencial del ser humano, por encima de la razón. Al menos así aparece en Fuego (The Burning Plain, 08) cinta que dirige y escribe.

Esta verdad simple y sencilla sobre la preponderancia de la naturaleza pasional del ser humano, por encima de la racional, de tan conocida, la narra Arriaga recurriendo a la hilación no lineal a través de un conjunto de escenas que van del presente al pasado y viceversa, en el que el espectador reconstruye la historia y puede hacer sus predicciones pero aún así espera a ver cómo se resuelve la trama de esta cinta, ambientada en el sur de los Estados Unidos y el Norte de México.

El reparto es interesante: Charlize Theron interpreta a Sylvia, dueña de un Restaurant de alta cocina que tiene problemas para relacionarse con los hombres, de los cuales aparentemente solo desea sexo. Kim Bassinger como Gina, una madre insatisfecha que encuentra el amor en un mexicanoamericano, Nick Martínez (Joaquim de Almeida). Aparece también José María Yazpik como un agricultor que busca a Sylvia para llevarle un encargo.

El resultado final de la cinta da la impresión de que ha sido una lástima el pleito entre Arriaga e Iñárritu, ya que si bien la tendencia del primero por escribir al estilo de Cormac McCarthy o David Mamet no lo convierte en un escritor demasiado original, tampoco cuenta con el oficio del segundo para dirigir. Hacían buen equipo, pero como la cinta propone, las pasiones humanas se imponen. La cinta vale la pena por la actuación de la Theron y de Yazpik, así por la espléndida escenografía.

Una pareja dispareja

El fraude del amor

Ricardo Martínez García

Con un tono que oscila entre el drama y la comedia al mejor estilo de lo que acostumbra ofrecer Jim Carrey, Una pareja dispareja, dirigida por John Requa y Glenn Ficarra (I love you Phillip Morris, 09)es una visión del amor entre dos hombres que se convierte en algo trascendente porque se inscribe dentro de lo que cabe esperar en una relación de pareja, o la historia de un amor que lucha por domesticarse de modo tradicional aunque con eventos totalmente fuera de lo ordinario.

Steve Russell (Carrey) es un agente de policía muy religioso que usa su cargo para acceder a información confidencial, con lo que averigua quién es su madre biológica luego de toda una vida sabiendo que es adoptado. Luego un accidente lo lleva a aceptarse tal como es y a decidirse a vivir en consecuencia: vivir la vida gay es demasiado caro (que no es muy diferente de la de los heteros, por lo que se ve), y para vivirla como se debe, comienza una carrera delictiva que va primero de hacerse pasar como supuesto abogado, luego como contador y finalmente como embaucador de altos vuelos.

Su inteligencia y tezón lo llevan a luchar cada vez más, aunque sea por medios ilegales, con el fin de mantener a Phillip Morris (Ewan McGregor), un ex convicto como él de quien se enamora en la cárcel y luego logra liberar gracias a sus habilidades para hacerse pasar por quien no es (una bella analogía de lo que es Carrey en la vida real: un gran actor).

La cinta se convierte entonces en una mezcla entre Atrápame si puedes, Sueño de fuga y cualquiera otra que hable de una historia entrañable de amor, el amor que hay entre Steve y Phillip, historia que cuenta con algunas escenas realmente conmovedoras.

Este amor se muestra sobre todo por el grado de previsión y planeación, así como la audaz ejecución y constancia que invierte Steve para lograr un efecto final, magnífico, así de grande es su amor, aunque Phillip piense -como buena parte femenina de la pareja dispareja- que ese amor no es sino la manifestación del carácter fraudulento tan típico de Steven, algo en lo que era un verdadero genio. No deje de verla, si le gusta ver a dos excelentes actores en un interesante mano a mano y en una cinta que combina humor y drama.

Toy Stroy 3

El regreso de los juguetes vivientes!

Ricardo Martínez García

La ternura, sencillez y calidez de los entrañables y lúdicos personajes creados por Disney y Pixar para las cintas de Toy Story y sus dos secuelas, han hecho de esta serie una de las más exitosas en la historia del cine infantil. Woody, Buzz Lightyear, El Señor Cara de Papa, T Rex, Barbie y Ken (con las grandes parodias entre ellos) y toda la pandilla que permanece, saben que su razón de ser es ser usados o jugados por los niños. El problema, como siempre, es que los niños crecen, es una ley de la vida, pero los juguetes parecen ser para siempre, difícilmente se deterioran (cosa que no ocurre en la vida real) hasta que son usados por niños cuya edad no les permite ser cuidadosos, o caen en manos amorosas.

La amistad y el compañerismo, así como la fidelildad, son valores que rigen en este compacto grupo de amigos juguete, valores que están por encima de cualquier consideración temporal o aparente traición al grupo, el cual se solidariza tan pronto se da cuenta de su error. Están como siempre las referencias de rigor, que acercan peligrosamente a algunos personajes como el Oso Oloroso a personajes como El Padrino versión infantil, o al Bebesote como Linda Blair en El Exorcista; hay alguno que hasta recuerda al Chuky por sus actitudes siniestras.

La historia se recicla de algún modo en las tres cintas: se plantea la invencible amistad, luego las preferencias de un Andy universitario parecen ser el motor de aparentes traiciones, la aventura que corren luego de ser “donados”, y luego la unión reforzada para escapar de sus nuevas y nefastas circunstancias.

Lee Ulrich dirige esta cinta con un guión escrito por él y por Michael Arndt, quien escribiera el guión de Miss Pequeña Sunshine. La fuerza que alcanzaron los personajes de Toy Story en 1995 y 1999 obtiene ahora excelentes dividendos entre los espectadores, a pesar de tener un sabor dramático ya degustado pero de excelente factura. Ya son varias generaciones de niños o adolescentes que disfrutan incomparablemente –así como los adultos con alma de niño- de estas cintas, al grado que hicieron de Toy Story 3 una de las cintas más esperadas de la temporada. No se la pierda, y si puede véala en la Megapantalla en compañía de sus hijos, hermanos, sobrinos o con quien usted quiera.

Arabia 3D

En tercera dimensión

Ricardo Martínez García

La compañía especializada en cintas 3D en formato Imax MacGillivray Freeman Films presenta en Arabia 3D (08) un espectacular documental, dirigido por Greg MacGillivray, con aspectos panorámicos impresionantes de esa nación de Medio Oriente, que narra parte de su monumental historia, en el Museo Papalote del Niño.

Escenas de desierto, submarinas, de vestigios arqueológicos y de las impresionantes peregrinaciones a La Meca (Makka), la ciudad sagrada del Islam que es visitada por unos tres millones de personas al año, son mostradas de manera espectacular en esta cinta que dura demasiado poco, para alcanzar a dar apenas una pequeña probada de la cultura árabe, de su énfasis en llevar una existencia significativa y esencialmente buena.

Narrada originalmente en inglés por Helen Mirren, la información ofrecida en la cinta si bien importante e interesante, resulta insuficiente para el tamaño de esta civilización. La contribución del historiador Rober Lacey con sus comentarios, le da un aire entre académico y cinta de aventuras en una exótica y extraordinaria tierra o nación. A pesar de ser un documental, cuenta con un personaje principal: un joven árabe que estudia cine en Chicago y regresa a su tierra para filmar sobre su cultura. Su trabajo es el hilo narrativo de la película. Está también el personaje de una activista femenina, escritora, poeta y fotógrafa, que trabaja para revistas norteamericanas de prestigio.

Caravanas de camellos a través del desierto, buzos en busca de tesoros en el Mar Rojo, animaciones geográficas, ciudades perdidas labradas en la roca misma, escenas urbanas extraordinarias y la fuerza de las tradiciones y la religión son elementos que llaman la atención por su espectacularidad y exotismo. La cinta muestra referencias sobre la producción de incienso y la generación de riquezas en la antigüedad, hasta la moderna nación que es ahora, dan una idea de la magnificencia de ésta, pero al final permanece una percepción de que la cinta queda a deber un poco. Pero así son las cintas en este formato: duran apenas 45 minutos o menos. De cualquier manera vale la pena verla.

Entre Hermanos

El fin de la guerra

Ricardo Martínez García

El cineasta irlandés Jim Sheridan presenta en Entre Hermanos (Brothers, 09) un drama sobre la vida familiar de un oficial de los marines enviado a Afganistán, donde vive la intensidad de la guerra en toda su crudeza, pero al volver al seno familiar ya no sabe si es capaz de continuar con su vida tal como era antes de la guerra.

La cinta es una versión nueva del intenso drama que realizó la directora danesa Susanne Bier en Brødre en el año del 2004, aunque adaptada (y un tanto suavizada) al caso de los soldados norteamericanos. Pareciera que la guerra es un fenómeno universal de consecuencias sociales muy semejantes, se trate de soldados daneses o norteamericanos.

El capitán Sam Cahiel (Tobey Maguire, quien al final de la cinta logra romper de gran forma su habitual y conocida limitada expresividad) es un marine casado con la hermosa Grace (Natalie Portman, grandiosa como suele serlo) y es padre de dos graciosas niñas. Su hermano menor Tommy (el cada vez mejor actor Jake Gyllenhall) ha estado encarcelado y es la oveja negra de la familia. El padre de ambos es un oficial militar retirado que ve en Sam el modelo a seguir y a Tommy como el eterno fracasado.

El drama comienza a dibujarse cuando le notifican a Grace que Sam ha muerto al chocar el helicóptero en el que se trasladaba a una misión en Afganistán. La noticia genera las reacciones naturales y esperadas en la familia y en la relación de Grace con su cuñado Tommy. Las cosas vuelven a dar un giro cuando le notifican a Grace que Sam no había muerto.

La cinta de Sheridan enfatiza el aspecto anímico de Sam cuando está en Afganistán y cuando está de regreso con su familia; la esencia trágica de la película se encuentra en lo ocurrido en Afganistan y en las secuelas que padece Sam por ello y en cómo lo refleja con su esposa e hijas. La familia entonces se vuelve receptáculo de los traumas de este militar, que para unos es un héroe de guerra, pero él sabe que eso no es cierto totalmente.

Películas como En el Valle de las Sombras (In the Valley of Elah, Paul Haggis, 07), o Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima (Clint Eastwood, 06) han mostrado desde diferentes perspectivas y periodos históricos algunas reflexiones sobre el papel de los soldados de Estados Unidos en las diferentes conflagraciones bélicas en las que se han visto involucrados, ofreciendo una visión humana y dramática de sus consecuencias vividas de manera individual por estos soldados y sus familias.

El énfasis de Sheridan es puesto en el aspecto del daño psicológico –e incluso existencial- que presenta Sam, luego del ataque a las Torres Gemelas en Nueva York en septiembre 11 y las atrocidades de la guerra de ocupación que emprendió su país en Afganistán desde octubre del 2001.

Sam dice al final de la cinta que algunos creen haber visto el final de la guerra cuando mueren, pero lo que le preocupa personalmente es si podrá ser capaz de seguir con su vida luego de ver el final de la guerra, al menos para él.

Excelente película dramática que muestra a Maguire, Portman y Gyllenhaal como los grandes actores que son o que pueden llegar a ser en manos de un buen director. No se la pierda.

La Edad del Deseo

Lujo y frivolidad

Ricardo Martínez García

En el París de finales del siglo XIX y principios del XX la alta sociedad estaba formada tanto por burgueses enriquecidos como por los miembros de la rancia nobleza, herederos de las grandes fortunas imperiales o nuevos inversionistas del maduro y floreciente capitalismo y la industrialización.

La cinta de Stephen Frears Chéri (09), magníficamente ambientada con fastuosos escenarios de arquitectura y decoración de lo que se dio en llamar la Belle Époque, periodo que resalta la frivolidad y la superficialidad a su más alto nivel, lo que representa un verdadero mentís al espíritu republicano de la Revolución de 1789, luego de monarquías, repúblicas e imperios restaurados, al menos entre la clase alta, narra la historia de amor entre Lea de Lonval (Michelle Pfeiffer), una experimentada cortesana –cuya manera de ganarse la vida la caracterizan como una dama de compañía de lujo, con posibles clientes como el primer ministro británico o el mismo príncipe de Gales- y el hijo de una colega suya, Charlotte Peloux (Cathy Bathes), un apuesto playboy consentido hasta la exageración, llamado Fred pero apodado Chéri (Rupert Friend).

Más allá de las circunstancias sociales y económicas y de los modelos y estigmas sociales (a ese nivel pareciera que todo está permitido, siempre que tenga “clase”), que no representan para ninguno de los involucrados absolutamente ningún problema, la relación amorosa que entablan Lea y Chéri la viven como una iniciación o preparación para la vida sexual del matrimonio pero también como un inadvertido pero verdadero proceso amoroso, solo que desfasado desde el inicio, debido en principio por la diferencia de edades. Esta situación se evidencia en el momento en que la Peloux decide casar a su hijo de manera sumamente conveniente con la hija de otra hermosa ex cortesana, la bella Edmée (Felicity Jones), de tan solo 18 años y con un valor de millón y medio de francos –de dote, o algo así, se entiende-. La reacción de esta nueva situación de los dos amantes les hará ver la naturaleza y los alcances de sus sentimientos, así como de sus consecuencias.

El lujo y la despreocupación de los estilos de vida de los personajes, que le tienen franca morriña a trabajar realmente (como buenos aristócratas), nos da una idea de cómo se las han gastado los más ricos de entre los ricos de todas las épocas en todos los lugares, o de aquellos que sin serlo tanto, están de algún modo vinculados a los verdaderamente ricos. Se trata de una película que no aborda directamente grandes problemas de la sociedad ni nada por el estilo, ni aborda cuestiones políticas en particular, pero la esencia dramática presupone tanto esas problemáticas sociales como las cuestiones políticas porque expone los pequeños y cotidianos problemas que se le presentan a personas que viven en ciertas condiciones sociales, cuya noción de la vida no pasa por la revisión de esos problemas sociales, justo porque para ellos esas condiciones no son nada, centrándose en aquello que necesitan para sentirse bien, ellos que lo tienen todo pero que de pronto parecieran experimentar una ausencia de sentido de su propia vida.

El Príncipe de Persia

Aventuras orientales

Ricardo Martínez García

El Príncipe de Persia y las Arenas del Tiempo –dirigida por Mike Newell, director también de Harry Potter y el Cáliz de Fuego- es una divertida cinta de aventuras, romance y traiciones políticas en clave de comedia para niños y para toda la familia que resulta entretenida tanto visual como argumentativamente.

Basada en un popular juego de video del mismo nombre, la cinta está protagonizada por el nuevo héroe de acción Jake Gyllenhaal, que da vida al ágil e intrépido príncipe Dastan.

Un valiente y rapaz niño auxilia a un amiguito en problemas en el mercado de la ciudad amurallada donde viven. El rey Sharaman (Ronald Pickup), monarca de los persas, es testigo de la valentía de ese niño llamado Dastan, y decide adoptarlo.

Como buen pueblo conquistador, los persas controlan la vida política de otros a su alrededor, por lo que deciden invadir al gobernado por la princesa Tamina (la hermosísima Gemma Arterton), incursión en la que Dastan juega un rol principal. Una daga que éste le quita a un mensajero será el hilo conductor de las aventuras en las que Dastan y Tamina irán tejiendo su propio romance, en medio de traiciones, combates con los Hassassin y revelaciones y pruebas de confianza.

Uno de los personajes más simpáticos es el del Sheik Amar (Alfred Molina en plan estupendo), un bribón atrevido que organiza carreras de avestruces y vive al margen de la ley, criticando al gobierno para justificar su falta de pago de impuestos (¡siempre los malvados impuestos!), como típico empresario evasor.

La idea de unas mágicas arenas dentro de una daga que permiten regresar ciertos periodos del tiempo puede ser algo que no todos los niños comprendan pero es una idea interesante (que manifiesta un deseo universal de poder regresar el tiempo y hacer algo que corrija nuestros actos presentes, para bien o para mal) y es una idea que refiere a algo místico y misterioso, tal como la tradición literaria de aquella Sherezada y los cuentos de las mil y una noches nos muestran en esa riqueza imaginativa de medio oriente. Si tiene niños no deje de disfrutarla.

Océanos

La riqueza de la vida marina

Ricardo Martínez García

Jaques Perrin, cineasta francés, muestra en Oceans (09) la inmensa variedad de la vida marina en gran cantidad de matices: el mero existir de seres fantásticos, de diseños multiformes, tamaños, colores. Es una fiesta de inmensa vida marina y todos sus momentos gloriosos y trágicos: desde el nacimiento de pequeñas criaturas que son devoradas casi de inmediato, hasta los momentos íntimos de reproducción.

Ver tan de cerca a las ballenas, tiburones, peces exóticos, fauna tropical y polar, y atestiguar a la vez el dramatismo del ciclo alimentario en toda su crudeza lleva con seguridad al espectador a un estado de arrobamiento y respeto que se convierte en indignación al ver la insensatez de algunos pescadores que causan verdaderos estragos en algunos animales, o la indolencia con la que contaminamos, con nuestros desechos, nuestra basura, los hermosos ecosistemas de esas criaturas que existían mucho antes que el que nosotros pudiéramos llamarnos seres humanos.

La cinta invita a hacer algo para impedir la sistemática destrucción de la que estamos haciendo objeto a nuestro planeta tanto en tierra como en los océanos. ¿Es ese el legado que queremos que nuestros descendientes reciban, un mundo contaminado, cruel y despiadado, irracional? Se trata de una excelente cinta documental con escenas grandiosas, al estilo de The Leaving Sea (Greg MacGillivray, 95, con música de Sting), aunque ésta casi sin explicaciones, y con música muy mesurada y circunstancial, que le da su importancia al silencio. No deje de verla.

Los Perdedores

En un mundo de historieta

Ricardo Martínez García

El mundo del celuloide se nutre de múltiples fuentes, una de las cuales ha sido explotada profusa y exitosamente. Se trata del mundo del cómic, o de las historietas seriadas, con súper héroes o con personajes de la vida real pero caricaturizados. Tal es el caso de la cinta Los Perdedores (10), de Sylvain White, inspirada en el libro de cómic llamado The Losers, impreso por DC Comics desde los setenta como parte de la serie Our Fighting Forces, y luego en la serie renovada a partir del 2004 por la editorial Vertigo.

El coronel Clay (Jeffrey Dean Morgan, quien hiciera el papel de The Comedian en Watchmen) es el líder de un grupo militar norteamericano en misión para destruir en Bolivia la casa de un supuesto narcotraficante –la saturación de colores en esta parte de la cinta enfatiza el exotismo del lugar-. Mientras realizan sus labores, se dan cuenta de que morirán varios niños en el operativo, así que deciden cambiar los planes de un tal Max, que al parecer es el que tiene el mando en la CIA y es un mafioso traficante de armas y de todo lo que se pueda.

La cinta plantea la venganza como motor para las acciones de este grupo que por una mera casualidad no fue eliminado. La traición, o mejor dicho la completa manipulación de la que son objeto, les hace ver que no trabajaban para su nación o para el pueblo norteamericano, sino en busca del bien de los intereses del tal Max, al parecer agente de la CIA, tan poderoso como rico y despiadado.

Tanto el coronel Clay, que tiene un romance con la atractiva y enigmática Aisha (Zoe Saldana) como el oficial Jensen (Chris Evans, el famoso Antorcha de Los Cuatro Fantásticos), y Max (Jason Patric en plan excelente) logran convincentes pero caricaturescos personajes –sobre todo éste último- que exaltan algunas cualidades guerreras (cada uno de ellos es un especialista en su área) que van del héroe que se sacrifica por el grupo, al malvado que actúa siempre egoístamente.

Se trata de una cinta divertida, caricaturesca pero plausible, con un buen trabajo actoral y de efectos visuales, tal vez menos caricaturesca que Watchmen pero no tan espectacular como Los Cuatro Fantásticos u Hombres X y su saga.

La Caja de Pandora

Como me ves te veré

Ricardo Martínez García

La cineasta turca Yesim Ustaoglu logra en La Caja de Pandora una emotiva reflexión sobre la relación entre una madre enferma de Alzheimer y sus hijos, los cuales enfrentan una situación inesperada que les exige el máximo de su atención, alterando el curso normal de sus vidas, en las que no estaba contemplado su cuidado.

A pesar de su enfermedad, Nusert (la excelente nonagenaria actriz francesa Tsilla Chelton) es capaz de decir frases tremendas y contundentes a sus hijos que los dejan paralizados. A su hija Nesrim le dice que le costó mucho darla a luz, pues se pegó a ella, y la insta a no tratar de pegarse a los demás. A su hijo Mehmet –que vive en condiciones más que precarias- lo acusa de haberla abandonado, a lo que él responde que no ha abandonado a nadie. Ella le dice que es lo mismo que la haya abandonado a ella o que se haya abandonado a sí mismo.

La vida ordinaria de la familia se ve alterada por los cambios que plantea el padecimiento de la enfermedad degenerativa de Nusert. De esa situación se produce una nueva relación entre ella y su nieto, el hijo de Nesrim, quien se encuentra también luchando su propia crisis existencial.

Se trata de una cinta intimista que enfatiza las relaciones humanas entre los protagonistas, sus conflictos pero también sus filias. Esta cinta del 2008 le hizo ganar la Concha de Oro de ese año a Tsilla Chilton como mejor actriz y también ganó el premio a la mejor película en ese famoso Festival de San Sebastián.

La trama recuerda un poco otros conflictos familiares en los que están involucrados personas de la tercera edad, como por ejemplo La Balada del Narayama (Imamura 83), en la que la tradición dicta que los ancianos de determinada edad vayan a morir en las laderas de ese monte, pero el amor de alguno de sus familiares no hace posible entender esa tradición.

Las preguntas que plantean cintas como éstas son a veces difíciles de contestar ¿Qué hacer con los ancianos, que además están enfermos? ¿Quién los cuidará de manera permanente? No queda de otra más que amarlos hasta el final, podría ser una respuesta.

Mi pareja es mi rival

Género y competencia

Ricardo Martínez García

Victor y Margot son una joven pareja de abogados que viven en unión libre y trabajan en un prestigioso buffet en la romántica ciudad de París. Ambos esperan ser promovidos como socios del bufet, pero solo uno lo logrará. Mi pareja es mi rival (Notre Universe Impitoyable, 08), dirigida por Léa Fazer, es una cinta que juega constantemente con las posibilidades y consecuencias del lado de cada uno, cómo serían las cosas si Victor fuera el elegido como socio, o luego cómo lo serían si Margot fuera la elegida.

Todo mundo vería como algo normal si eligieran a Victor, en francas actitudes machistas, o muchos pensarían que Margot hizo algo especial por el jefe si fuera ella la elegida, en actitudes sexistas. En ambos casos al ser promovidos hipotéticamente su relación de pareja se desequilibraría de tal modo que pondría en riesgo su convivencia como tal. Desde problemas con los horarios, los acuerdos para tener o no hijos, las infidelidades, la falta de confianza y hasta la incomunicación son algunas de las situaciones que deben afrontar sea quien sea quien reciba la promoción.

El socio principal del buffet Bervesier, encargado del nombramiento en cuestión, los acicatearía hasta más allá de sus límites, en el afán de que el o la nueva socia le demuestre que su decisión “fue la correcta”. Si Victor fuera el elegido, lo trataría como a su hijo, si Margot fuera la elegida, la convertiría en su amante, haciendo de su nombramiento una manera sofisticada de acoso sexual. Pero lo que queda claro es que en cualquier caso él siempre verá por sus intereses.

En todo caso, esa presión es lo que dará al traste con la armonía entre Victor y Margot, y ellos se destruirán mutuamente con tal de sentir que han progresado en su carrera. El título en francés de la cinta sintetiza muy bien tal destrucción: "Nuestro Universo Despiadado".

Se trata de una excelente cinta de crítica social que muestra con dedo sutil pero flamígero algunos prejuicios que se creían superados en un grupo de clase media alta pero que aparecen como fantasmas aun en sociedades tan progresistas como la parisina de la actualidad. La cinta cuenta con cierto mordaz sentido del humor, aunque no es posible seguir sonriendo cuando es claro que la relación de la pareja cada vez se va fracturando más. No deje de verla.

Ni en tus sueños

Sin imposibles para el amor

Ricardo Martínez García

La improbable pero no imposible situación de que una despampanante y hermosa joven rubia se fije en un flacucho buena onda y sincero, planteada en la cinta Ni en tus sueños (She´s out of my league, 10), intenta resaltar la esencia del amor en algunos casos, a pesar de lo que ante ciertas parejas todo mundo se pregunta –de acuerdo con ciertos clichés o modelos estéticos y sociales, interiorizados y asumidos acríticamente, sobre todo en una sociedad tan mediatizada como la norteamericana-: ¿pero qué le vio ella a él?

El empleado de seguridad en un aeropuerto Kirk (Jay Baruchel) conoce a Molly (Alice Eve, cuya belleza recuerda demasiado a Reese Whiterspoon), una organizadora de fiestas y banquetes. Aparentemente ella está fuera de su alcance, pero sus actos comienzan a mostrar cierto interés por Kirk, quien no sabe a qué se deba tal cosa.

Los amigos de ambos, amigos normales con las tendencias normales a calificar y categorizar a todos, comienzan a suponer mil cosas sobre la relación de Kirk y Molly, e incluso la familia de él (que considera a Kirk un perdedor) ve muy extraño que una chica como ella se fije en Kirk.

Esta cinta, dirigida por Jim Field Smith, apuesta por la revalorización o revitalización de un concepto de amor que no toma en cuenta apariencias ni está basada en conceptos de valor fundados en aspectos materiales o en el qué dirán, sino que enfatiza lo que las personas pueden aportarse mutuamente, en la aceptación de sí mismos y de los otros y, sobre todo, en la seguridad que se pueden ofrecer uno a la otra y viceversa.

La cinta tiene sus ratos divertidos, aunque al final el argumento, que se percibe insostenible a ratos, da grandes traspiés, como esa conjunción de situaciones inverosímiles en el aeropuerto. La optimista moraleja pareciera ser que en el amor no hay imposibles, aún en esta versión ligera de La Bella y la Bestia, o King Kong y Naomi Watts (y algunas otras comparaciones que hacen jocosamente los amigos de Kirk).