Milagros del Cielo

Mueve montañas

Convicción y Esperanza

Ricardo Martínez García

En el mundo actual, ya casi no hay cabida para la fe, la esperanza de que lo irreversible cambie, de que lo inexorable no suceda. Al parecer la cuestión sobre la fe sigue siendo una cuestión de enfoque: o creemos que todo es cotidiano y causal, o creemos que nuestras vidas son el resultado de una cadena de milagros que ni siquiera podemos observar, dada nuestra visión cientificista y nuestro escepticismo radical.

La directora Patricia Riggen presenta, en esta cinta Milagros del Cielo (16) un drama familiar que tiene un final feliz, pero que para alcanzarlo la familia y sobre todo Christy y Anna deben atravesar.

La familia Beam es una familia como tantas otras, que lucha por su bienestar, trabaja, invierte, acude a los servicios religiosos. Pero la situación de salud de una de sus hijas lo trastorna todo. Anna (Kylie Rogers) es la hija mediana de Christy y Kevin Beam (Jennifer Garner y Martin Henderson), quien presenta una rara enfermedad intestinal. Christy, como cualquier madre, desespera ante los síntomas que presenta su hija y que no desaparecen, lo que la lleva a enfrentarse con médicos que a su juicio no hacen lo posible por su hija. Es así como llega con el especialista pediatra Doctor Nurko (Eugenio Derbez), quien confirma los diagnósticos de que Anna sufre una enfermedad incurable, la cual solo puede tratarse en la medida de lo posible, sobre todo evitando el dolor.

Anna, al jugar con su hemana mayor Abbie (Brighton Sharbino), sufre un aparatoso accidente, lo que añade drama a su ya de por sí terrible situación.

Sin la decidida voluntad de Christy, más la bondadosa intervención de algunas personas, como la recepcionista del hospital, o de Angela, la mesera del restaurante (Queen Latifah), o las atenciones a lo Patch Adams de Nurko, no hubiera sido posible la atención que Anna necesitaba en su momento.

Más allá de esto, está la gozosa incomprensión ante un evento positivo, la sobrevivencia de Anna no solo ante su accidente, sino la reversión de lo que era considerada una enfermedad incurable. La fe religiosa de Christy no parecía especialmente fuerte, su congregación y sus feligreses se vuelven algo negativo, luego de que algunas almas caritativas le sugieren como causa de los males de Anna los pecados de sus padres o los de ella misma. A pesar de ello, es a la fe y la oración a lo que acude Christy en el momento crucial en la vida de Anna.

Anna señala, al recordar los eventos luego de su caída, haber sentido comunicarse con Dios aún sin palabras, y que éste le hizo saber que debía regresar y que estaría bien. Fuera un exceso de medicamentos para el dolor, o una auténtica y mística experiencia religiosa, el caso es que la niña recupera la salud y la vitalidad.

El guión de la cinta es una adaptación del libro que escribió la verdadera Christy Beam, en su deseo de relatar su experiencia de vida más feliz y trascendente.

Al final el mensaje de la cinta es de lo más positivo: la vida está llena de milagros cotidianos, y los ve quien quiere verlos. El escepticismo es la incapacidad para cambiar de visión y poder realizar una interpretación de los hechos de manera menos causal y más milagrosa e inexplicable científicamente.

Dios no ha muerto 2

Libertad religiosa en duda

¿Educar o predicar?

Ricardo Martínez García

La profesora Grace Wesley (Melissa Joan Hart) da clases en una preparatoria, y en una de sus clases una estudiante le pregunta sobre si lo que están viendo en historia pudiera ser compatible con lo que Jesucristo señaló en los Evangelios. Su respuesta afirmativa desencadena una lucha laboral entre ella y sus empleadores, que se convierte en un conflicto jurídico en cuyo centro está la laicidad de la educación.

Los padres de la estudiante que cuestiona a la profesora están decididos a no permitir que su hija reciba sin su consentimiento lo que a su juicio es un ejercicio de predicación de la palabra de Dios, toda vez que ellos son librepensadores y no desean ningún tipo de adoctrinamiento contrario a la ciencia. Tal es el argumento en contra de la maestra.

Un hábil y recién egresado abogado toma la defensa de la profesora Wesley, y al mostrar que la respuesta de Grace a su alumna, más allá de estar apoyada en la existencia indudable, probada e histórica de Jesús, está apoyada en sus más profundas creencias, y esto le permite ganar el caso.

La cinta pareciera mostrar que así como hay fundamentalismo religioso, también hay fundamentalismo laico, o científico, o tal vez es algo más oculto. Lo que sí es claro es que la cinta pone de manifiesto una idea de Dios que propone la idea de que la existencia de Jesús de Nazareth como hombre equivale a la prueba indudable de la existencia de Dios. 

El catolicisimo y algunas variantes del protestantismo norteamericano en efecto son partidarios de esta noción, aunque con diferencias tales que las hacen precisamente diferentes y por ello son ramas aparte de una noción general del cristianismo.

El drama en sí puede considerarse típico de una lucha en los tribunales al estilo norteamericano, pero lo que es diferente es la argumentación, que pone de manifiesto ese fundamentalismo al revés, algo que pudiera considerarse anacrónico en pleno siglo XXI, una vez que se ha ganado el derecho a ejercer el culto que se quiera. Pareciera que algunos quieren confundir a la fuerza un comentario religioso con un proselitismo indebido en una escuela laica.

La actuación de Melissa Joan Hart es mesurada y adecuada dramáticamente, algo diferente de lo que vimos en su serie de Sabrina, la Bruja Adolescente. Lo valioso de la cinta es que es un buen pretexto para reflexionar sobre las propias convicciones religiosas y si su manifestación puede hacerse en cualquier contexto. 

Capitán América: Civil War

Amigos enemigos

Libertad por encima de la autoridad

Ricardo Martínez García

En medio de una campaña crítica en los medios de comunicación debido a los daños colaterales de la acción de Los Vengadores en su lucha contra Loki y otros malvados, surge el conflicto entre los líderes de los Vengadores, Steve Rogers o el Capitán América y Tony Stark o Iron Man.

El argumento de la cinta, dirigida por Anthony y Joe Russo, se introduce de modo superficial en un interesante dilema de filosofía política clásica: la oposición entre el ideal de libertad de acción y la necesidad de ceñirla a ciertas limitaciones, como las que establecen las leyes constitucionales. Muchos agradecen la acción defensiva y protectora de los Vengadores, pero algunos otros están en contra de tales acciones debido a sufrir de su acción destructiva (como lo que les ocurre a los héroes que aparecen en la cinta de animación del 2004 Los Increíbles, de Brad Bird).

El audaz héroe de guerra, idealista de la libertad y hombre de acción Steve Rogers (Chris Evans) entra en conflicto cuando se le solicita firmar un acuerdo por parte del gobierno en el que ceden él y el equipo de Vengadores su autonomía, en aras de una autoridad superior. Por su parte, Tony Stark (Robert Downey Jr.), el gran industrial vendedor de armas y posterior desarrollador de alta tecnología, es un firme partidario de suscribir tal acuerdo, con el que cree que estarán mejor el equipo de los Vengadores. Ellos encarnan los lados más destacados de la historia norteamericana ligadas a su fase imperialista del siglo XX: propaganda idealista y desarrollo industrial relacionado con la milicia, desde la perspectiva del cómic de Marvel.

De manera inaudita, cada uno de los miembros del equipo va tomando partido por alguna u otra postura, alinéandose ya sea con el Capitán América o con Iron Man. Destacan las ausencias de Thor y de Hulk, así como las divertidas y novedosas apariciones del Hombre Araña y Ant Man, el primero para el equipo de Iron Man y el segundo para el del Capitán.

Un elemento adicional en el argumento es Bucky Barnes, el amigo de Steve Rogers, quien encarna el punto culminante de la necesidad tiránica nazi (como un resabio de los experimentos de los científicos alemanes previos y durante la Segunda Guerra Mundial, y probablemente después de ésta) de controlar incluso las mentes de sus agentes llamados soldados del invierno. La amistad de Barnes con el Capitán América supone un punto de quiebre más con Iron Man.

No es claro que los Vengadores sean lo suficientemente conscientes de las implicaciones de sus posturas, pero queda claro que sea por la autoridad constituida o por la libertad idealizada, cada uno de ellos luchará por lo que cree correcto con lo que tiene, a pesar de ser amigos de los del otro equipo y a pesar de que en el fondo todos están del mismo lado. 

El resultado es algo confuso para los espectadores infantiles (y también para los adultos): ellos no ven las implicaciones conceptuales de la toma de partido entre los combatientes de esta guerra interna de cómic, solo ven esta cinta como entretenimiento y diversión.

¿Habrá una ruptura con el gobierno y sus leyes, por parte de los Vengadores, o se circunscribirán a ellas en aras de una reconciliación? Ya lo veremos en la siguiente entrega.

Deadpool

Irreverente y sarcástica

Peculiar súper héroe

Ricardo Martínez García

Deadpool es una cinta que comienza la irreverencia y la parodia desde los créditos iniciales que aparecen en la pantalla. Así, luego de aclarar que hay cameos innecesarios (burlona alusión a los que hace de manera habitual Stan Lee en las cintas de Marvel, y en ésta no es la excepción), nos enteramos de que los verdaderos héroes de esta historia son ¡los guionistas!

Wade (Ryan Reynolds) narra cómo es que llegó a esa escena inicial en la que se encuentra en una camioneta a toda velocidad, que vuelca y en la cual él va expulsando y disparando a los malosos. Tim Miller, debutante director, junto con los guionistas Rhett Reese y Paul Wernick, presentan lo que en boca de Wade es una supuesta historia de amor, luego de truculentas escenas de acción violenta. Deadpool (16), antihéroe del universo de la Marvel, es una parodia de otras cintas producidas por la misma compañía de cómics, como por ejemplo de la franquicia de los Hombres X.

Wade, antiguo soldado de fuerzas especiales, se convierte en una especie de mercenario que se dedica a azotar a personas malas, y forma parte de un grupo, el cual se reúne en una taberna, donde el barman es quien les dice cuál es su misión. Es ahí donde conoce a Vanessa (Morena Baccarin), quien compite con él en cuanto a la sordidez con la que han vivido ambos. Ésa será la clave del romance entre ellos.

Al descubrir que tiene cáncer, Wade decide aceptar la oferta de un científico zafado llamado Ajax (Ed Skrein), quien le promete no sólo eliminar el cáncer, sino que con el tratamiento alcanzará nuevos poderes, como el de recobrarse de sus heridas (al estilo de Wolverine) pero además lograr que si pierde alguna extremidad, ésta se regenerará por sí misma. Ante la posibilidad de morir y perder a Vanessa, Wade accede, sin considerar el costo de tal tratamiento, que lo convierte en un súper héroe pero con graves deformaciones en la piel de su rostro. Es entonces que nace el nuevo héroe DeadPool, a quien Colosus y Negasonic Teenage de los Hombres X intentan reclutar.

La historia entonces pasa a ser algo convencional: la búsqueda del responsable de la operación, luchas, venganza, secuestro y rescate de la persona amada, etc.

Con un sarcasmo que la acerca a cintas como Kick Ass, muchas escenas de acción y romance (ingredientes que hacen divertida y disfrutable a este tipo de películas), Deadpool logra hacer que el espectador se olvide por un rato de los personajes heróicos de franquicias como la de los mencionados Hombres X, Wolverine, etc. Irreverente y divertida, hace parecer a las cintas de esas franquicias como serias, institucionales y hasta aburridas.

Ryan Reynolds hace olvidar su participación en la intrascendente cinta “Linterna Verde”, de la compañía DC Comics, en donde da vida al personaje principal.

Zootopía

Eres lo que deseas ser

Romper el molde

Ricardo Martínez García

En esta utópica ciudad conviven animales mamíferos de todos tamaños, que se han civilizado al estilo humano, pero en la cual, como en toda sociedad, hay elementos criminales que necesitan ser detenidos. La civilidad supone la convivencia armónica entre los animales que en otro tiempo fueron depredadores y presas (el llamado derecho natural no existe entre ellos, su sociedad es producto de un contrato social, generando un derecho civil, lo que no se sabe es cómo llegaron a tal estado de cosas).

Esta ciudad, conocida como Zootopía, cuenta con sectores que representan a los diferentes hábitats de animales, como la tundra, el desierto, la selva, etc. En el ambiente más parecido al de una ciudad humana, la agente de policía principiante Judy Hopps, una conejita tierna pero muy entusiasta, se percata de que querer ser una agente en un cuerpo policiaco dominado por animales machos y grandes produce asombro e incredulidad ante su atrevimiento. Ante un caso no resuelto por sus colegas con mayor experiencia, Judy toma el reto de resolver la desaparición de unos habitantes de Zootopía, para lo cual tiene que aliarse con el avezado zorro Nick Wilde. El argumento de la cinta está bien compuesto, de tal modo que la resolución del caso mantiene el interés y el suspenso en el espectador.

La película, dirigida por Byron Howard, Rich Moore y Jared Bush, plantea la idea de que cuando el aparente destino predeterminado de una especie animal (la conejita) no corresponde con el deseo y voluntad de ser algo diferente de un individuo de esa especie (ella desea ser algo más que lo que se espera) se topará con una serie de dificultades y obstáculos, que solo podrán ser vencidos gracias a su determinación y coraje.

Es una historia que en cierto modo recuerda a la contada en otras películas, como BeeMovie, en la que una abeja de la colmena no está conforme con el papel que por su origen y nacimiento debe cumplir (ser una abeja obrera, o recolectora) sino que quiere ser algo más, algo diferente de su naturaleza.

Zootopía también es una divertida crítica social, enfocándose en ciertos sectores, como el de la burocracia (con Flash y su compañera como los prototipos) y el mundo de los agentes del orden (con jefes que solo entorpecen las investigaciones) y los pequeños estafadores, maestros del descaro y la desfachatez (como el zorro Nick). Esta crítica representa algunos de los momentos más divertidos, hilarantes y memorables que presenta esta cinta.

Se trata de una cinta infantil, que como muchas otras de su categoría, invita a reflexiones a los adultos que la vean, acompañando a sus niños, y lo hace de una manera divertida y disfrutable.

En el Corazón del Mar

Cetáceo heróico

Cacerías intrépidas

Ricardo Martínez García

La cinta de Ron Howard “En el corazón del mar” (15) se basa en un libro que a su vez trata de cómo se escribió la novela que se consideró la épica literaria norteamericana del siglo XIX. Vemos a Herman Melville, autor de Moby Dick (interpretado por Ben Whishaw) entrevistando a un marinero, que le contó su encuentro con una ballena blanca. El libro tiene el mismo título que la cinta, y su autor es Nathaniel Philbrick.

Un grupo de cazadores de ballenas zarpan desde la isla de Nantucket, Massachusetts, a recorrer los mares del Atlántico, llegan a la Tierra del Fuego y continúan hacia el norte por el Pacífico, en busca de sus preciadas presas, de las cuales extraen el aceite, artículo muy caro dadas sus cualidades de combustión.

A ojos de los actuales ecologistas, esta cacería resulta comprensiblemente deleznable, pero para algunos países como Japón, Islandia, Rusia, Estados Unidos, etc., desde el siglo XVII y hasta el XX hubo una importante industria basada en la caza de los cetáceos, por su aceite, ámbar gris y otros productos.

Luego de esa larga travesía hasta el Pacífico de la América del Sur, las escasas reservas logradas por su cacería obligan al capitán George Pollard (Benjamin Walker) y a su primer oficial Owen Chase (Chris Hemsworth) a lanzarse en busca de grupos de ballenas. Luego de un tiempo en alta mar tienen éxito, pero en plena cacería (con escenas bien logradas) los marineros se llevan una fea sorpresa: una enorme ballena cachalote los ataca de manera poderosa y sin tregua.

Sin el lujo literario de Melville, pero con grandes descripciones gráficas, la cinta deviene casi un documental acerca de la sobrevivencia de unos náufragos en alta mar, que los llevan a realizar actos extremos.

Es de resaltar la transformación física que llevaron a cabo los actores para esta cinta, destacando Chris Hemswort, quien de ser el fortachón Thor en las cintas de los Vengadores, resulta uno de los pocos sobrevivientes de ese encuentro fatal con aquel formidable animal que inspiró a Herman Melville para escribir Moby Dick. El drama de los náufragos resulta bastante convincente en esta disfrutable película, con una gran fotografía y escenografía, una buena alternativa para el fin de semana.

Ya casi te extraño

El Drama de Vivir y Morir

Más que amigas

Ricardo Martínez García

Jess y Milly se conocen desde niñas, y han manteniendo su amistad a lo largo de los años. Milly es una exitosa publicista, de buena posición económica, y está casada con un cantante de rock, quien sorpresivamente resulta un maduro y estable esposo. Jess también está casada, su vida es más tranquila que la de su amiga, y espera con ansia poder tener un hijo y cuidarlo con su esposo, trabajador en una plataforma petrolera. Ambas amigas viven en Londres.

La noticia de que tiene cáncer de mama le plantea a Milly (Toni Collette) algunos cambios fundamentales, que intenta sobrellevar de la manera más tranquila, pero ante una segunda noticia sobre el continuo avance del cáncer en su cuerpo, ya no puede más. Jess (Drew Barrimore) intenta acompañarla lo más posible, pero se distancia de su amiga al comprobar que Milly está dispuesta a vivir los días que le quedan de un modo que ella simplemente no aprueba.

¿Viviríamos mejor si supiéramos que nos quedan unos cuantos días de vida? ¿Alguien se pone a pensar en que nuestras vidas son finitas, con o sin enfermedades que aceleren el proceso de mortalidad? Tales podrían ser las reflexiones que sugiere esta película.

Catherine Hardwick es la directora de esta cinta, Ya casi te Extraño (Miss you alredy, 15), la historia de dos amigas de toda la vida, que enfrentan diferentes situaciones de vida en un momento simultáneo, cada una luchando por encontrar el mejor modo de hacerlo. El guión está escrito por Morweena Banks y está basado en un episodio de la serie Saturday Drama de la BBC Radio.

Sin falsos dramatismos, la directora muestra la forma en que Milly sobrelleva su enfermedad, tomando a veces decisiones equivocadas o irreflexivas, con las cuales arrastra hasta cierto punto a su amiga, quien toma una postura contraria a sus deseos más inmediatos. Podría ser la historia de cientos de personas aquejadas por este mal, que pronto morirán y lo saben. La narración de tal situación puede generar una idea no realista en los espectadores, pues pareciera que solo los enfermos se mueren, pero no, en realidad todos moriremos, tarde o temprano. La historia aquí es de quien va a morir pronto, como olvidando que la muerte es el destino de todos.

La australiana Toni Collette ofrece una actuación consistente con el prestigio de su ya larga carrera cinematográfica, sobre todo en películas independientes. Drew Barrimore a ratos se muestra como fuera de su ambiente y un tanto acartonada, como si le costara trabajo soltarse y encarnar a un personaje dramático. El drama es cotidiano pero siempre es único, para cada persona.

Spectre 007

¿Hasta pronto?

Historia agotada

Ricardo Martínez Garcìa

Alguna vez todos los hombres quisimos ser como Bond. Conquistadores, audaces, intrépidos, fuertes, inteligentes e inquebrantables, tal como el espía británico. Pero en esta última entrega vemos a un Bond inmerso en una gris historia cíclica , predecible y anticlimática.

La cinta, dirigida por Sam Mendes, comienza con un día de muertos en México, en una celebración festivalesca que sobrepasa la realidad. Sin duda es muy vistosa y fantástica la versión fílmica, que recuerda a los festivales en Río con mucho baile y música, pero con la muerte como tema central, y que al final resulta exagerada, como es exagerado el papel que supuestamente tenía la mexicana Stephanie Sigman de chica Bond, pues en realidad aparece solo unos cuantos segundos en pantalla. 

Tal vez esa secuencia inicial sea la más atractiva de la cinta, no solo para el espectador mexicano sino para todo tipo de espectador.

La historia -que tiene algunos pocos momentos divertidos e incluso espectaculares- ya es conocida: Bond se enfrenta a un villano, jefe de los anteriores adversarios que enfrentó y venció el 007, como Le Chiffre, Dominic Green, Silva, todos ellos miembros de una organización criminal llamada Spectre. Esta mente maestra criminal declara haber estado detrás de cada muerte de alguien querido o apreciado para Bond, entre ellos la anterior M (Judi Dench) y Vesper (Eva Green).

Antes de morir, el señor White, uno de sus antiguos enemigos, le da la clave al espía británico para enfrentar a Blofeld (Christoph Waltz) el enigmático líder de Spectre. Con la ayuda de Madeleine Swann (Léa Seydoux), hija del señor White, Bond se traslada a un inhóspito lugar, donde están las instalaciones de Spectre, para enfrentar a ese poderoso personaje, cuyas siniestras intenciones son convertirse en una especie de big brother global y ofrecer mediante la extorsión servicios de seguridad.

Se trata de una cinta irregular, tal vez la de menor fuerza expresiva en esta serie interpretada por Daniel Craig. Ni la inclusión de Christoph Waltz o de Léa Seydoux (ella sí la nueva chica Bond) son suficientes para darle un toque de frescura a la cinta, que adolece de una estructura narrativa y de una historia que ya dio lo mejor de sí y muestra ya signos de agotamiento, convirtiendo a los nuevos personajes rápidamente en los viejos estereotipos ya muy usados. La cinta tiene un efecto de nostalgia, como cuando una serie llega a su fin.

La Cumbre Escarlata

Drama Gótico

Un trío de cuidado

Ricardo Martínez García

El polifacético y creativo director mexicano Guillermo del Toro presenta en la cinta La Cumbre Escarlata (Crimson Peak, 2015) un drama de estilo gótico inglés, en el que se conjugan el romanticismo con algunos oscuros aspectos de la naturaleza humana, como la depravación y el asesinato, así como ciertos toques de fantasía y terror.

Edith Cushing (Mia Wasikowska) es una joven y rica heredera norteamericana con pretensiones de escritora, que conoce y se enamora de un decadente aristócrata inglés, sir Thomas Sharpe Baronett (Tom Hiddleston) quien busca en Norteamérica inversionistas para su mina de arcilla. Luego de algunas dificultades y sucesos terribles, la pareja contrae matrimonio y se trasladan a la propiedad de Sharpe, en alguna zona rural agreste del norte de Inglaterra, donde se encuentra su derruida pero enorme mansión y su mina.

Edith pronto se da cuenta de que las cosas no son como se las han querido mostrar su esposo y su inquietante cuñada, la temible lady Lucille Sharp (Jessica Chastain), pero lo hace casi demasiado tarde.

En medio de una extraordinaria escenografía, con un diseño muy al estilo gótico y manejo de colores muy atractivo, resaltado por una iluminación muy bien cuidada, Del Toro maneja las situaciones dramáticas con gran maestría, obteniendo lo mejor del trabajo histriónico de los miembros del reparto.

Destaca sobre todo el personaje de Edith Cushing, que recuerda a la valiente Mina Harker, de la novela de Bram Stocker “Drácula”. Es ella la heroína de la cinta, que tiene que lidiar no solo con su esposo y sus problemas financieros, sino con la malévola hermana de éste, así como con los fantasmas que rondan por la casa sin descanso. La cinta no es propiamente de terror, pero de acuerdo con lo que propone Edith al explicar su novela, los fantasmas “son una metáfora” de las ocultas tragedias que van generando a su paso el par de hermanos, a iniciativa de Lucille, una auténtica destructora de vidas.

Del Toro logra una cinta exquisita, tanto visual como dramáticamente, entretenida, y en la que se hace tributo al cine como un auténtico séptimo arte, superándose a sí mismo en cada nuevo trabajo, como lo muestra la evolución fílmica que va de Cronos, El Laberinto del Fauno y ahora La Cumbre Escarlata. De colección.

El tren de Miedo

Vía a la Subversión

Hacia el futuro

Ricardo Martínez García

 

El director surcoreano Bong Joon-Ho realizó en 2013 su primera película en inglés, El Expreso del Miedo (Snowpierce) una metáfora de la vida social moderna, de su configuración marcadamente clasista y con una ambientación casi apocalíptica, de clara inclinación pesimista. A poco más de dos años de su estreno en Corea, la cinta llega a México.

Para combatir el calentamiento global, se lleva a cabo un experimento que falla totalmente y lleva al planeta a un estado inverso al calentamiento, muy parecido a una era glaciar. Los pocos sobrevivientes son los que compraron un boleto para viajar en un tren llamado Snowpierce, una máquina formidable de movimiento continuo, concebido como una especie de arca de Noé, gracias a la previsión de su constructor y dueño, el señor Wilford.

El tren es todo un sistema social y ecológico completo pero en miniatura, autosustentable, donde viajan juntos dos grandes grupos humanos, los pobres y los ricos. Los pobres viven hacinados en pequeños espacios, dada su cantidad, en los vagones traseros, mientras que los ricos viajan cómodamente en los carros delanteros. Ante la represión de la que son objeto los pobres, surge un líder que decide llegar hasta el primer vagón y apoderarse del tren, Curtis Everett; en su lucha arrastra a los más audaces, pero los ricos, controladores de los cuerpos de seguridad, se opondrán a su avance.

El guión está basado en la novela gráfica escrita por los franceses Jaques Lob, Benjamin Legrand y Jean Marc Rochette titulada Le Transperceneige.

Cuando Everett termina de atravesar el tren (travesía que es como ir de una siniestra oscuridad a una insospechada vida luminosa, relajada y hasta disipada), finalmente se entrevista con el señor Wilford. De esa entrevista, se puede proponer un conjunto de ideas y reflexiones, una de las cuales es que el tren es una metáfora de la vida: pobres y ricos van en él, cada grupo ocupando naturalmente el lugar que le corresponde, de acuerdo a lo que pudo comprar, a su nacimiento o a su suerte, pero cuyo destino no es la vida eterna, como parece ser el propio tren. Pareciera entonces que la humanidad en realidad se engaña cuando supone que vive de acuerdo a una idea de libertad (más los ricos que los pobres), o de que puede invertir o trastocar la estructura social a la que pertenece. El final de la cinta parece mostrar un pequeño atisbo de esperanza, pero al costo de una gran subversión.

Joon-Ho dirige a un gran elenco, en el que hace brillar como actor de carácter a Chris Evans (alejándolo de su papel de Capitán América), y saca una vez más lo mejor de los veteranos Tilda Swinton, John Hurt y Ed Harris. Se trata de una cinta interesante y entretenida, pero que se presta para comentarios más profundos.

Misión Rescate

Perdido en el espacio

Uso óptimo de recursos

Ricardo Martínez García

El veterano director británico Ridley Scott, conocido por cintas como Alien, El octavo pasajero, Blade Runner, Prometeus, etc., ofrece en su recién estrenada cinta “Misión Rescate” (The Martian, 15) una historia de ciencia ficción (género en el que se ha convertido en un referente obligado) centrada en un astronauta que debe sobrevivir en el desolado planeta Marte, luego de que sus compañeros lo abandonan -creyéndolo muerto- tras una tormenta que amenazaba con acabar con la misión completa.

El astronauta y doctor Mark Watney (Matt Damon) se enfrenta así a un panorama muy complicado, el cual le obliga a sacar todos sus conocimientos biológicos, químicos, matemáticos, con el fin de preservar la vida en la reducida estación marciana, mientras espera a que su rescate sea posible, una vez que logra comunicarse con la NASA.

Los altos mandos de la agencia espacial hacen de la supervivencia de Mark primero un secreto, y luego de pensarlo bien, lo enarbolan como la mejor bandera de la NASA para apoyar sus programas espaciales, ganándose a la opinión pública internacional (y de paso la ayuda de la agencia espacial china). Mientras tanto, sus compañeros son informados de la supervivencia de Watney y sin tardanza deciden unánimemente arriesgar su propio regreso para ir a rescatarlo.

El argumento de la cinta, en términos de ciencia, resulta sencillo (no muy lejos de lo posible), si lo comparamos con otra película del mismo género, Interestelar (14) de Christopher Nolan, cuya complicada y exuberante trama incluye viajes espaciales a través de agujeros de gusano a velocidades imposibles, que ponen en juego la relatividad y sus efectos en el tiempo y en la vida de los astronautas. En términos dramáticos, no es la primera ni la única cinta que narra la historia de un rescate arriesgado. Basta mencionar Gravity, de Alfonso Cuarón, Alien y Prometeus, del propio Scott, y un largo etcétera.

En la citada cinta de Nolan, Matt Damon interpreta al astronauta Mann, que ha quedado varado en un lejano planeta al cual llegó para explorar y determinar si era viable para la vida humana. Se trata de diferentes situaciones narrativas espaciales pero resulta curioso, no obstante, el papel que interpreta Damon en ambas cintas, la de un astronauta que se queda solo y necesita ser rescatado.

Misión Rescate es una entretenida cinta de astronautas y viajes espaciales que exalta la determinación y voluntad individual de manejar los escasos recursos a la mano lo más óptimo posible, reciclándolos, en un ambiente hostil para la vida humana, así como la solidaridad del grupo de exploradores por rescatar con vida a su compañero. El guión de la cinta está basado en la novela de Andy Weir de título “El marciano”.

Siniestro 2

La terrorífica barbarie humana

Atrocidades humanas

Ricardo Martínez García

Pocas cosas perturban tanto a los espectadores como observar escenas de tortura, sean de naturaleza militar, del crimen organizado o de la maldad pura. Éste último caso es el que se presenta en la cinta de Ciarán Foy, Siniestro 2, que continúa con la línea marcada por la primera cinta.

La señora Courtney Collins (Shannyn Sossamon) y sus dos hijos, al huir de un padre abusivo y violento, se instalan en una vieja casa en una zona rural de Estados Unidos, en la que ocurrieron eventos terribles, cuyo saldo fue una familia completa asesinada. El mayor de los niños. Dylan, comienza una aparente amistad con el fantasma de otro niño, Milo, que se le aparece en medio de la noche para mostrarle cintas en las que se ven casos de familias que son sometidas a diversas formas de muerte, cada vez más crueles y malvadas, con la intención de que él a su vez haga su propia “película”.

Esta referencia a historias dentro de la historia general es un recurso que Foy repite de la primera cinta, pero su efectividad no pierde la fuerza evocadora del terror.

El ex alguacil de la primera parte (James Ransone) aparece nuevamente, tratando de resolver lo que parece ser un mito urbano, la existencia de cierto demonio, el cual aparece en diferentes lugares del mundo, causando estragos donde quiera que se le ve. Los niños son sus principales víctimas, y posteriores aliados, al ser corrompidos por ese demonio. Las cintas de los niños, más las grabaciones que encuentra un colaborador del ex alguacil, son lo suficientemente perturbadoras como para producir el escalofrío propio del terror en ciernes. Esas historias dentro de la historia presentan un atisbo de ciertas ceremonias o cultos de carácter brujeril cuyo común denominador es la crueldad sin límite.

El director logra una cinta bastante siniestra ciertamente, aunque como siempre en las cintas de este género, hay también elementos que expresan bondad y sacrificio desinteresado, elementos que hacen contrapeso a la oscuridad y a la parte siniestra de la historia. Es la vieja historia del bien contra el mal, en una de sus múltiples expresiones.

El Agente de Cipol

Amigos y adversarios

Vistazo Retro

Ricardo Martínez García

En 1953 el escritor inglés Ian Fleming publicó su primera novela en la que aparece el agente 007 James Bond, el personaje más famoso de los servicios secretos de la Corona Británica, y cuyo estilo narrtivo ha influido ampliamente en el mundo televisivo y cinematográfico. Fleming murió en 1964, luego de escribir más de una docena de novelas con Bond como protagonista.

La serie de televisión “El Agente de Cipol” fue producida entre 1964 y 1968 por la cadena norteamericana NBC. El argumento estaba ubicado durante la llamada Guerra Fría, e irónicamente dos agentes, uno norteamericano y otro ruso, se ven reunidos para enfrentar a una organización criminal que ha rebasado a las autoridades de ambas naciones. Los protagonistas eran Napoleón Solo (Robert Vaughn) e Illya Kuriakin (David McCallum).

Es de esa serie de la que toma inspiración el director británico Guy Ritchie para su nueva película “El agente de Cipol” (2015), en la que los actores Henry Cavill y Armie Hammer dan vida a Solo y a Kuryakin respectivamente. La propuesta cinematográfica de Ritchie resulta una combinación de frescura y a la vez de homenaje a la serie de los sesenta. (La franquicia que protagoniza Tom Cruise hace lo propio pero a partir de una serie más o menos contemporánea a la del Agente de Cipol: Misión Imposible).

Solo y Kuryakin compiten por rescatar a la hija de un científico nuclear alemán, el cual es obligado a construir una bomba por una organización criminal. Solo gana la partida, logrando poner a salvo a Gaby (Alicia Vikander), pero a partir de ahí se ven obligados a emprender una misión en conjunto, bajo el mando de Alexander Waverly (Hugh Grant, ya lejos de los papeles de galán), generando situaciones que van de lo combativo a lo colaborativo.

Aunque la película tarda ligeramente en tomar ritmo, cuenta con buenas dosis de humor y una trama que genera intriga y expectación. Ritchie lleva a cabo una buena película homenaje a aquella serie de televisión, cuya historia deja de lado el peligro inminente de una guerra nuclear entre las dos potencias de entonces, para centrarse en el combate a las organizaciones criminales que eventualmente representaban amenazas más inmediatas a la precaria estabilidad geopolítica durante ese periodo de la postguerra.

Como de costumbre en las cintas de Ritchie, es de destacar el sonido, así como el trabajo recopilatorio realizado para el soundtrack; mención particular merece la adecuada fotografía y el uso mesurado de los efectos especiales, dando prioridad a la escenografía y a las actuaciones.

IntensaMente

Camino a la madurez

Control y descontrol de las emociones

Ricardo Martínez García

Pete Docter, cineasta responsable de Up y de Monsters Inc., presenta en esta nueva cinta animada, IntensaMente (Inside Out, 2015), una divertida y reflexiva historia, la historia del desarrollo de nuestras emociones.

A partir del relato particular de lo que le ocurre a la feliz Riley, una vez que su padre decide dejar su hogar en Minesota, donde Riley tiene su vida, sus amigos, es parte del equipo local de jockey sobre hielo, y una serie de actividades, para ir a vivir a San Francisco, donde todo es diferente para ella, nueva escuela, amigos, situaciones familiares, etc., Docter nos muestra de manera imaginativa y divertida los estados de ánimo que van generándose en la personalidad de Riley.

De este modo, vemos desfilar en sucesión a Felicidad, Tristeza, Furia, Desagrado y Miedo como pequeños personajes que van tomando el control de las acciones y decisiones que, según el caso, va tomando Riley. Estas pocas emociones, cinco básicas del ser humano, son representadas de tal modo que resultan sumamente divertidas, pues una vez que toman las riendas de la acción de las personas, vemos cómo Riley, y en general todos, estamos bajo su dominio, y son lo que los filósofos llaman las pasiones humanas.

Riley se enfrenta a nuevas situaciones, las cuales le producen nuevas emociones, o la revisión de las antiguas y conocidas que tuvo en su lugar de origen. A medida que la historia de su nueva vida avanza, también la representación de sus emociones crece y se vuelve más compleja.

El guión, escrito por el mismo Docter y por Meg LeFauve, apela a conceptos más complejos propios de las teorías psicocognitivas, como las estructuras básicas de la memoria o de recuerdos centrales, categorizados en Familia, Amistad, Empatía, Compañerismo, etc., que Riley irá desfragmentando o destruyendo, para luego volver a configurarlos, pasando por un proceso que, en la representación imaginaria, se propone como una carrera de obstáculos de las emociones más básicas, para evitar que todo el aparato de recuerdos desaparezca. Este proceso pasa por la capacidad de procesar y abstraer las vivencias, de superar ciertas nociones propias de la infancia para pasar a las siguientes etapas del desarrollo humano: la pubertad.

Al público infantil seguramente le gustarán las escenas del viaje que emprenden Felicidad y Tristeza y la criatura imaginaria que las acompaña, con el fin de evitar que los recuerdos centrales de la Familia también queden destruidas, y al público adulto les resultarán divertidas algunas escenas entre los padres de Riley.

IntensaMente es una cinta disfrutable y a la vez reflexiva sobre los cambios que conducen al desarrollo de las emociones, para alcanzar lo que se llama madurez, en el mejor de los casos.

La noche del demonio Capítulo 3

El que busca encuentra.

Búsqueda peligrosa

Ricardo Martínez García

El tercer episodio de esta franquicia de terror es una precuela, en la que el director debutante Leight Wannell se centra en la historia de la psíquica Elise Rainier (Lyn Shaye) y del caso que la regresó de su retiro voluntario.

Sin el aspecto novedoso de la primera cinta, ni del seguimiento que se hace de la historia en la segunda, en las cuales la familia Lambert lucha contra una entidad maligna que se niega a despegarse de ellos, en esta tercera cinta el caso gira en torno a la joven Queen Brenner (Stephanie Scott), quien desea entrar en contacto con el espíritu de su madre recién fallecida.

La psíquica o vidente Elise es consultada por Queen, quien le revela que ha tratado de entrar en contacto con su madre por su cuenta. Lo que ignora Queen es que no es su madre quien responde a tal búsqueda o invocación, y lo sabrá del modo más desagradable y terrorífico posible.

Elise en un principio se muestra renuente a ayudarla, sabedora de que con las entidades del más allá no se juega, pero la intervención del padre de Queen, Sean Brenner (Dermot Mulroney) y su propio don visionario la impelen a ayudar a la joven en apuros.

El estilo de dirección de Wannell se acerca al nivel mostrado por las cintas anteriores, ambas dirigidas por James Wan (quien es director de El Conjuro y Rápidos y Furiosos 7, entre otras, y de quien Wannell es amigo y cercano colaborador como guionista), pero sí mantiene el toque sobrio, sin demasiados efectos especiales, y esa interesante representación del más allá como una especie de lugar oscuro y vacío, donde es posible encontrar la casa de la familia Brenner parecida a la real pero claramente en otro plano, siniestro y habitado por fantasmas, al que Elise tiene acceso solo en trance y gracias a su don vidente. Lo anterior no es extraño, si tenemos en cuenta que Wannell ha sido el guionista y creador de los personajes de los tres capítulos de esta franquicia.

El trabajo actoral es correcto, sobre todo de la joven Scott y de Mulroney. En el caso de Lyn Shaye con ciertas exageraciones, propias del género.

El director Wannell y el productor Wan aparecen de modo breve en la cinta, Wannell como Specs, quien junto con Tucker (Angus Sampson) y la propia Elise, crean el equipo de cazafantasmas que al final se integra, y Wan aparece como el director teatral ante quien Queen hace una presentación actoral.

Se trata de una cinta entretenida pero que muestra pocas novedades respecto a las anteriores, por lo que es recomendable sobre todo para quienes son adeptos a este género y en especial a esta franquicia.

Solo los Amantes Sobreviven

Un amor trascendente

Literatura y Música, amantes eternos.

Ricardo Martínez García

Jim Jarmusch ofrece en Solo los Amantes Sobreviven (13) una revisión, muy a su estilo, de un mito clásico de la literatura y que ha tenido una resonancia enorme en la historia de la cinematografía casi desde su inicio. Actores como Bela Lugosi, Christopher Lee y Gary Oldman han interpretado memorablemente en la pantalla grande al personaje literario más famoso de vampiros.

Tom Hiddleston (conocido por su papel de Loki, en la saga de Thor), interpreta magistral y entrañablemente a un longevo ser llamado Adam, que en su vida de ya muchos siglos, se ha encargado de explorar y desarrollar sus dotes musicales. Casado con Eve (Tilda Swinton), una lectora universal en el pleno sentido de la palabra, forman una pareja de amantes que lo han vivido y sobrevivido casi todo.

La cinta cuenta con un sentido del humor ácido, mordaz y ligeramente pretensioso. Para Adam y Eve, y en general para los que son como ellos, los humanos comunes y corrientes, mortales, somos los “zombies”, los que deambulamos por la vida casi sin tener conciencia de ello.

Adam, como brillante músico, compone melodías melancólicas, oscuras y densas de acuerdo a la época en la que se encuentra viviendo, pero su música es algo completamente personal, o al menos así lo piensa él. Su trato con los zombies se reduce al mínimo, como por ejemplo con su proveedor de instrumentos musicales Ian (Anton Yelchin) o con el doctor Watson (Jeffrey Wright), pero con los “otros” iguales a él es nulo, a excepción de su esposa Eve. Juntos forman una pareja demasiado cool para cualquier época, mucho más glamorosos que cualquier estrella de rock.

Es característica de las cintas de Jarmusch contar con una banda sonora de primer nivel. Ghost Dog, Dead Man y la referida Only Lovers Left Alive son un ejemplo de esto. A lo largo de la cinta escuchamos clásicos como “Red eyes and tears” de Black Rebel Motorcylce Club, “Funnel Of Love” de Wanda Jackson, “Can´t hardly stand it” de Charlie Feathers, entre otras, que nos hacen concebir a Adam como un melómano irredento que solo vive para su música y para su mundo interior, nuevamente con la excepción de su esposa Eve. Ella por su parte es una amante de la poesía universal. Estos seres maravillosos se nos muestran refinados y cultos, divirtiéndose a su modo en paseos nocturnos, comentando sobre la vida de Jack White, su casa y su condición de séptimo hijo, o sobre Christopher Marlowe que, nos revelan, fue el verdadero escritor de “Hamlet”, atribuido a un iletrado llamado Shakespeare.

En su pretensión los personajes resultan entrañables y muy divertidos y las actuaciones de Swinton y Hiddleston son excepcionales. Una cinta que no debe dejar de verse.

Lugares Oscuros

Correcciones al pasado

Ricardo Martínez García

La parte oscura o negativa de una sociedad, de una cultura o de las propias personas son algo que por lo general permanece oculta o ignorada. Tal es una de las fuentes narrativas de Gillian Flynn, novelista británica y guionista de cine, de quien al menos un par de novelas han llegado a la pantalla grande en nuestro país.

Lugares oscuros (15), dirigida por el cienasta francés Gilles Paquet-Brenner, es un drama de gran intensidad, que toca las fibras más íntimas de la Norteamérica profunda, provinciana, y que delata la falta de rigor en las investigaciones de algunos crímenes que marcaron tanto a los involucrados directamente, como a las sociedades locales donde ocurrieron tales hechos.

Sin estar basada concretamente en algún caso real, la cinta se refiere al caso de una madre de familia y dos de sus hijas que fueron asesinadas. Dos hermanos sobreviven, el mayor es acusado por la menor de haber cometido el crimen, por lo cual éste es encarcelado y a la espera de ser ejecutado. En el caso hay situaciones de un supuesto culto satánico, lo que agrava la situación del hermano mayor.

El drama narrativo se desarrolla con constantes flashbacks que permiten al espectador reconstruir el caso, reabierto a instancias de un club de aficionados a resolver casos célebres, y que muestra los prejuicos que subyacen en una sociedad.

Libby Day (Charlize Theron) es la hermana menor, pero ya adulta, que es buscada por el tesorero y representante de “The Kill Club”, Lylle Wirth (Nicolas Hoult), para que les ofrezca detalles de su caso, sucedido 25 años antes. Tal petición confrontará a Libby con sus recuerdos y con su hermano Ben (Corey Stoll), y la llevará a una investigación que revelará situaciones insospechadas hasta el momento.

Libby y Lylle forman así una pareja de investigadores que conduce los hilos narrativos de la película. (Algo parecido ocurre con estos dos actores, Theron y Hoult, en la cinta de George Miller Mad Max Fury Road, con sus papeles de Imperator Furiosa y de Nux).

Sin duda Charlize Theron es una de las actrices más versátiles y talentosas, ganadora ya de un Oscar por su actuación en la cinta Monster del 2003. Su trabajo es una garantía de calidad actoral. Por su parte Nicolas Hoult es un joven actor que se va abriendo camino, con importantes roles en cintas como X-Men Primera Generación y su secuela, Lucha de Titanes y otras más. La joven Clöe Grace-Moretz es otra actriz cuyo trabajo también es digno de destacar, no solo en esta cinta sino en todas en las que ha intervenido.

Lugares oscuros es una cinta de bajo presupuesto, comparada con el de Mad Max, con una intensidad dramática de distinta índole, mucho más realista, y cuya realización cinematográfica es bastante recomendable.