El tren de Miedo

Vía a la Subversión

Hacia el futuro

Ricardo Martínez García

 

El director surcoreano Bong Joon-Ho realizó en 2013 su primera película en inglés, El Expreso del Miedo (Snowpierce) una metáfora de la vida social moderna, de su configuración marcadamente clasista y con una ambientación casi apocalíptica, de clara inclinación pesimista. A poco más de dos años de su estreno en Corea, la cinta llega a México.

Para combatir el calentamiento global, se lleva a cabo un experimento que falla totalmente y lleva al planeta a un estado inverso al calentamiento, muy parecido a una era glaciar. Los pocos sobrevivientes son los que compraron un boleto para viajar en un tren llamado Snowpierce, una máquina formidable de movimiento continuo, concebido como una especie de arca de Noé, gracias a la previsión de su constructor y dueño, el señor Wilford.

El tren es todo un sistema social y ecológico completo pero en miniatura, autosustentable, donde viajan juntos dos grandes grupos humanos, los pobres y los ricos. Los pobres viven hacinados en pequeños espacios, dada su cantidad, en los vagones traseros, mientras que los ricos viajan cómodamente en los carros delanteros. Ante la represión de la que son objeto los pobres, surge un líder que decide llegar hasta el primer vagón y apoderarse del tren, Curtis Everett; en su lucha arrastra a los más audaces, pero los ricos, controladores de los cuerpos de seguridad, se opondrán a su avance.

El guión está basado en la novela gráfica escrita por los franceses Jaques Lob, Benjamin Legrand y Jean Marc Rochette titulada Le Transperceneige.

Cuando Everett termina de atravesar el tren (travesía que es como ir de una siniestra oscuridad a una insospechada vida luminosa, relajada y hasta disipada), finalmente se entrevista con el señor Wilford. De esa entrevista, se puede proponer un conjunto de ideas y reflexiones, una de las cuales es que el tren es una metáfora de la vida: pobres y ricos van en él, cada grupo ocupando naturalmente el lugar que le corresponde, de acuerdo a lo que pudo comprar, a su nacimiento o a su suerte, pero cuyo destino no es la vida eterna, como parece ser el propio tren. Pareciera entonces que la humanidad en realidad se engaña cuando supone que vive de acuerdo a una idea de libertad (más los ricos que los pobres), o de que puede invertir o trastocar la estructura social a la que pertenece. El final de la cinta parece mostrar un pequeño atisbo de esperanza, pero al costo de una gran subversión.

Joon-Ho dirige a un gran elenco, en el que hace brillar como actor de carácter a Chris Evans (alejándolo de su papel de Capitán América), y saca una vez más lo mejor de los veteranos Tilda Swinton, John Hurt y Ed Harris. Se trata de una cinta interesante y entretenida, pero que se presta para comentarios más profundos.

Misión Rescate

Perdido en el espacio

Uso óptimo de recursos

Ricardo Martínez García

El veterano director británico Ridley Scott, conocido por cintas como Alien, El octavo pasajero, Blade Runner, Prometeus, etc., ofrece en su recién estrenada cinta “Misión Rescate” (The Martian, 15) una historia de ciencia ficción (género en el que se ha convertido en un referente obligado) centrada en un astronauta que debe sobrevivir en el desolado planeta Marte, luego de que sus compañeros lo abandonan -creyéndolo muerto- tras una tormenta que amenazaba con acabar con la misión completa.

El astronauta y doctor Mark Watney (Matt Damon) se enfrenta así a un panorama muy complicado, el cual le obliga a sacar todos sus conocimientos biológicos, químicos, matemáticos, con el fin de preservar la vida en la reducida estación marciana, mientras espera a que su rescate sea posible, una vez que logra comunicarse con la NASA.

Los altos mandos de la agencia espacial hacen de la supervivencia de Mark primero un secreto, y luego de pensarlo bien, lo enarbolan como la mejor bandera de la NASA para apoyar sus programas espaciales, ganándose a la opinión pública internacional (y de paso la ayuda de la agencia espacial china). Mientras tanto, sus compañeros son informados de la supervivencia de Watney y sin tardanza deciden unánimemente arriesgar su propio regreso para ir a rescatarlo.

El argumento de la cinta, en términos de ciencia, resulta sencillo (no muy lejos de lo posible), si lo comparamos con otra película del mismo género, Interestelar (14) de Christopher Nolan, cuya complicada y exuberante trama incluye viajes espaciales a través de agujeros de gusano a velocidades imposibles, que ponen en juego la relatividad y sus efectos en el tiempo y en la vida de los astronautas. En términos dramáticos, no es la primera ni la única cinta que narra la historia de un rescate arriesgado. Basta mencionar Gravity, de Alfonso Cuarón, Alien y Prometeus, del propio Scott, y un largo etcétera.

En la citada cinta de Nolan, Matt Damon interpreta al astronauta Mann, que ha quedado varado en un lejano planeta al cual llegó para explorar y determinar si era viable para la vida humana. Se trata de diferentes situaciones narrativas espaciales pero resulta curioso, no obstante, el papel que interpreta Damon en ambas cintas, la de un astronauta que se queda solo y necesita ser rescatado.

Misión Rescate es una entretenida cinta de astronautas y viajes espaciales que exalta la determinación y voluntad individual de manejar los escasos recursos a la mano lo más óptimo posible, reciclándolos, en un ambiente hostil para la vida humana, así como la solidaridad del grupo de exploradores por rescatar con vida a su compañero. El guión de la cinta está basado en la novela de Andy Weir de título “El marciano”.

Siniestro 2

La terrorífica barbarie humana

Atrocidades humanas

Ricardo Martínez García

Pocas cosas perturban tanto a los espectadores como observar escenas de tortura, sean de naturaleza militar, del crimen organizado o de la maldad pura. Éste último caso es el que se presenta en la cinta de Ciarán Foy, Siniestro 2, que continúa con la línea marcada por la primera cinta.

La señora Courtney Collins (Shannyn Sossamon) y sus dos hijos, al huir de un padre abusivo y violento, se instalan en una vieja casa en una zona rural de Estados Unidos, en la que ocurrieron eventos terribles, cuyo saldo fue una familia completa asesinada. El mayor de los niños. Dylan, comienza una aparente amistad con el fantasma de otro niño, Milo, que se le aparece en medio de la noche para mostrarle cintas en las que se ven casos de familias que son sometidas a diversas formas de muerte, cada vez más crueles y malvadas, con la intención de que él a su vez haga su propia “película”.

Esta referencia a historias dentro de la historia general es un recurso que Foy repite de la primera cinta, pero su efectividad no pierde la fuerza evocadora del terror.

El ex alguacil de la primera parte (James Ransone) aparece nuevamente, tratando de resolver lo que parece ser un mito urbano, la existencia de cierto demonio, el cual aparece en diferentes lugares del mundo, causando estragos donde quiera que se le ve. Los niños son sus principales víctimas, y posteriores aliados, al ser corrompidos por ese demonio. Las cintas de los niños, más las grabaciones que encuentra un colaborador del ex alguacil, son lo suficientemente perturbadoras como para producir el escalofrío propio del terror en ciernes. Esas historias dentro de la historia presentan un atisbo de ciertas ceremonias o cultos de carácter brujeril cuyo común denominador es la crueldad sin límite.

El director logra una cinta bastante siniestra ciertamente, aunque como siempre en las cintas de este género, hay también elementos que expresan bondad y sacrificio desinteresado, elementos que hacen contrapeso a la oscuridad y a la parte siniestra de la historia. Es la vieja historia del bien contra el mal, en una de sus múltiples expresiones.

El Agente de Cipol

Amigos y adversarios

Vistazo Retro

Ricardo Martínez García

En 1953 el escritor inglés Ian Fleming publicó su primera novela en la que aparece el agente 007 James Bond, el personaje más famoso de los servicios secretos de la Corona Británica, y cuyo estilo narrtivo ha influido ampliamente en el mundo televisivo y cinematográfico. Fleming murió en 1964, luego de escribir más de una docena de novelas con Bond como protagonista.

La serie de televisión “El Agente de Cipol” fue producida entre 1964 y 1968 por la cadena norteamericana NBC. El argumento estaba ubicado durante la llamada Guerra Fría, e irónicamente dos agentes, uno norteamericano y otro ruso, se ven reunidos para enfrentar a una organización criminal que ha rebasado a las autoridades de ambas naciones. Los protagonistas eran Napoleón Solo (Robert Vaughn) e Illya Kuriakin (David McCallum).

Es de esa serie de la que toma inspiración el director británico Guy Ritchie para su nueva película “El agente de Cipol” (2015), en la que los actores Henry Cavill y Armie Hammer dan vida a Solo y a Kuryakin respectivamente. La propuesta cinematográfica de Ritchie resulta una combinación de frescura y a la vez de homenaje a la serie de los sesenta. (La franquicia que protagoniza Tom Cruise hace lo propio pero a partir de una serie más o menos contemporánea a la del Agente de Cipol: Misión Imposible).

Solo y Kuryakin compiten por rescatar a la hija de un científico nuclear alemán, el cual es obligado a construir una bomba por una organización criminal. Solo gana la partida, logrando poner a salvo a Gaby (Alicia Vikander), pero a partir de ahí se ven obligados a emprender una misión en conjunto, bajo el mando de Alexander Waverly (Hugh Grant, ya lejos de los papeles de galán), generando situaciones que van de lo combativo a lo colaborativo.

Aunque la película tarda ligeramente en tomar ritmo, cuenta con buenas dosis de humor y una trama que genera intriga y expectación. Ritchie lleva a cabo una buena película homenaje a aquella serie de televisión, cuya historia deja de lado el peligro inminente de una guerra nuclear entre las dos potencias de entonces, para centrarse en el combate a las organizaciones criminales que eventualmente representaban amenazas más inmediatas a la precaria estabilidad geopolítica durante ese periodo de la postguerra.

Como de costumbre en las cintas de Ritchie, es de destacar el sonido, así como el trabajo recopilatorio realizado para el soundtrack; mención particular merece la adecuada fotografía y el uso mesurado de los efectos especiales, dando prioridad a la escenografía y a las actuaciones.

IntensaMente

Camino a la madurez

Control y descontrol de las emociones

Ricardo Martínez García

Pete Docter, cineasta responsable de Up y de Monsters Inc., presenta en esta nueva cinta animada, IntensaMente (Inside Out, 2015), una divertida y reflexiva historia, la historia del desarrollo de nuestras emociones.

A partir del relato particular de lo que le ocurre a la feliz Riley, una vez que su padre decide dejar su hogar en Minesota, donde Riley tiene su vida, sus amigos, es parte del equipo local de jockey sobre hielo, y una serie de actividades, para ir a vivir a San Francisco, donde todo es diferente para ella, nueva escuela, amigos, situaciones familiares, etc., Docter nos muestra de manera imaginativa y divertida los estados de ánimo que van generándose en la personalidad de Riley.

De este modo, vemos desfilar en sucesión a Felicidad, Tristeza, Furia, Desagrado y Miedo como pequeños personajes que van tomando el control de las acciones y decisiones que, según el caso, va tomando Riley. Estas pocas emociones, cinco básicas del ser humano, son representadas de tal modo que resultan sumamente divertidas, pues una vez que toman las riendas de la acción de las personas, vemos cómo Riley, y en general todos, estamos bajo su dominio, y son lo que los filósofos llaman las pasiones humanas.

Riley se enfrenta a nuevas situaciones, las cuales le producen nuevas emociones, o la revisión de las antiguas y conocidas que tuvo en su lugar de origen. A medida que la historia de su nueva vida avanza, también la representación de sus emociones crece y se vuelve más compleja.

El guión, escrito por el mismo Docter y por Meg LeFauve, apela a conceptos más complejos propios de las teorías psicocognitivas, como las estructuras básicas de la memoria o de recuerdos centrales, categorizados en Familia, Amistad, Empatía, Compañerismo, etc., que Riley irá desfragmentando o destruyendo, para luego volver a configurarlos, pasando por un proceso que, en la representación imaginaria, se propone como una carrera de obstáculos de las emociones más básicas, para evitar que todo el aparato de recuerdos desaparezca. Este proceso pasa por la capacidad de procesar y abstraer las vivencias, de superar ciertas nociones propias de la infancia para pasar a las siguientes etapas del desarrollo humano: la pubertad.

Al público infantil seguramente le gustarán las escenas del viaje que emprenden Felicidad y Tristeza y la criatura imaginaria que las acompaña, con el fin de evitar que los recuerdos centrales de la Familia también queden destruidas, y al público adulto les resultarán divertidas algunas escenas entre los padres de Riley.

IntensaMente es una cinta disfrutable y a la vez reflexiva sobre los cambios que conducen al desarrollo de las emociones, para alcanzar lo que se llama madurez, en el mejor de los casos.

La noche del demonio Capítulo 3

El que busca encuentra.

Búsqueda peligrosa

Ricardo Martínez García

El tercer episodio de esta franquicia de terror es una precuela, en la que el director debutante Leight Wannell se centra en la historia de la psíquica Elise Rainier (Lyn Shaye) y del caso que la regresó de su retiro voluntario.

Sin el aspecto novedoso de la primera cinta, ni del seguimiento que se hace de la historia en la segunda, en las cuales la familia Lambert lucha contra una entidad maligna que se niega a despegarse de ellos, en esta tercera cinta el caso gira en torno a la joven Queen Brenner (Stephanie Scott), quien desea entrar en contacto con el espíritu de su madre recién fallecida.

La psíquica o vidente Elise es consultada por Queen, quien le revela que ha tratado de entrar en contacto con su madre por su cuenta. Lo que ignora Queen es que no es su madre quien responde a tal búsqueda o invocación, y lo sabrá del modo más desagradable y terrorífico posible.

Elise en un principio se muestra renuente a ayudarla, sabedora de que con las entidades del más allá no se juega, pero la intervención del padre de Queen, Sean Brenner (Dermot Mulroney) y su propio don visionario la impelen a ayudar a la joven en apuros.

El estilo de dirección de Wannell se acerca al nivel mostrado por las cintas anteriores, ambas dirigidas por James Wan (quien es director de El Conjuro y Rápidos y Furiosos 7, entre otras, y de quien Wannell es amigo y cercano colaborador como guionista), pero sí mantiene el toque sobrio, sin demasiados efectos especiales, y esa interesante representación del más allá como una especie de lugar oscuro y vacío, donde es posible encontrar la casa de la familia Brenner parecida a la real pero claramente en otro plano, siniestro y habitado por fantasmas, al que Elise tiene acceso solo en trance y gracias a su don vidente. Lo anterior no es extraño, si tenemos en cuenta que Wannell ha sido el guionista y creador de los personajes de los tres capítulos de esta franquicia.

El trabajo actoral es correcto, sobre todo de la joven Scott y de Mulroney. En el caso de Lyn Shaye con ciertas exageraciones, propias del género.

El director Wannell y el productor Wan aparecen de modo breve en la cinta, Wannell como Specs, quien junto con Tucker (Angus Sampson) y la propia Elise, crean el equipo de cazafantasmas que al final se integra, y Wan aparece como el director teatral ante quien Queen hace una presentación actoral.

Se trata de una cinta entretenida pero que muestra pocas novedades respecto a las anteriores, por lo que es recomendable sobre todo para quienes son adeptos a este género y en especial a esta franquicia.

Solo los Amantes Sobreviven

Un amor trascendente

Literatura y Música, amantes eternos.

Ricardo Martínez García

Jim Jarmusch ofrece en Solo los Amantes Sobreviven (13) una revisión, muy a su estilo, de un mito clásico de la literatura y que ha tenido una resonancia enorme en la historia de la cinematografía casi desde su inicio. Actores como Bela Lugosi, Christopher Lee y Gary Oldman han interpretado memorablemente en la pantalla grande al personaje literario más famoso de vampiros.

Tom Hiddleston (conocido por su papel de Loki, en la saga de Thor), interpreta magistral y entrañablemente a un longevo ser llamado Adam, que en su vida de ya muchos siglos, se ha encargado de explorar y desarrollar sus dotes musicales. Casado con Eve (Tilda Swinton), una lectora universal en el pleno sentido de la palabra, forman una pareja de amantes que lo han vivido y sobrevivido casi todo.

La cinta cuenta con un sentido del humor ácido, mordaz y ligeramente pretensioso. Para Adam y Eve, y en general para los que son como ellos, los humanos comunes y corrientes, mortales, somos los “zombies”, los que deambulamos por la vida casi sin tener conciencia de ello.

Adam, como brillante músico, compone melodías melancólicas, oscuras y densas de acuerdo a la época en la que se encuentra viviendo, pero su música es algo completamente personal, o al menos así lo piensa él. Su trato con los zombies se reduce al mínimo, como por ejemplo con su proveedor de instrumentos musicales Ian (Anton Yelchin) o con el doctor Watson (Jeffrey Wright), pero con los “otros” iguales a él es nulo, a excepción de su esposa Eve. Juntos forman una pareja demasiado cool para cualquier época, mucho más glamorosos que cualquier estrella de rock.

Es característica de las cintas de Jarmusch contar con una banda sonora de primer nivel. Ghost Dog, Dead Man y la referida Only Lovers Left Alive son un ejemplo de esto. A lo largo de la cinta escuchamos clásicos como “Red eyes and tears” de Black Rebel Motorcylce Club, “Funnel Of Love” de Wanda Jackson, “Can´t hardly stand it” de Charlie Feathers, entre otras, que nos hacen concebir a Adam como un melómano irredento que solo vive para su música y para su mundo interior, nuevamente con la excepción de su esposa Eve. Ella por su parte es una amante de la poesía universal. Estos seres maravillosos se nos muestran refinados y cultos, divirtiéndose a su modo en paseos nocturnos, comentando sobre la vida de Jack White, su casa y su condición de séptimo hijo, o sobre Christopher Marlowe que, nos revelan, fue el verdadero escritor de “Hamlet”, atribuido a un iletrado llamado Shakespeare.

En su pretensión los personajes resultan entrañables y muy divertidos y las actuaciones de Swinton y Hiddleston son excepcionales. Una cinta que no debe dejar de verse.

Lugares Oscuros

Correcciones al pasado

Ricardo Martínez García

La parte oscura o negativa de una sociedad, de una cultura o de las propias personas son algo que por lo general permanece oculta o ignorada. Tal es una de las fuentes narrativas de Gillian Flynn, novelista británica y guionista de cine, de quien al menos un par de novelas han llegado a la pantalla grande en nuestro país.

Lugares oscuros (15), dirigida por el cienasta francés Gilles Paquet-Brenner, es un drama de gran intensidad, que toca las fibras más íntimas de la Norteamérica profunda, provinciana, y que delata la falta de rigor en las investigaciones de algunos crímenes que marcaron tanto a los involucrados directamente, como a las sociedades locales donde ocurrieron tales hechos.

Sin estar basada concretamente en algún caso real, la cinta se refiere al caso de una madre de familia y dos de sus hijas que fueron asesinadas. Dos hermanos sobreviven, el mayor es acusado por la menor de haber cometido el crimen, por lo cual éste es encarcelado y a la espera de ser ejecutado. En el caso hay situaciones de un supuesto culto satánico, lo que agrava la situación del hermano mayor.

El drama narrativo se desarrolla con constantes flashbacks que permiten al espectador reconstruir el caso, reabierto a instancias de un club de aficionados a resolver casos célebres, y que muestra los prejuicos que subyacen en una sociedad.

Libby Day (Charlize Theron) es la hermana menor, pero ya adulta, que es buscada por el tesorero y representante de “The Kill Club”, Lylle Wirth (Nicolas Hoult), para que les ofrezca detalles de su caso, sucedido 25 años antes. Tal petición confrontará a Libby con sus recuerdos y con su hermano Ben (Corey Stoll), y la llevará a una investigación que revelará situaciones insospechadas hasta el momento.

Libby y Lylle forman así una pareja de investigadores que conduce los hilos narrativos de la película. (Algo parecido ocurre con estos dos actores, Theron y Hoult, en la cinta de George Miller Mad Max Fury Road, con sus papeles de Imperator Furiosa y de Nux).

Sin duda Charlize Theron es una de las actrices más versátiles y talentosas, ganadora ya de un Oscar por su actuación en la cinta Monster del 2003. Su trabajo es una garantía de calidad actoral. Por su parte Nicolas Hoult es un joven actor que se va abriendo camino, con importantes roles en cintas como X-Men Primera Generación y su secuela, Lucha de Titanes y otras más. La joven Clöe Grace-Moretz es otra actriz cuyo trabajo también es digno de destacar, no solo en esta cinta sino en todas en las que ha intervenido.

Lugares oscuros es una cinta de bajo presupuesto, comparada con el de Mad Max, con una intensidad dramática de distinta índole, mucho más realista, y cuya realización cinematográfica es bastante recomendable.   

Los Vengadores, La Era De Ultrón

Peligrosa robotización

Invención vs. inventor

Ricardo Martínez García

Más allá del alarde de efectos visuales digitales, de trepidantes combates entre los Vengadores y una serie de enemigos, primero humanos y luego robóticos, la nueva cinta de la franquicia, Los Vengadores, La Era de Ultrón (15), de Josh Whedon, propone algunas ideas sobre los peligros de la automatización, en torno a temas que de por sí son complejos para el discernimiento puramente humano.

Luego de comabtir contra una sociedad criminal secreta llamada Hydra, los Vengadores se toman un respiro. Tony Stark, en su idealista intento por preservar la paz mundial, proyecta el diseño de un robot capaz de pensar por sí mismo. Pero un descuido provoca el caos y posteriormente una destrucción atroz en algún país de Europa oriental.

El robot autónomo llamado Ultrón (con la voz de James Spader), al tomar conciencia de un modo obscuro -una conciencia que se forma y permanece al parecer en la realidad virtual de internet, algo como lo visto en la cinta Ella (13), de Spike Jonze-, planea la destrucción de la humanidad, contraviniendo de este modo las tres leyes de la robótica planteadas por Issac Asimov, pues su programación es para preservar la paz mundial, por encima de la propia humanidad.

La trama de la cinta introduce algunos pequeños nuevos elementos personales de los Vengadores, en un intento por mostrarlos más humanos. El Capitán América (Chris Evans) le recuerda al doctor Banner (Mark Ruffalo) que él es experto en tardarse demasiado, cuando observa el naciente romance del doctor con la bella Natasha Romanoff, la Viuda Negra (Scarlett Johansson), y en referencia a aquel baile no consumado con la agente Carter.

La visita a la familia de Clint Barton, alias Hawkeye, representa un descanso, un refugio para los agotados Vengadores, pero a la vez es un recordatorio de las razones por las cuales deben luchar contra Ultrón.

El intento de Ironman por llevar a cabo un programa que les permitiera a los Vengadores tomarse unas vacaciones, o evadir al menos por un tiempo sus responsabilidades de súper héroes ante las amenazas de los malos, da por resultado un descuido, casi fatal, en el desarrollo de sus propias creaciones. Este intento representa una alegoría fílmica de lo que la ciencia humana puede contener de destructiva en sí misma.

La inclusión de nuevos personajes como La Bruja Escarlata (Elizabeth Olsen), Quicksilver (Aaron Taylor-Johnson) y de Visión (Paul Bettany) son las novedades que presenta secuela, la más reciente de la saga de los Vengadores.

Crímenes ocultos

Infancia y guerra

El peso de la ideología

Ricardo Martínez García.

La cinta Crímenes Ocultos (15), está basada en el libro de Tom Rob Smith, Child 44, que corresponde al título original de la película. Se trata de un niño huérfano, producto de las situaciones sociales generadas en Rusia, luego de la Revolución Bolchevique y sus consecuencias, pues al consolidarse Stalin en el poder, realizó un barrido de opositores a sus políticas industrializadoras, conocido como la Gran Purga, en 1930, lo cual dio como resultado una gran cantidad de niños huérfanos. Tal es la historia al menos, que se cuenta al inicio de la cinta.

Dirigida por Daniel Espinosa, la película se centra en un niño que logra sobrevivir al orfanato, volverse soldado y convertirse en un propagandístico héroe de guerra. Este soldado, Leo Demidov (Tom Hardy) se convierte en un policía del estado. Consigue casarse con Raisa (Noomi Rapace) y ambos viven en un denso y adverso ambiente político.

La trama poco a poco nos deja ver algunos aspectos del terror, el control, la censura o la completa intolerancia a cualquier otra verdad que no sea la que emiten las instituciones políticas, dominadas por una ideología que defiende a ultranza al régimen comunista. “En el paraíso no hay asesinatos” es una frase que se enarbola como bandera de identidad de lo que supuestamente es el régimen comunista instaurado por Stalin: un paraíso. Lejos de eso, sí que había asesinatos, pero en la versión oficial son convertidos y reportados como meros accidentes.

El descontento y la descomposición social que va generando esa ideología apologetizadora del comunismo ante un decadente capitalsmo (que también tiene sus propios pecados), produjo más dramas de las que es capaz de evocar la cinta.

La denuncia social implícita se vuelve un motivo de reflexión, ante las nuevas formas de ideología y de propaganda que nos han tocado vivir en esta era de la globalización, pero se va diluyendo conforme avanza la película, enfocada ya en el caso detectivesco que desarrolla Leo, quien logra la colaboración de un general retirado, Mikhail Nesterov (Gary Oldman), en la búsqueda del llamado carnicero de Rostov. Tal búsqueda los llevará a descubrir graves secretos.

Las actuaciones de Rapace y de Hardy son de lo mejor de la cinta, la cual, luego de un inicio más o menos histórico confuso, se consolida como un thriller, que va ganando en emociones conforme se acerca al final. Raisa se da cuenta de que su esposo Leo es diferente a los demás miembros de la policía estatal, cuya sola presencia generaba temor a los que los trataban. Buena cinta para un fin de semana.

Pulp, una Película sobre la Vida, la Muerte y los Supermercados

Todos somos Comunes

Toda una experiencia musical

Ricardo Martínez García.

El grupo de rock pop británico Pulp se formó en la ciudad de Sheffield, Yorkshire, Gran Bretaña, en el año de 1978, y publicó su primer disco en 1983. Desde entonces editó 6 álbumes más en estudio, así como diferentes compilaciones y sencillos. Algunas de sus canciones marcaron a varias generaciones de adolescentes, que se identificaban con las letras, compuestas por el líder y cantante del grupo, Jarvis Cocker.

Como ha ocurrido con algunos grupos británicos, Pulp cuenta con una historia poco usual pero no rara entre los grupos británicos, donde en cada álbum se observa una constante evolución y desarrollo en sus conceptos musicales, aunque sin perder su identidad, primero moviéndose en el terreno underground y evolucionando a un pop rock muy sofisticado.

Es este grupo el tema de este documental musical, dirigido por Florian Habicht, titulado Pulp, una Película sobre la Vida, la Muerte y los Supermercados (14), que muestra a Cocker y a otros miembros de la banda dando testimonios, opiniones e impresiones acerca de su trabajo como músicos, y la trascendencia que tuvieron. Es así como vemos momentos intensos de algunos de sus conciertos, o de personas cantando las canciones del grupo, como un coro de mujeres cantando Common People, o los ancianos de algún asilo cantando Help the Aged, entre algunas de las más conocidas.

El director enfatiza la idea de que aunque fue una banda reconocida internacionalmente (estuvieron de gira en México en el año 2012, presentándose en el Palacio de los Deportes en el mes de abril) no se sintieron en ningún momento como los grandes astros de la escena del rock. Más bien los muestra como personas comunes y corrientes que cantaban canciones sobre la vida, el amor, la muerte, la cotidianidad, pero desde un enfoque tal vez crítico, analítico y muy honesto. De tal modo que vemos a Cocker y a los demás miembros de Pulp hablando de su experiencia de haber sido una de las bandas más influyentes en la escena musical, desde sus casas, o mientras cambian una llanta a su vehículo compacto. Se trata de un documental no solo para los grandes seguidores del grupo, sino para cualquiera que guste de la música con mensaje.

Por cierto, Jarvis Cocker participó en la composición de tres pistas del soundtrack de la cinta Harry Potter y el Cáliz de Fuego, en el 2005, para lo cual formó un grupo llamado The Weird Sisters.

Rápidos y furiosos 7

Despedida a Paul Walker

El final

Ricardo Martínez García

James Wan, director de El Conjuro y La noche del Demonio, y productor de la serie de televisión American Horror Story, explora adecuadamente una vertiente cinematográfica del género de acción en esta cinta, la más reciente y la última, de la saga de Rápidos y Furiosos, dedicada al actor Paul Walker, quien falleciera en noviembre del 2013.

El viejo equipo de corredores de autos callejeros, formado por Toretto, Brian, Letty, Roman y Tej (Diesel, Walker, Rodriguez, Gibbson y Bridges) se convierte en una espece de espías internacionales, al estilo de Misión Imposible, que deberá lidiar con dos situaciones más que problemáticas: por un lado rescatar a una hacker creadora de un súper programa de software llamado “el ojo de Dios” (versión actual de un Big Brother asentado en internet), secuestrada por miembros de alguna mafia de la Europa Oriental, y que planean hacer cosas muy malas con tal programa, y por otro lado lidiar con el más que violento y destructivo hermano mayor de uno de sus enemigos, muerto al enfrentarse con el equipo en la cinta anterior.

La inclusión de actores como Jason Statham y Kurt Russell le da a Furiosos 7 una revitalización que ya necesitaba, además del carácter nostálgico que de por sí tiene luego de la muerte de Paul Walker. Statham es un conocido actor especialista en escenas de acción, peleas, conductor de autos, etc., que entra a la franquicia como anillo al dedo donde aparece como Ian Shaw, un ex miembro de las fuerzas especiales inglesas que desea vengar la muerte de su hermano Owen (Luke Evans), al costo que sea.

Con escenas inverosímiles, como caídas libres con todo y carros, la trama fluye tan rápido como la acción, el equipo se las arregla, en cooperación con alguna agencia del gobierno para ir a Ucrania o algún lugar inhóspito, y luego trasladarse a Dubai y armar destrozos y peleas dentro de hoteles de gran lujo, en la búsqueda de ese programa capaz de buscar a cualquier persona usando todas las cámaras conectadas a la red (como en la serie Persona de Interés), que mantienen al espectador atento y entretenido.

Las exageraciones en las escenas de acción, así como la invulnerabilidad que muestran los personajes ante la lluvia de balas y destrozos es parte esencial de esta cinta, así como en las anteriores, y no hace falta decir que para disfrutar de esta cinta, hace falta jugar el juego de conceder verosimilitud, por más fantasiosas que sean, a tales escenas. En el cine todo es posible.

Hadewijch, entre la fe y la pasión

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Entre el misticismo y el fanatismo

Ricardo Martínez García

Los caminos de la fe pareciera que son a veces incomprensibles aún para aquellos que la profesan. Tal es el caso de Celine (Julie Sokolowski), una joven parisina postulante a monja y estudiosa de teología que vive la fe cristiana como ella la entiende –con sacrificio corporal y oración constante, con cierto estilo medieval atormentado- pero que no encuentra comprensión en la comunidad religiosa a la que quiere pertenecer. La manera de vivir su religiosidad, considerada exagerada, provoca que sea invitada por la madre superiora a regresar al mundo, pero ella sigue enamorada de Jesús, vive para él.

Al ser alejada del mundo religioso, ambiente en el que mejor podría desarrollar ese amor por Cristo, Celine va dando tumbos hasta llegar a sentir la necesidad de auxilio de un comprometido fiel musulmán llamado Nassir (Karl Sarafidis), que entiende también su fe como estudio y oración, pero igual como compromiso de acción. Este modo de pensar coloca a Celine en una situación en la que cree ser un instrumento de Dios extrañamente desde el catolicismo hacia el islamismo, con consecuencias funestas.

¿Qué hace creer a Celine que Dios la puso en el camino de esa facción del Islam a la que pertenece Nassir que ve en la violencia un radical modo de actuar?

El director de la cinta Hadewijch, Entre la Fe y la Pasión (09), Bruno Dumont, pone de relieve el hecho de la fortaleza de la fe de Celine y su conexión con Dios. En una de las escenas iniciales se ve a Celine orando, pero mientras lo hace, es como si el mundo exterior se detuviera con el fin de dejarla entrar en esa conexión divina. ¿Se trata de una santa o de una extrema fanática? Celine es estudiante de teología, pero ¿qué teología podría sustentar las ideas radicales de la violencia extrema?

Al final Celine vive atormentada pues se da cuenta de que sus acciones con Nassir, derivadas de su visita o peregrinaje juntos a Oriente Medio (en el que Celine atestigua la destrucción que producen los bombardeos y la muerte de gente inocente, lo que la hace llorar, pero Nassir la conmina a no hacerlo porque eso hace explícita la humillación de las víctimas) tienen consecuencias desastrosas. Se siente abandonada de Dios y decide escapar de tal situación. ¿Le llegará la redención a esta atribulada llena de fe?

Se trata de una película de tinte religioso, interesante desde el punto de vista particular de Celine, aunque requiere de cierto tipo de conocimiento sobre la lucha que con frecuencia se establece entre religión y política, entre misticismo y fanatismo. Hadewijch fue una poetisa mística que vivió en el siglo XIII en lo que ahora es la frontera entre Bélgica y Holanda. Al parecer también es el nombre del convento en el que Celine quiere vivir.

Kingsman, The Secret Service

Competencia al 007

Los nuevos caballeros

Ricardo Martínez García

La nueva cinta de Matthew Vaughn , quien ha dirigido entre otras las películas Kick Ass 1 y X-Men Primera Generación, está basada en la serie de cómics de espías escritos por Mark Millar y Dave Gibbons titulada Kingsman Servicio Secreto (15).

Un ñoño y rico empresario de las telecomunicaciones, Richmond Valentine (Samuel L. Jackson) decide que el mundo está sobrepoblado, así que desea hacerle un favor a la Tierra y eliminar a unos cuantos millones de habitantes, a través de sus teléfonos celulares. En su camino, muy a su pesar, se cruzan los agentes de una organización súper secreta que se autodenominan Kingsman, una suerte de órden de caballeros modernos cuya misión es preservar la paz y la armonía en la sociedad, usando para tal fin todos los adelantos tecnológicos y las habilidades de los agentes secretos.

Harry Hart (Colin Firth) es un súper agente, el prototipo de Kingsman, quien se encarga de enrolar para la organización al hijo de un agente caído en combate, el joven Gary “Eggsy” Unwin (Taron Egerton). Vemos a Eggsy sobresalir en casi todas las pruebas a las que es sometido, y luego participar activamente en el combate contra Valentine.

En medio de muestras de la mejor flema inglesa y de su peculiar sentido del humor (efectivo casi siempre), la narración es fluida y entretenida, con luchas, escenas de acción muy bien logradas, con las exageraciones en efectos especiales propias del género (muy buenos por cierto), además de un estupendo trabajo del equipo actoral, que incluye además de a Jackson y a Firth al experimentado Michael Cain y a Mark Strong, cuyo resultado es el de una película disfrutable, sin mayores pretensiones.

Del mismo tenor que las cintas del Agente 007, Kingsman se inclina más por un argumento más ligero, pero no por eso menos entretenido, menor acción y efectos especiales.

50 Sombras de Grey

¿Quién domina a quién?

Las trampas del amor

Ricardo Martínez García

La primera parte de esta franquicia cinematográfica ha generado excesivas expectativas, gracias a una efectiva publicidad que apela más que a la curiosidad al morbo, al deseo ya no tan oculto de presenciar escenas sexuales explícitas desde la pantalla grande pero sin llegar a la vulgaridad o banalidad de lo pornográfico.

Christian Grey (Jamie Dornan) es un millonario con costumbres sexuales de un género tan preciso que necesita primero de contratos de confidencialidad por parte de las mujeres con quienes se relaciona, y luego de contratos personales donde se especifica el rol que jugará cada miembro de la pareja.

El sexo no es tan explícito como sí lo es lo que especifica de modo escrito en el contrato entre el hombre dominator Grey y la sumisa Anastasia Steel (Dakota Johnson), una estudiante que se comporta como una muchacha provinciana que se enamora del inmensamente rico y culto hombre de negocios Grey.

La perversión de Grey consiste en conseguir que su pareja de turno admita, de modo voluntario y en ejercicio de su libertad, una serie de requerimientos que colocan a la relación muy cerca del sadismo en un grado de adulteración que lo convierte en algo muy light.

Ana Steel, sin embargo, en el proceso de conocer a Grey, se enamora de él, ella es una idealista, apela a los sentimientos de Grey y cree que con ellos de su lado conquistará al conquistador, al dominador dominado, dándole la vuelta a la relación, o haciéndola dialéctica, de ida y vuelta, en un movimiento audaz, que la coloca por momentos en el extremo opuesto de su papel, no aceptado aún, de ser la sumisa-tapete de Grey.

El lujo y la exquisitez de los bienes materiales, mostrados prolijamente en la cinta, devienen en algo banal, cuando se muestra que es la envoltura corporal de nuestros seres lo que se esgrime como único referente de la realidad amorosa. Los utensilios que suele usar Grey en su habitación de juegos son diseñados para exaltar o realizar una amplificación de los sentidos, que son puestos al servicio de la exploración y la experimentación del placer sensual.

El planteamiento general de la cinta queda lejos de otras más provocativas o atrevidas, como 9 Semanas y Media (86) de Adrian Lyne, El Último Tango en París (72) de Bernardo Bertolucci, o de El imperio de los Sentidos (76), de Nagisa Oshima.

Birdman o La inesperada virtud de la ignorancia

Fantástica introspección

El peligro de conocerse

Ricardo Martínez García

Más allá de un relato fílmico sobre un personaje surgido del cómic, Birdman o la Inesperada Virtud de la Ignorancia es un relato sobre la introspección que realiza el personaje protagónico, pero a la vez, y a partir de un manejo adecuado de las técnicas fílmicas, es una reflexión del propio realizador fílmico sobre su trabajo y todo lo que se relaciona directamente con él.

En medio de secuencias que fluyen constante y vertiginosamente desde las entrañas de un teatro y hasta el escenario, a veces siguiendo a un personaje, a veces adelantándosele, vemos al veterano actor Riggan (Michael Keaton) entablando una conversación consigo mismo, o con su álter ego, del cual le resulta difícil ya desmarcarse. Ante la inminencia del estreno de una obra escrita por él mismo, Riggan realiza un ejercicio de introspección que lo lleva casi a abandonarse de sí mismo completamente.

Alejandro González Iñárritu explora y explota el aspecto más actoral y teatral del gran equipo que ha conjuntado. Vemos así duelos de actuaciones entre Michael Keaton y Edward Norton, a veces con intencionadas sobreactuaciones, entre Norton y Emma Stone, entre Keaton y Naomi Watts, etc. Los momentos climáticos están resaltados por la exuberancia de una batería precisa y poderosa, tocada por Antonio Sánchez

El resultado de esta interminable interacción pudiera parecer caótica, como lo es a veces esa búsqueda de sí mismo que Riggan se propone y desea alcanzar, así como poner en orden su vida sentimental, su trabajo y sus aspiraciones. En esa búsqueda, la realidad se confunde con la ficción o la fantasía, algo que tienen en común las obras teatrales como las cinematográficas (como cuando alguien pregunta “¿Es esto real o están filmando una película?”, que para el caso da lo mismo).

Con una sobresaliente actuación de Keaton, Birdman al final parece encontrarse a sí mismo y puede volar de verdad.

Relatos Salvajes

Trágicómicos relatos

Catarsis y expiación

Ricardo Martínez García.

Oscilando entre el humor negro, la parodia y la crítica política y social en tono irónico, la cinta de Damián Szifrón Relatos Salvajes (14) muestra una bien entretejida y entretenida colección de historias en las que el espectador verá identificados algunos de sus propios deseos o reconocerá situaciones cotidianas exasperantes, indignantes o francamente jocosas.

El afán de revancha contra aquellos que, de una u otra manera, fraguaron un destino personal oscuro, la afrenta irracional entre dos conductores que los conduce a la destrucción, la indignación ante el abuso de una empresa relacionada con infracciones de autos, íntimamente relacionada con la incomprensión de la esposa, cargarle la culpa a un inocente de los errores fatales de otros, o la novia recién casada que explota en plena boda, son algunos de los temas que expresa de manera ágil y brillante esta cinta argentina.

Dos de los cuentos narrados en este filme llaman la atención: uno, por mostrar lo que casi cualquier ciudadano desearía hacer ante la hipocresía, cinismo, prepotencia y avaricia que muestran algunos candidatos de la clase política de cualquier país al hacer campaña electoral. Suspender de modo absoluto tales carreras políticas sería como “hacerle un favor a la comunidad”, y resulta difícil no estar de acuerdo con ello.

La otra historia es aquella en la que un ciudadano honorable es llevado al límite de la exasperación por una empresa dedicada a cazar infractores vehiculares, sin importar si las condiciones de señalización sean claras o no. Comprensiblemente cualquier ciudadano en circunstancias así se sentirá no solo víctima de un atraco, sino de una impotencia ante la maquinaria burocrática a la que solo le interesa el pago de la infracción.

¿Cómo no sentir cierto regocijo ante las últimas consecuencias de estos relatos, que invitan a la reflexión de modo divertido e ingenioso? El trabajo del equipo actoral es efectivo y preciso, así como la escenificación y fotografía. El título de Relatos Salvajes es más que acertado, pues cada historia es tan concisa y exacta como algunos cuentos de Juan Villoro o Roberto Bolaño.

El Código Enigma

Un héroe desprestigiado

Homenaje póstumo fílmico

Ricardo Martínez García

Alan Turing fue un matemático especialista en lógica, criptología y filosofía. Su vida transcurrió entre 1912 y 1954 en una Inglaterra con perceptibles resabios de la vieja moral victoriana y enfrentada a una de sus peores crisis internacionales, al participar en ambas guerras mundiales.

Como lógico matemático, Turing demostró la irresolubilidad del llamado “problema de decisión”, y que dio paso a lo que se conoce como la “máquina de Turing”. Por estas y otras importantes aportaciones Turing es conocido como el precursor de la informática. Tal personaje es el que presenta la cinta El Código Enigma (The Imitation Game, 14).

Benedict Cumberbatch, el talentoso actor británico al que hemos visto como Julian Assange (The Fifth Estate, 13), o como Sherlock Holmes en la serie para la televisión de la BBC, entre otros trabajos, hace un poderoso y sensible retrato de Turing, al que se podría muy bien considerar un verdadero héroe de guerra, sin haber estado en el frente ni haber disparado una sola bala.

La cinta, dirigida por Morten Tyldum, inicia la narración en el momento en el que Turing es reclutado por la Naval británica para una tarea que a la larga definiría en gran parte el destino como nación de Inglaterra, en esos momentos en guerra con la Alemania Nazi: el desciframiento de los mensajes en código que los alemanes enviaban a sus tropas, usando una máquina llamada Enigma.

En cierto modo soberbio, muy seguro de sí mismo, el matemático Turing comienza a imponer su modo de trabajo a un equipo de criptólogos inicialmente renuentes a ayudarlo, pero al ver su esfuerzo y dedicación, así como la sospecha de que algo puede funcionar en el desempeño de su máquina, el equipo termina por apoyarlo. Una observación casual hace que den con la clave para descifrar los mensajes cifrados alemanes.

El aspecto dramático lo ofrecen algunos flashbacks, que muestran a Turing sufriendo bullying en la escuela, y luego perdiendo a su primer amor y compañero adolescente de la escuela. Lo vemos también comprometiéndose con su colega Joan Clarke (Keira Knightley) para luego revelarle que no puede casarse con ella por su homosexualidad, algo que a la postre le impedirá seguir desarrollando su brillante carrera como teórico de las matemáticas y la informática, al ser procesado por el gobierno, que consideraba a la homosexualidad como un delito.

Sin duda una de las mejores cintas del 2014, que mueve a la reflexión sobre la intolerancia ante las preferencias sexuales de algunas personas que, irónicamente, son o fueron claves para el futuro de sus naciones.

Archivo 253

Los sustos están en otra parte

Fórmula probada

Ricardo Martínez García.

De acuerdo con lo que ha dicho el director de “Archivo 253”, Abe Rosenberg, a los medios de comunicación, la cinta fue filmada antes de la demolición del edificio en ruinas de la Clinica Psiquiátrica San Rafael, en 2013. Previamente ya había dejado de funcionar como tal en el 2009, pero si se demolió el edificio, ¿cómo fue que encontraron ese material fílmico? ¿Quién y cómo fue que fueron encontrados los equipos de filmación que registraron las escenas que componen esta cinta? 

Como argumento promocional está bien, pero lógicamente resulta poco creíble.

La experiencia de entrar en un mundo desconocido, sumergirse en otro tipo de realidades siniestras, por la pura curiosidad, o por la necesidad de emociones grandes, lleva a un grupo de amigos a ingresar al ruinoso edificio que albergaba la enorme clínica psiquiátrica San Rafael.

Con un formato fílmico que hacer recordar cintas del mismo género como “El proyecto de la bruja de Blair”, o las españolas “REC”, entre otras, en el cual se filma lo que se va experimentando (algo que de manera más atractiva realiza el equipo de la psíquica o vidente Aurora –Geraldine Chaplin- en El Orfanato, de J.A. Bayona), con la cámara al hombro o en la mano, filmando como supuestamente se va avanzando en el laberíntico conjunto de pisos, pasillos y habitaciones desmanteladas.

Sin prácticamente efectos especiales, Rosenberg apuesta por la ambientación escénica y el suspenso que pretende construir con la exploración (de noche) que realizan los protagonistas en el viejo edificio. La claustrofobia que experimentan, más la repulsión en ciertas zonas y la provocación gratuita a la manifestación de entidades resultan previsibles y artificiosas, por lo que el argumento resulta inconsistente y endeble.

La cinta debía haber sido más bien sobre lo que el director ha comentado a los medios especializados que cubrieron su estreno, pues comentó anécdotas interesantes: que al filmar, la protagonista femenina sufrió una descompensación al encontrarse con unos dibujos perturbadores que eran parte de un expediente (y que no aparecen en la cinta) de un paciente de la ex clínica psiquiátrica, o que el equipo de producción no quería trabajar de noche porque oyeron cosas que los espantaron, o que sentían el ambiente muy pesado, con mala vibra. Tal vez así sí habría sido una cinta de terror.

El Hobbit, La Batalla de los Cinco Ejércitos

Fantasía Bélica Medieval

Un pequeño aventurero

Ricardo Martínez García

La tercera y última parte de la precuela de El señor de los Anillos (Jackson, 03), El Hobbit, la Batalla de los Cinco Ejércitos, llega sin pena ni gloria, como el cierre un tanto anticlimático de un ciclo con el que los fans se habían familiarizado a lo largo de los años Han sido algo más de once años los transcurridos desde que Peter Jackson comenzó a dirigir estas cintas basadas en las novelas de J. R. R. Tolkien y de su vasto mundo de fantasía épica medieval de inspiración cristiana.

En La Batalla de los Cinco Ejércitos nuevamente asistimos a la lucha entre las fuerzas del bien, representadas por los divididos ejércitos de Elfos, humanos y Enanos, contra los mejor organizados contingentes de orcos y demás seres creados para el mal, no sin antes zanjar la eliminación del mítico dragón Smaug, quien se había apoderado de la Montaña Solitaria, albergue de las riquezas acumuladas por una casta de nobles enanos, en la anterior cinta de la trilogía.

El argumento básico se mantiene: el bien y el mal enfrentados de manera permanente, en busca de hacerse del control total del mundo conocido. La cinta muestra signos de una historia fatigada, que se percibe ya como un alargamiento más con fines comerciales que narrativos, algo que le ha ocurrido también, en cierta medida, a otras famosas sagas, como la Guerra de las Galaxias, Crepúsculo o más recientemente Los Juegos del Hambre. La de Harry Potter fue tal vez tan exitosa, porque mostró el paso paulatino de ser niños a adolescentes de los protagonistas.

Sin duda, La Batalla es una cinta admirable en varios sentidos: efectos especiales, despliegue de extras, vestuario, maquillaje. Pero la historia en sí ya ha dejado naturalmente la novedad y originalidad inicial, incluso a ratos los diálogos muestran cierto acartonamiento, sobre todo los que llevan a cabo los enanos al interior de la Montaña Solitaria.

Bilbo Bolsón (Martin Freeman) es un personaje importante pero secundario, lo mismo que la mayoría de los que intervienen en la cinta. Una vez más Légolas (Orlando Bloom) fascina con sus movimientos de acróbata de lo imposible, pero como es una precuela, deberíamos decir que fascina por primera vez, dejando ver una futura amistad con Aragorn y un enano que sería famoso.